La galerie des artistes contemporains
FRAIS DE LIVRAISON OFFERTS
En France
PAIEMENT SÉCURISÉ
Visa, Mastercard...
SATISFAIT OU REMBOURSÉ
14 jours pour changer d'avis
SERVICE APRÈS VENTE
A votre écoute de 13h à 19h
116 résultats
Affichage
2
Photographie sur dibond de Clara CENA : Absorbé par le temps (18)
Photographie
Technique : Photographie Support : Dibond Cadre : sans Quantité : 5 Dimensions  : 20 x 20 cm / 35 x 35 cm / 60 x 60 cm / 80 x 80 cm / 120 x 120 cm Année : 2018 Auteur : Clara CENA

Livraison colissimo gratuite

Facilités de paiement ou  règlement  en BITCOINS   contactez nous.

En savoir plus sur l'artiste Clara CENA

Ma démarche.

La peinture a une influence majeure sur mon travail photographique,notamment des peintres tels que Hopper , Peter Klasen, ou Dali m'ont amenée à une réflexion intellectuelle et plastique concernant l'évolution de mes photos. Les couleurs parfois saturées, les jeux de lumière, les contrastes,l'utilisation du noir et blanc, la mise en scène, suscitent une atmosphère onirique qui veut provoquer l'émotion, le trouble en interpellant le spectateur à s'interroger sur ses propres rêves,ses fantasmes, ses peurs,ou ses frustrations.C'est par la connaissance de soi,que l'Homme peut espérer accéder à sa vérité .

La question essentielle qui se pose, est la remise en cause de l'objectivité. Pour résumer, je dirai que seul notre esprit se construit sa propre vérité.

Chaque photographie ne se résume plus à une simple prise de vue, elle est une histoire symbolique, conçue et réfléchie.

Les deux thèmes récurrents dans la thématique de mon travail, sont la solitude existentielle de l'Homme,mais aussi sa quête qui pourrait donner un sens à la vie.

Biographie

Très jeune, je pratique la peinture, les couleurs me fascinent, j'utilise la gouache, l'aquarelle, l'acrylique...

Je m'inscris à deux écoles d'arts plastiques différentes. J'ai travaillé sur des supports divers.

C'est en découvrant le photographe Man Ray,que je décide d'aborder la photographie,captivée par le travail de ce grand artiste.

En ce qui concerne ma formation,c' est un photographe professionnel qui m'a appris l'essentiel.

J'ai débuté par l'argentique que j'ai utilisé pendant plusieurs années,cela me paraissait incontournable pour comprendre cette discipline, avant de passer au numérique.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage privé,  public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 
À partir de 250
Photographie sur dibond de Clara CENA : Absorbé par le temps (1bis)
Photographie
Technique : Photographie Support : Dibond Cadre : sans Quantité : 5 Dimensions  : 20 x 20 cm / 35 x 35 cm / 60 x 60 cm / 80 x 80 cm / 120 x 120 cm Année : 2018 Auteur : Clara CENA

Livraison colissimo gratuite

Facilités de paiement ou  règlement  en BITCOINS   contactez nous.

En savoir plus sur l'artiste Clara CENA

 

 

 

Clara CENA vit et travaille en région parisienne

Ma démarche.

La peinture a une influence majeure sur mon travail photographique,notamment des peintres tels que Hopper , Peter Klasen, ou Dali m'ont amenée à une réflexion intellectuelle et plastique concernant l'évolution de mes photos. Les couleurs parfois saturées, les jeux de lumière, les contrastes,l'utilisation du noir et blanc, la mise en scène, suscitent une atmosphère onirique qui veut provoquer l'émotion, le trouble en interpellant le spectateur à s'interroger sur ses propres rêves,ses fantasmes, ses peurs,ou ses frustrations.

C'est par la connaissance de soi,que l'Homme peut espérer accéder à sa vérité .

La question essentielle qui se pose, est la remise en cause de l'objectivité. Pour résumer, je dirai que seul notre esprit se construit sa propre vérité.

Chaque photographie ne se résume plus à une simple prise de vue, elle est une histoire symbolique, conçue et réfléchie.

Les deux thèmes récurrents dans la thématique de mon travail, sont la solitude existentielle de l'Homme,mais aussi sa quête qui pourrait donner un sens à la vie.

Biographie

Très jeune, je pratique la peinture, les couleurs me fascinent, j'utilise la gouache, l'aquarelle, l'acrylique...

Je m'inscris à deux écoles d'arts plastiques différentes. J'ai travaillé sur des supports divers.

C'est en découvrant le photographe Man Ray,que je décide d'aborder la photographie,captivée par le travail de ce grand artiste.

En ce qui concerne ma formation,c' est un photographe professionnel qui m'a appris l'essentiel.

J'ai débuté par l'argentique que j'ai utilisé pendant plusieurs années,cela me paraissait incontournable pour comprendre cette discipline, avant de passer au numérique.

----------------------------------------------------------------------------------------------------------


*Cette oeuvre  étant également en vente en galerie, il se peut qu'elle y trouve acheteur, et que  malgré nos mises à jour fréquentes  elle soit indisponible; dans ce cas, nous procèderions alors à remboursement immédiat.

** Malgré le soin apporté à nos photos, il se peut qu'une légère différence subsiste avec la couleur réelle.

***Toute copie à usage public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 


 

 
À partir de 250
Photographie sur dibond de Clara CENA : Absorbé par le temps (2)
Photographie
Technique : Photographie Support : Dibond Cadre : sans Quantité : 5 Dimensions  : 20 x 20 cm / 35 x 35 cm / 60 x 60 cm / 80 x 80 cm / 120 x 120 cm Année : 2018 Auteur : Clara CENA

Livraison colissimo gratuite

Facilités de paiement ou  règlement  en BITCOINS   contactez nous.

En savoir plus sur l'artiste Clara CENA

Ma démarche.

La peinture a une influence majeure sur mon travail photographique,notamment des peintres tels que Hopper , Peter Klasen, ou Dali m'ont amenée à une réflexion intellectuelle et plastique concernant l'évolution de mes photos. Les couleurs parfois saturées, les jeux de lumière, les contrastes,l'utilisation du noir et blanc, la mise en scène, suscitent une atmosphère onirique qui veut provoquer l'émotion, le trouble en interpellant le spectateur à s'interroger sur ses propres rêves,ses fantasmes, ses peurs,ou ses frustrations.C'est par la connaissance de soi,que l'Homme peut espérer accéder à sa vérité .

La question essentielle qui se pose, est la remise en cause de l'objectivité. Pour résumer, je dirai que seul notre esprit se construit sa propre vérité.

Chaque photographie ne se résume plus à une simple prise de vue, elle est une histoire symbolique, conçue et réfléchie.

Les deux thèmes récurrents dans la thématique de mon travail, sont la solitude existentielle de l'Homme,mais aussi sa quête qui pourrait donner un sens à la vie.

Biographie

Très jeune, je pratique la peinture, les couleurs me fascinent, j'utilise la gouache, l'aquarelle, l'acrylique...

Je m'inscris à deux écoles d'arts plastiques différentes. J'ai travaillé sur des supports divers.

C'est en découvrant le photographe Man Ray,que je décide d'aborder la photographie,captivée par le travail de ce grand artiste.

En ce qui concerne ma formation,c' est un photographe professionnel qui m'a appris l'essentiel.

J'ai débuté par l'argentique que j'ai utilisé pendant plusieurs années,cela me paraissait incontournable pour comprendre cette discipline, avant de passer au numérique.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage privé,  public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 
À partir de 250
Photographie sur dibond de Clara CENA : Absorbé par le temps (3bis)
Photographie
Technique : Photographie Support : Dibond Cadre : sans Quantité : 5 Dimensions  : 20 x 20 cm / 35 x 35 cm / 60 x 60 cm / 80 x 80 cm / 120 x 120 cm Année : 2018 Auteur : Clara CENA

Livraison colissimo gratuite

Facilités de paiement ou  règlement  en BITCOINS   contactez nous.

En savoir plus sur l'artiste Clara CENA

Ma démarche.

La peinture a une influence majeure sur mon travail photographique,notamment des peintres tels que Hopper , Peter Klasen, ou Dali m'ont amenée à une réflexion intellectuelle et plastique concernant l'évolution de mes photos. Les couleurs parfois saturées, les jeux de lumière, les contrastes,l'utilisation du noir et blanc, la mise en scène, suscitent une atmosphère onirique qui veut provoquer l'émotion, le trouble en interpellant le spectateur à s'interroger sur ses propres rêves,ses fantasmes, ses peurs,ou ses frustrations.C'est par la connaissance de soi,que l'Homme peut espérer accéder à sa vérité .

La question essentielle qui se pose, est la remise en cause de l'objectivité. Pour résumer, je dirai que seul notre esprit se construit sa propre vérité.

Chaque photographie ne se résume plus à une simple prise de vue, elle est une histoire symbolique, conçue et réfléchie.

Les deux thèmes récurrents dans la thématique de mon travail, sont la solitude existentielle de l'Homme,mais aussi sa quête qui pourrait donner un sens à la vie.

Biographie

Très jeune, je pratique la peinture, les couleurs me fascinent, j'utilise la gouache, l'aquarelle, l'acrylique...

Je m'inscris à deux écoles d'arts plastiques différentes. J'ai travaillé sur des supports divers.

C'est en découvrant le photographe Man Ray,que je décide d'aborder la photographie,captivée par le travail de ce grand artiste.

En ce qui concerne ma formation,c' est un photographe professionnel qui m'a appris l'essentiel.

J'ai débuté par l'argentique que j'ai utilisé pendant plusieurs années,cela me paraissait incontournable pour comprendre cette discipline, avant de passer au numérique.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage privé,  public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 
À partir de 250
Photographie sur dibond de Clara CENA : Absorbé par le temps (4)
Photographie
Technique : Photographie Support : Dibond Cadre : sans Quantité : 5 Dimensions  : 20 x 20 cm / 35 x 35 cm / 60 x 60 cm / 80 x 80 cm / 120 x 120 cm Année : 2018 Auteur : Clara CENA

Livraison colissimo gratuite

Facilités de paiement ou  règlement  en BITCOINS   contactez nous.

En savoir plus sur l'artiste Clara CENA

Ma démarche.

La peinture a une influence majeure sur mon travail photographique,notamment des peintres tels que Hopper , Peter Klasen, ou Dali m'ont amenée à une réflexion intellectuelle et plastique concernant l'évolution de mes photos. Les couleurs parfois saturées, les jeux de lumière, les contrastes,l'utilisation du noir et blanc, la mise en scène, suscitent une atmosphère onirique qui veut provoquer l'émotion, le trouble en interpellant le spectateur à s'interroger sur ses propres rêves,ses fantasmes, ses peurs,ou ses frustrations.C'est par la connaissance de soi,que l'Homme peut espérer accéder à sa vérité .

La question essentielle qui se pose, est la remise en cause de l'objectivité. Pour résumer, je dirai que seul notre esprit se construit sa propre vérité.

Chaque photographie ne se résume plus à une simple prise de vue, elle est une histoire symbolique, conçue et réfléchie.

Les deux thèmes récurrents dans la thématique de mon travail, sont la solitude existentielle de l'Homme,mais aussi sa quête qui pourrait donner un sens à la vie.

Biographie

Très jeune, je pratique la peinture, les couleurs me fascinent, j'utilise la gouache, l'aquarelle, l'acrylique...

Je m'inscris à deux écoles d'arts plastiques différentes. J'ai travaillé sur des supports divers.

C'est en découvrant le photographe Man Ray,que je décide d'aborder la photographie,captivée par le travail de ce grand artiste.

En ce qui concerne ma formation,c' est un photographe professionnel qui m'a appris l'essentiel.

J'ai débuté par l'argentique que j'ai utilisé pendant plusieurs années,cela me paraissait incontournable pour comprendre cette discipline, avant de passer au numérique.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage privé,  public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 
À partir de 250
Photographie sur dibond de Clara CENA : Absorbé par le temps (6)
Photographie
Technique : Photographie Support : Dibond Cadre : sans Quantité : 5 Dimensions  : 20 x 20 cm / 35 x 35 cm / 60 x 60 cm / 80 x 80 cm / 120 x 120 cm Année : 2018 Auteur : Clara CENA

Livraison colissimo gratuite

Facilités de paiement ou  règlement  en BITCOINS   contactez nous.

En savoir plus sur l'artiste Clara CENA

Ma démarche.

La peinture a une influence majeure sur mon travail photographique,notamment des peintres tels que Hopper , Peter Klasen, ou Dali m'ont amenée à une réflexion intellectuelle et plastique concernant l'évolution de mes photos. Les couleurs parfois saturées, les jeux de lumière, les contrastes,l'utilisation du noir et blanc, la mise en scène, suscitent une atmosphère onirique qui veut provoquer l'émotion, le trouble en interpellant le spectateur à s'interroger sur ses propres rêves,ses fantasmes, ses peurs,ou ses frustrations.C'est par la connaissance de soi,que l'Homme peut espérer accéder à sa vérité .

La question essentielle qui se pose, est la remise en cause de l'objectivité. Pour résumer, je dirai que seul notre esprit se construit sa propre vérité.

Chaque photographie ne se résume plus à une simple prise de vue, elle est une histoire symbolique, conçue et réfléchie.

Les deux thèmes récurrents dans la thématique de mon travail, sont la solitude existentielle de l'Homme,mais aussi sa quête qui pourrait donner un sens à la vie.

Biographie

Très jeune, je pratique la peinture, les couleurs me fascinent, j'utilise la gouache, l'aquarelle, l'acrylique...

Je m'inscris à deux écoles d'arts plastiques différentes. J'ai travaillé sur des supports divers.

C'est en découvrant le photographe Man Ray,que je décide d'aborder la photographie,captivée par le travail de ce grand artiste.

En ce qui concerne ma formation,c' est un photographe professionnel qui m'a appris l'essentiel.

J'ai débuté par l'argentique que j'ai utilisé pendant plusieurs années,cela me paraissait incontournable pour comprendre cette discipline, avant de passer au numérique.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage privé,  public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 
À partir de 250
Photographie sur dibond de Clara CENA : Absorbé par le temps (3)
Photographie
Technique : Photographie Support : Dibond Cadre : sans Quantité : 5 Dimensions  : 20 x 20 cm / 35 x 35 cm / 60 x 60 cm / 80 x 80 cm / 120 x 120 cm Année : 2018 Auteur : Clara CENA

Livraison colissimo gratuite

Facilités de paiement ou  règlement  en BITCOINS   contactez nous.

En savoir plus sur l'artiste Clara CENA

Ma démarche.

La peinture a une influence majeure sur mon travail photographique,notamment des peintres tels que Hopper , Peter Klasen, ou Dali m'ont amenée à une réflexion intellectuelle et plastique concernant l'évolution de mes photos. Les couleurs parfois saturées, les jeux de lumière, les contrastes,l'utilisation du noir et blanc, la mise en scène, suscitent une atmosphère onirique qui veut provoquer l'émotion, le trouble en interpellant le spectateur à s'interroger sur ses propres rêves,ses fantasmes, ses peurs,ou ses frustrations.C'est par la connaissance de soi,que l'Homme peut espérer accéder à sa vérité .

La question essentielle qui se pose, est la remise en cause de l'objectivité. Pour résumer, je dirai que seul notre esprit se construit sa propre vérité.

Chaque photographie ne se résume plus à une simple prise de vue, elle est une histoire symbolique, conçue et réfléchie.

Les deux thèmes récurrents dans la thématique de mon travail, sont la solitude existentielle de l'Homme,mais aussi sa quête qui pourrait donner un sens à la vie.

Biographie

Très jeune, je pratique la peinture, les couleurs me fascinent, j'utilise la gouache, l'aquarelle, l'acrylique...

Je m'inscris à deux écoles d'arts plastiques différentes. J'ai travaillé sur des supports divers.

C'est en découvrant le photographe Man Ray,que je décide d'aborder la photographie,captivée par le travail de ce grand artiste.

En ce qui concerne ma formation,c' est un photographe professionnel qui m'a appris l'essentiel.

J'ai débuté par l'argentique que j'ai utilisé pendant plusieurs années,cela me paraissait incontournable pour comprendre cette discipline, avant de passer au numérique.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage privé,  public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 
À partir de 250
2
Photographie sur dibond de Clara CENA : Absorbé par le temps (16)
Photographie
Technique : Photographie Support : Dibond Cadre : sans Quantité : 5 Dimensions  : 20 x 20 cm / 35 x 35 cm / 60 x 60 cm / 80 x 80 cm / 120 x 120 cm Année : 2018 Auteur : Clara CENA

Livraison colissimo gratuite

Facilités de paiement ou  règlement  en BITCOINS   contactez nous.

En savoir plus sur l'artiste Clara CENA

Ma démarche.

La peinture a une influence majeure sur mon travail photographique,notamment des peintres tels que Hopper , Peter Klasen, ou Dali m'ont amenée à une réflexion intellectuelle et plastique concernant l'évolution de mes photos. Les couleurs parfois saturées, les jeux de lumière, les contrastes,l'utilisation du noir et blanc, la mise en scène, suscitent une atmosphère onirique qui veut provoquer l'émotion, le trouble en interpellant le spectateur à s'interroger sur ses propres rêves,ses fantasmes, ses peurs,ou ses frustrations.C'est par la connaissance de soi,que l'Homme peut espérer accéder à sa vérité .

La question essentielle qui se pose, est la remise en cause de l'objectivité. Pour résumer, je dirai que seul notre esprit se construit sa propre vérité.

Chaque photographie ne se résume plus à une simple prise de vue, elle est une histoire symbolique, conçue et réfléchie.

Les deux thèmes récurrents dans la thématique de mon travail, sont la solitude existentielle de l'Homme,mais aussi sa quête qui pourrait donner un sens à la vie.

Biographie

Très jeune, je pratique la peinture, les couleurs me fascinent, j'utilise la gouache, l'aquarelle, l'acrylique...

Je m'inscris à deux écoles d'arts plastiques différentes. J'ai travaillé sur des supports divers.

C'est en découvrant le photographe Man Ray,que je décide d'aborder la photographie,captivée par le travail de ce grand artiste.

En ce qui concerne ma formation,c' est un photographe professionnel qui m'a appris l'essentiel.

J'ai débuté par l'argentique que j'ai utilisé pendant plusieurs années,cela me paraissait incontournable pour comprendre cette discipline, avant de passer au numérique.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage privé,  public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 
À partir de 250
2
Photographie sur dibond de Clara CENA : Absorbé par le temps (19)
Photographie
Technique : Photographie Support : Dibond Cadre : sans Quantité : 5 Dimensions  : 20 x 20 cm / 35 x 35 cm / 60 x 60 cm / 80 x 80 cm / 120 x 120 cm Année : 2018 Auteur : Clara CENA

Livraison colissimo gratuite

Facilités de paiement ou  règlement  en BITCOINS   contactez nous.

En savoir plus sur l'artiste Clara CENA

Ma démarche.

La peinture a une influence majeure sur mon travail photographique,notamment des peintres tels que Hopper , Peter Klasen, ou Dali m'ont amenée à une réflexion intellectuelle et plastique concernant l'évolution de mes photos. Les couleurs parfois saturées, les jeux de lumière, les contrastes,l'utilisation du noir et blanc, la mise en scène, suscitent une atmosphère onirique qui veut provoquer l'émotion, le trouble en interpellant le spectateur à s'interroger sur ses propres rêves,ses fantasmes, ses peurs,ou ses frustrations.C'est par la connaissance de soi,que l'Homme peut espérer accéder à sa vérité .

La question essentielle qui se pose, est la remise en cause de l'objectivité. Pour résumer, je dirai que seul notre esprit se construit sa propre vérité.

Chaque photographie ne se résume plus à une simple prise de vue, elle est une histoire symbolique, conçue et réfléchie.

Les deux thèmes récurrents dans la thématique de mon travail, sont la solitude existentielle de l'Homme,mais aussi sa quête qui pourrait donner un sens à la vie.

Biographie

Très jeune, je pratique la peinture, les couleurs me fascinent, j'utilise la gouache, l'aquarelle, l'acrylique...

Je m'inscris à deux écoles d'arts plastiques différentes. J'ai travaillé sur des supports divers.

C'est en découvrant le photographe Man Ray,que je décide d'aborder la photographie,captivée par le travail de ce grand artiste.

En ce qui concerne ma formation,c' est un photographe professionnel qui m'a appris l'essentiel.

J'ai débuté par l'argentique que j'ai utilisé pendant plusieurs années,cela me paraissait incontournable pour comprendre cette discipline, avant de passer au numérique.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage privé,  public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 
À partir de 250
Photographie sur dibond de Clara CENA : Absorbé par le temps
Photographie
Technique : Photographie Support : Dibond Cadre : sans Quantité : 5 Dimensions  : 20 x 20 cm / 35 x 35 cm / 60 x 60 cm / 80 x 80 cm / 120 x 120 cm Année : 2018 Auteur : Clara CENA

Livraison colissimo gratuite

Facilités de paiement ou  règlement  en BITCOINS   contactez nous.

En savoir plus sur l'artiste Clara CENA

Ma démarche.

La peinture a une influence majeure sur mon travail photographique,notamment des peintres tels que Hopper , Peter Klasen, ou Dali m'ont amenée à une réflexion intellectuelle et plastique concernant l'évolution de mes photos. Les couleurs parfois saturées, les jeux de lumière, les contrastes,l'utilisation du noir et blanc, la mise en scène, suscitent une atmosphère onirique qui veut provoquer l'émotion, le trouble en interpellant le spectateur à s'interroger sur ses propres rêves,ses fantasmes, ses peurs,ou ses frustrations.C'est par la connaissance de soi,que l'Homme peut espérer accéder à sa vérité .

La question essentielle qui se pose, est la remise en cause de l'objectivité. Pour résumer, je dirai que seul notre esprit se construit sa propre vérité.

Chaque photographie ne se résume plus à une simple prise de vue, elle est une histoire symbolique, conçue et réfléchie.

Les deux thèmes récurrents dans la thématique de mon travail, sont la solitude existentielle de l'Homme,mais aussi sa quête qui pourrait donner un sens à la vie.

Biographie

Très jeune, je pratique la peinture, les couleurs me fascinent, j'utilise la gouache, l'aquarelle, l'acrylique...

Je m'inscris à deux écoles d'arts plastiques différentes. J'ai travaillé sur des supports divers.

C'est en découvrant le photographe Man Ray,que je décide d'aborder la photographie,captivée par le travail de ce grand artiste.

En ce qui concerne ma formation,c' est un photographe professionnel qui m'a appris l'essentiel.

J'ai débuté par l'argentique que j'ai utilisé pendant plusieurs années,cela me paraissait incontournable pour comprendre cette discipline, avant de passer au numérique.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage privé,  public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 
À partir de 250
2
Photographie sur dibond de Clara CENA : Absorbé par le temps (1)
Photographie
Technique : Photographie Support : Dibond Cadre : sans Quantité : 5 Dimensions  : 20 x 20 cm / 35 x 35 cm / 60 x 60 cm / 80 x 80 cm / 120 x 120 cm Année : 2018 Auteur : Clara CENA

Livraison colissimo gratuite

Facilités de paiement ou  règlement  en BITCOINS   contactez nous.

En savoir plus sur l'artiste Clara CENA

Ma démarche.

La peinture a une influence majeure sur mon travail photographique,notamment des peintres tels que Hopper , Peter Klasen, ou Dali m'ont amenée à une réflexion intellectuelle et plastique concernant l'évolution de mes photos. Les couleurs parfois saturées, les jeux de lumière, les contrastes,l'utilisation du noir et blanc, la mise en scène, suscitent une atmosphère onirique qui veut provoquer l'émotion, le trouble en interpellant le spectateur à s'interroger sur ses propres rêves,ses fantasmes, ses peurs,ou ses frustrations.C'est par la connaissance de soi,que l'Homme peut espérer accéder à sa vérité .

La question essentielle qui se pose, est la remise en cause de l'objectivité. Pour résumer, je dirai que seul notre esprit se construit sa propre vérité.

Chaque photographie ne se résume plus à une simple prise de vue, elle est une histoire symbolique, conçue et réfléchie.

Les deux thèmes récurrents dans la thématique de mon travail, sont la solitude existentielle de l'Homme,mais aussi sa quête qui pourrait donner un sens à la vie.

Biographie

Très jeune, je pratique la peinture, les couleurs me fascinent, j'utilise la gouache, l'aquarelle, l'acrylique...

Je m'inscris à deux écoles d'arts plastiques différentes. J'ai travaillé sur des supports divers.

C'est en découvrant le photographe Man Ray,que je décide d'aborder la photographie,captivée par le travail de ce grand artiste.

En ce qui concerne ma formation,c' est un photographe professionnel qui m'a appris l'essentiel.

J'ai débuté par l'argentique que j'ai utilisé pendant plusieurs années,cela me paraissait incontournable pour comprendre cette discipline, avant de passer au numérique.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage privé,  public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 
À partir de 250
2
Photographie sur dibond de Clara CENA : Absorbé par le temps (7)
Photographie
Technique : Photographie Support : Dibond Cadre : sans Quantité : 5 Dimensions  : 20 x 20 cm / 35 x 35 cm / 60 x 60 cm / 80 x 80 cm / 120 x 120 cm Année : 2018 Auteur : Clara CENA

Livraison colissimo gratuite

Facilités de paiement ou  règlement  en BITCOINS   contactez nous.

En savoir plus sur l'artiste Clara CENA

Ma démarche.

La peinture a une influence majeure sur mon travail photographique,notamment des peintres tels que Hopper , Peter Klasen, ou Dali m'ont amenée à une réflexion intellectuelle et plastique concernant l'évolution de mes photos. Les couleurs parfois saturées, les jeux de lumière, les contrastes,l'utilisation du noir et blanc, la mise en scène, suscitent une atmosphère onirique qui veut provoquer l'émotion, le trouble en interpellant le spectateur à s'interroger sur ses propres rêves,ses fantasmes, ses peurs,ou ses frustrations.C'est par la connaissance de soi,que l'Homme peut espérer accéder à sa vérité .

La question essentielle qui se pose, est la remise en cause de l'objectivité. Pour résumer, je dirai que seul notre esprit se construit sa propre vérité.

Chaque photographie ne se résume plus à une simple prise de vue, elle est une histoire symbolique, conçue et réfléchie.

Les deux thèmes récurrents dans la thématique de mon travail, sont la solitude existentielle de l'Homme,mais aussi sa quête qui pourrait donner un sens à la vie.

Biographie

Très jeune, je pratique la peinture, les couleurs me fascinent, j'utilise la gouache, l'aquarelle, l'acrylique...

Je m'inscris à deux écoles d'arts plastiques différentes. J'ai travaillé sur des supports divers.

C'est en découvrant le photographe Man Ray,que je décide d'aborder la photographie,captivée par le travail de ce grand artiste.

En ce qui concerne ma formation,c' est un photographe professionnel qui m'a appris l'essentiel.

J'ai débuté par l'argentique que j'ai utilisé pendant plusieurs années,cela me paraissait incontournable pour comprendre cette discipline, avant de passer au numérique.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage privé,  public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 
À partir de 250
2
Beelitz Abandoned 1 - Photographie d'Else VINÆS
Photographie

Photographie numérique /Toile
45 cm x 70 cm x 2 cm
Cadre : sans
Année 2016
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Else VINÆS

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Else VINÆS est née en 1951, Autodidacte, vit et travaille à Roskilde  au Danemark.

 

Mes images expriment un sur-ensemble de la même humeur. Ils fournissent un lien tangible sous la forme de quelque chose d'intangible.


Dans mes considérations esthétiques je cherche une sensation et un sens de la relation de l'art à la réalité. En tant que photographe, je remplace créativité et nuances des langues avec des images dans lesquelles la signification symbolique représente une humeur intérieure. 
Le meilleur moment est toujours maintenant. 
Les images créent un récit significatif. La perspective narrative implique une compréhension du contenu avec une morale implicite, c’est l'un des termes de base. Les gens veulent créer du sens et de la cohérence comme un rempart contre le chaos et l'insécurité. 
Le récit se trouve partout dans nos vies. Cela vaut aussi pour les détails de la vie de tous les jours que nous entretenons avec notre caméra. Lorsque nous enregistrons avec l'appareil photo, nous faisons l'expérience d'une présence. Cette présence est la capacité d'être présent ici et maintenant avec toute son attention 
Je veux prendre la photographie traditionnelle en temps que base et y montrer les réalités qui n'ont jamais existées et qui ne le seront jamais. Séparer traités et composée d'objets de sorte que la vraie réalité approchée et plutôt créé une nouvelle réalité.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : VINAES21
750
2
Beelitz 2 - Photographie d'Else VINÆS
Photographie

Photographie numérique /Toile
70 cm x 70 cm x 2 cm
Cadre : sans
Année 2016
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Else VINÆS

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Else VINÆS est née en 1951, Autodidacte, vit et travaille à Roskilde  au Danemark.

 

Mes images expriment un sur-ensemble de la même humeur. Ils fournissent un lien tangible sous la forme de quelque chose d'intangible.


Dans mes considérations esthétiques je cherche une sensation et un sens de la relation de l'art à la réalité. En tant que photographe, je remplace créativité et nuances des langues avec des images dans lesquelles la signification symbolique représente une humeur intérieure. 
Le meilleur moment est toujours maintenant. 
Les images créent un récit significatif. La perspective narrative implique une compréhension du contenu avec une morale implicite, c’est l'un des termes de base. Les gens veulent créer du sens et de la cohérence comme un rempart contre le chaos et l'insécurité. 
Le récit se trouve partout dans nos vies. Cela vaut aussi pour les détails de la vie de tous les jours que nous entretenons avec notre caméra. Lorsque nous enregistrons avec l'appareil photo, nous faisons l'expérience d'une présence. Cette présence est la capacité d'être présent ici et maintenant avec toute son attention 
Je veux prendre la photographie traditionnelle en temps que base et y montrer les réalités qui n'ont jamais existées et qui ne le seront jamais. Séparer traités et composée d'objets de sorte que la vraie réalité approchée et plutôt créé une nouvelle réalité.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : VINAES21
900
2
Beelitz 1 - Photographie d'Else VINÆS
Photographie

Photographie numérique /Toile
70 cm x 100 cm x 2 cm
Cadre : sans
Année 2016
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Else VINÆS

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Else VINÆS est née en 1951, Autodidacte, vit et travaille à Roskilde  au Danemark.

 

Mes images expriment un sur-ensemble de la même humeur. Ils fournissent un lien tangible sous la forme de quelque chose d'intangible.


Dans mes considérations esthétiques je cherche une sensation et un sens de la relation de l'art à la réalité. En tant que photographe, je remplace créativité et nuances des langues avec des images dans lesquelles la signification symbolique représente une humeur intérieure. 
Le meilleur moment est toujours maintenant. 
Les images créent un récit significatif. La perspective narrative implique une compréhension du contenu avec une morale implicite, c’est l'un des termes de base. Les gens veulent créer du sens et de la cohérence comme un rempart contre le chaos et l'insécurité. 
Le récit se trouve partout dans nos vies. Cela vaut aussi pour les détails de la vie de tous les jours que nous entretenons avec notre caméra. Lorsque nous enregistrons avec l'appareil photo, nous faisons l'expérience d'une présence. Cette présence est la capacité d'être présent ici et maintenant avec toute son attention 
Je veux prendre la photographie traditionnelle en temps que base et y montrer les réalités qui n'ont jamais existées et qui ne le seront jamais. Séparer traités et composée d'objets de sorte que la vraie réalité approchée et plutôt créé une nouvelle réalité.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : VINAES20
1 400
3
Les sanglots longs - Photographie de MARICK
Photographie

Photographie / Papier
30 cm x 40 cm x 1 cm encadré
Cadre : Passe partout, sous verre et cadre bois noir
Année 2018
Tirages limités à 30 exemplaires (1/30)
Auteur : MARICK

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Née en 1944 à Besançon ( 25) elle entre à 15 ans pour travailler dans le laboratoire photo professionnel de son père Marcel Varret et en parallèle obtient un diplôme de l’école de Photographie de Vaugirard.

Elle quitte Paris à 34 ans pour se consacrer à l’éducation de ses quatre enfants tout en reprenant un magasin de photo à Valence (Drôme) ; elle y formera de nombreux amateurs avertis à la prise de vue en studio, aux tirages sur agrandisseur couleur et à leurs développements  en cuve sur papier Cibachrome,elle crée également une galerie photo qu'elle met à la disposition des photos-clubs pour qu'ils y exposent chaque mois leurs meilleures photos.

Sa rencontre avec Willy Ronys l’incite à persister dans la couleur sans renier le noir et blanc .

Maintenant retraitée, elle continue, au cours de ses balades à fixer les images qui l'interpellent et la touchent .

 

Son goût pour la lumière, la couleur, la matière, les lignes épurées et les reflets font de ses images le témoin que de l'ordinaire peuvent surgir des émotions  laissant à chacun place à son propre imaginaire.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : MARICK16
200
3
Mort programmée - Photographie de MARICK
Photographie

Photographie / Papier
30 cm x 40 cm x 1 cm encadré
Cadre : Passe partout, sous verre et cadre bois noir
Année 2018
Tirages limités à 30 exemplaires (1/30)
Auteur : MARICK

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Née en 1944 à Besançon ( 25) elle entre à 15 ans pour travailler dans le laboratoire photo professionnel de son père Marcel Varret et en parallèle obtient un diplôme de l’école de Photographie de Vaugirard.

Elle quitte Paris à 34 ans pour se consacrer à l’éducation de ses quatre enfants tout en reprenant un magasin de photo à Valence (Drôme) ; elle y formera de nombreux amateurs avertis à la prise de vue en studio, aux tirages sur agrandisseur couleur et à leurs développements  en cuve sur papier Cibachrome,elle crée également une galerie photo qu'elle met à la disposition des photos-clubs pour qu'ils y exposent chaque mois leurs meilleures photos.

Sa rencontre avec Willy Ronys l’incite à persister dans la couleur sans renier le noir et blanc .

Maintenant retraitée, elle continue, au cours de ses balades à fixer les images qui l'interpellent et la touchent .

 

Son goût pour la lumière, la couleur, la matière, les lignes épurées et les reflets font de ses images le témoin que de l'ordinaire peuvent surgir des émotions  laissant à chacun place à son propre imaginaire.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : MARICK15
200
3
E.T.- Photographie de MARICK
Photographie

Photographie / Papier
30 cm x 40 cm x 1 cm encadré
Cadre : Passe partout, sous verre et cadre bois noir
Année 2018
Tirages limités à 30 exemplaires (2/30)
Auteur : MARICK

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Née en 1944 à Besançon ( 25) elle entre à 15 ans pour travailler dans le laboratoire photo professionnel de son père Marcel Varret et en parallèle obtient un diplôme de l’école de Photographie de Vaugirard.

Elle quitte Paris à 34 ans pour se consacrer à l’éducation de ses quatre enfants tout en reprenant un magasin de photo à Valence (Drôme) ; elle y formera de nombreux amateurs avertis à la prise de vue en studio, aux tirages sur agrandisseur couleur et à leurs développements  en cuve sur papier Cibachrome,elle crée également une galerie photo qu'elle met à la disposition des photos-clubs pour qu'ils y exposent chaque mois leurs meilleures photos.

Sa rencontre avec Willy Ronys l’incite à persister dans la couleur sans renier le noir et blanc .

Maintenant retraitée, elle continue, au cours de ses balades à fixer les images qui l'interpellent et la touchent .

 

Son goût pour la lumière, la couleur, la matière, les lignes épurées et les reflets font de ses images le témoin que de l'ordinaire peuvent surgir des émotions  laissant à chacun place à son propre imaginaire.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : MARICK14
200
3
Hiroshima - Photographie de MARICK
Photographie

Photographie / Papier
30 cm x 40 cm x 1 cm encadré
Cadre : Passe partout, sous verre et cadre bois noir
Année 2018
Tirages limités à 30 exemplaires (2/30)
Auteur : MARICK

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Née en 1944 à Besançon ( 25) elle entre à 15 ans pour travailler dans le laboratoire photo professionnel de son père Marcel Varret et en parallèle obtient un diplôme de l’école de Photographie de Vaugirard.

Elle quitte Paris à 34 ans pour se consacrer à l’éducation de ses quatre enfants tout en reprenant un magasin de photo à Valence (Drôme) ; elle y formera de nombreux amateurs avertis à la prise de vue en studio, aux tirages sur agrandisseur couleur et à leurs développements  en cuve sur papier Cibachrome,elle crée également une galerie photo qu'elle met à la disposition des photos-clubs pour qu'ils y exposent chaque mois leurs meilleures photos.

Sa rencontre avec Willy Ronys l’incite à persister dans la couleur sans renier le noir et blanc .

Maintenant retraitée, elle continue, au cours de ses balades à fixer les images qui l'interpellent et la touchent .

 

Son goût pour la lumière, la couleur, la matière, les lignes épurées et les reflets font de ses images le témoin que de l'ordinaire peuvent surgir des émotions  laissant à chacun place à son propre imaginaire.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : MARICK13
200
3
Courbure - Photographie de MARICK
Photographie

Photographie / Papier
30 cm x 40 cm x 1 cm encadré
Cadre : Passe partout, sous verre et cadre bois noir
Année 2018
Tirages limités à 30 exemplaires (2/30)
Auteur : MARICK

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Née en 1944 à Besançon ( 25) elle entre à 15 ans pour travailler dans le laboratoire photo professionnel de son père Marcel Varret et en parallèle obtient un diplôme de l’école de Photographie de Vaugirard.

Elle quitte Paris à 34 ans pour se consacrer à l’éducation de ses quatre enfants tout en reprenant un magasin de photo à Valence (Drôme) ; elle y formera de nombreux amateurs avertis à la prise de vue en studio, aux tirages sur agrandisseur couleur et à leurs développements  en cuve sur papier Cibachrome,elle crée également une galerie photo qu'elle met à la disposition des photos-clubs pour qu'ils y exposent chaque mois leurs meilleures photos.

Sa rencontre avec Willy Ronys l’incite à persister dans la couleur sans renier le noir et blanc .

Maintenant retraitée, elle continue, au cours de ses balades à fixer les images qui l'interpellent et la touchent .

 

Son goût pour la lumière, la couleur, la matière, les lignes épurées et les reflets font de ses images le témoin que de l'ordinaire peuvent surgir des émotions  laissant à chacun place à son propre imaginaire.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : MARICK12
200
3
Au coeur des pavés- Photographie de MARICK
Photographie

Photographie / Papier
40 cm x 50 cm x 1 cm encadré
Cadre : Passe partout, sous verre et cadre bois noir
Année 2018
Tirages limités à 30 exemplaires (3/8)
Auteur : MARICK

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Née en 1944 à Besançon ( 25) elle entre à 15 ans pour travailler dans le laboratoire photo professionnel de son père Marcel Varret et en parallèle obtient un diplôme de l’école de Photographie de Vaugirard.

Elle quitte Paris à 34 ans pour se consacrer à l’éducation de ses quatre enfants tout en reprenant un magasin de photo à Valence (Drôme) ; elle y formera de nombreux amateurs avertis à la prise de vue en studio, aux tirages sur agrandisseur couleur et à leurs développements  en cuve sur papier Cibachrome,elle crée également une galerie photo qu'elle met à la disposition des photos-clubs pour qu'ils y exposent chaque mois leurs meilleures photos.

Sa rencontre avec Willy Ronys l’incite à persister dans la couleur sans renier le noir et blanc .

Maintenant retraitée, elle continue, au cours de ses balades à fixer les images qui l'interpellent et la touchent .

 

Son goût pour la lumière, la couleur, la matière, les lignes épurées et les reflets font de ses images le témoin que de l'ordinaire peuvent surgir des émotions  laissant à chacun place à son propre imaginaire.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : MARICK11
240
3
Lipton Rio - Photographie de MARICK
Photographie

Photographie / Papier
40 cm x 50 cm x 1 cm encadré
Cadre : Passe partout, sous verre et cadre bois noir
Année 2018
Tirages limités à 30 exemplaires (3/8)
Auteur : MARICK

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Née en 1944 à Besançon ( 25) elle entre à 15 ans pour travailler dans le laboratoire photo professionnel de son père Marcel Varret et en parallèle obtient un diplôme de l’école de Photographie de Vaugirard.

Elle quitte Paris à 34 ans pour se consacrer à l’éducation de ses quatre enfants tout en reprenant un magasin de photo à Valence (Drôme) ; elle y formera de nombreux amateurs avertis à la prise de vue en studio, aux tirages sur agrandisseur couleur et à leurs développements  en cuve sur papier Cibachrome,elle crée également une galerie photo qu'elle met à la disposition des photos-clubs pour qu'ils y exposent chaque mois leurs meilleures photos.

Sa rencontre avec Willy Ronys l’incite à persister dans la couleur sans renier le noir et blanc .

Maintenant retraitée, elle continue, au cours de ses balades à fixer les images qui l'interpellent et la touchent .

 

Son goût pour la lumière, la couleur, la matière, les lignes épurées et les reflets font de ses images le témoin que de l'ordinaire peuvent surgir des émotions  laissant à chacun place à son propre imaginaire.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : MARICK10
240
3
Bain de pommes - Photographie de MARICK
Photographie

Photographie / Papier
30 cm x 40 cm x 1 cm encadré
Cadre : Passe partout, sous verre et cadre bois noir
Année 2018
Tirages limités à 30 exemplaires (2/30)
Auteur : MARICK

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Née en 1944 à Besançon ( 25) elle entre à 15 ans pour travailler dans le laboratoire photo professionnel de son père Marcel Varret et en parallèle obtient un diplôme de l’école de Photographie de Vaugirard.

Elle quitte Paris à 34 ans pour se consacrer à l’éducation de ses quatre enfants tout en reprenant un magasin de photo à Valence (Drôme) ; elle y formera de nombreux amateurs avertis à la prise de vue en studio, aux tirages sur agrandisseur couleur et à leurs développements  en cuve sur papier Cibachrome,elle crée également une galerie photo qu'elle met à la disposition des photos-clubs pour qu'ils y exposent chaque mois leurs meilleures photos.

Sa rencontre avec Willy Ronys l’incite à persister dans la couleur sans renier le noir et blanc .

Maintenant retraitée, elle continue, au cours de ses balades à fixer les images qui l'interpellent et la touchent .

 

Son goût pour la lumière, la couleur, la matière, les lignes épurées et les reflets font de ses images le témoin que de l'ordinaire peuvent surgir des émotions  laissant à chacun place à son propre imaginaire.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : MARICK09
200
3
Bain de jouvance - Photographie de MARICK
Photographie

Photographie / Papier
30 cm x 40 cm x 1 cm encadré
Cadre : Passe partout, sous verre et cadre bois noir
Année 2018
Tirages limités à 30 exemplaires (1/30)
Auteur : MARICK

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Née en 1944 à Besançon ( 25) elle entre à 15 ans pour travailler dans le laboratoire photo professionnel de son père Marcel Varret et en parallèle obtient un diplôme de l’école de Photographie de Vaugirard.

Elle quitte Paris à 34 ans pour se consacrer à l’éducation de ses quatre enfants tout en reprenant un magasin de photo à Valence (Drôme) ; elle y formera de nombreux amateurs avertis à la prise de vue en studio, aux tirages sur agrandisseur couleur et à leurs développements  en cuve sur papier Cibachrome,elle crée également une galerie photo qu'elle met à la disposition des photos-clubs pour qu'ils y exposent chaque mois leurs meilleures photos.

Sa rencontre avec Willy Ronys l’incite à persister dans la couleur sans renier le noir et blanc .

Maintenant retraitée, elle continue, au cours de ses balades à fixer les images qui l'interpellent et la touchent .

 

Son goût pour la lumière, la couleur, la matière, les lignes épurées et les reflets font de ses images le témoin que de l'ordinaire peuvent surgir des émotions  laissant à chacun place à son propre imaginaire.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : MARICK08
200
3
L'homme papillon - Photographie de MARICK
Photographie

Photographie / Papier
30 cm x 40 cm x 1 cm encadré
Cadre : Passe partout, sous verre et cadre bois noir
Année 2018
Tirages limités à 30 exemplaires (1/30)
Auteur : MARICK

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Née en 1944 à Besançon ( 25) elle entre à 15 ans pour travailler dans le laboratoire photo professionnel de son père Marcel Varret et en parallèle obtient un diplôme de l’école de Photographie de Vaugirard.

Elle quitte Paris à 34 ans pour se consacrer à l’éducation de ses quatre enfants tout en reprenant un magasin de photo à Valence (Drôme) ; elle y formera de nombreux amateurs avertis à la prise de vue en studio, aux tirages sur agrandisseur couleur et à leurs développements  en cuve sur papier Cibachrome,elle crée également une galerie photo qu'elle met à la disposition des photos-clubs pour qu'ils y exposent chaque mois leurs meilleures photos.

Sa rencontre avec Willy Ronys l’incite à persister dans la couleur sans renier le noir et blanc .

Maintenant retraitée, elle continue, au cours de ses balades à fixer les images qui l'interpellent et la touchent .

 

Son goût pour la lumière, la couleur, la matière, les lignes épurées et les reflets font de ses images le témoin que de l'ordinaire peuvent surgir des émotions  laissant à chacun place à son propre imaginaire.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : MARICK07
200
3
Bleu Klein - Photographie de MARICK
Photographie

Photographie / Papier
30 cm x 40 cm x 1 cm encadré
Cadre : Passe partout, sous verre et cadre bois noir
Année 2018
Tirages limités à 30 exemplaires (2/30)
Auteur : MARICK

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Née en 1944 à Besançon ( 25) elle entre à 15 ans pour travailler dans le laboratoire photo professionnel de son père Marcel Varret et en parallèle obtient un diplôme de l’école de Photographie de Vaugirard.

Elle quitte Paris à 34 ans pour se consacrer à l’éducation de ses quatre enfants tout en reprenant un magasin de photo à Valence (Drôme) ; elle y formera de nombreux amateurs avertis à la prise de vue en studio, aux tirages sur agrandisseur couleur et à leurs développements  en cuve sur papier Cibachrome,elle crée également une galerie photo qu'elle met à la disposition des photos-clubs pour qu'ils y exposent chaque mois leurs meilleures photos.

Sa rencontre avec Willy Ronys l’incite à persister dans la couleur sans renier le noir et blanc .

Maintenant retraitée, elle continue, au cours de ses balades à fixer les images qui l'interpellent et la touchent .

 

Son goût pour la lumière, la couleur, la matière, les lignes épurées et les reflets font de ses images le témoin que de l'ordinaire peuvent surgir des émotions  laissant à chacun place à son propre imaginaire.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : MARICK06
200
3
Ce qui reste de moi - Photographie de MARICK
Photographie

Photographie / Papier
40 cm x 50 cm x 1 cm encadré
Cadre : Passe partout, sous verre et cadre bois noir
Année 2018
Tirages limités à 30 exemplaires (3/8)
Auteur : MARICK

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Née en 1944 à Besançon ( 25) elle entre à 15 ans pour travailler dans le laboratoire photo professionnel de son père Marcel Varret et en parallèle obtient un diplôme de l’école de Photographie de Vaugirard.

Elle quitte Paris à 34 ans pour se consacrer à l’éducation de ses quatre enfants tout en reprenant un magasin de photo à Valence (Drôme) ; elle y formera de nombreux amateurs avertis à la prise de vue en studio, aux tirages sur agrandisseur couleur et à leurs développements  en cuve sur papier Cibachrome,elle crée également une galerie photo qu'elle met à la disposition des photos-clubs pour qu'ils y exposent chaque mois leurs meilleures photos.

Sa rencontre avec Willy Ronys l’incite à persister dans la couleur sans renier le noir et blanc .

Maintenant retraitée, elle continue, au cours de ses balades à fixer les images qui l'interpellent et la touchent .

 

Son goût pour la lumière, la couleur, la matière, les lignes épurées et les reflets font de ses images le témoin que de l'ordinaire peuvent surgir des émotions  laissant à chacun place à son propre imaginaire.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : MARICK05
240
3
La faille - Photographie de MARICK
Photographie

Photographie / Papier
30 cm x 40 cm x 1 cm encadré
Cadre : Passe partout, sous verre et cadre bois noir
Année 2018
Tirages limités à 30 exemplaires (2/30)
Auteur : MARICK

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Née en 1944 à Besançon ( 25) elle entre à 15 ans pour travailler dans le laboratoire photo professionnel de son père Marcel Varret et en parallèle obtient un diplôme de l’école de Photographie de Vaugirard.

Elle quitte Paris à 34 ans pour se consacrer à l’éducation de ses quatre enfants tout en reprenant un magasin de photo à Valence (Drôme) ; elle y formera de nombreux amateurs avertis à la prise de vue en studio, aux tirages sur agrandisseur couleur et à leurs développements  en cuve sur papier Cibachrome,elle crée également une galerie photo qu'elle met à la disposition des photos-clubs pour qu'ils y exposent chaque mois leurs meilleures photos.

Sa rencontre avec Willy Ronys l’incite à persister dans la couleur sans renier le noir et blanc .

Maintenant retraitée, elle continue, au cours de ses balades à fixer les images qui l'interpellent et la touchent .

 

Son goût pour la lumière, la couleur, la matière, les lignes épurées et les reflets font de ses images le témoin que de l'ordinaire peuvent surgir des émotions  laissant à chacun place à son propre imaginaire.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : MARICK04
200
3
Travaux forcés - Photographie de MARICK
Photographie

Photographie / Papier
30 cm x 40 cm x 1 cm encadré
Cadre : Passe partout, sous verre et cadre bois noir
Année 2018
Tirages limités à 30 exemplaires (1/30)
Auteur : MARICK

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Née en 1944 à Besançon ( 25) elle entre à 15 ans pour travailler dans le laboratoire photo professionnel de son père Marcel Varret et en parallèle obtient un diplôme de l’école de Photographie de Vaugirard.

Elle quitte Paris à 34 ans pour se consacrer à l’éducation de ses quatre enfants tout en reprenant un magasin de photo à Valence (Drôme) ; elle y formera de nombreux amateurs avertis à la prise de vue en studio, aux tirages sur agrandisseur couleur et à leurs développements  en cuve sur papier Cibachrome,elle crée également une galerie photo qu'elle met à la disposition des photos-clubs pour qu'ils y exposent chaque mois leurs meilleures photos.

Sa rencontre avec Willy Ronys l’incite à persister dans la couleur sans renier le noir et blanc .

Maintenant retraitée, elle continue, au cours de ses balades à fixer les images qui l'interpellent et la touchent .

 

Son goût pour la lumière, la couleur, la matière, les lignes épurées et les reflets font de ses images le témoin que de l'ordinaire peuvent surgir des émotions  laissant à chacun place à son propre imaginaire.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : MARICK02
200
3
Numéro caché - Photographie de MARICK
Photographie

Photographie / Papier
30 cm x 40 cm x 1 cm encadré
Cadre : Passe partout, sous verre et cadre bois noir
Année 2018
Tirages limités à 30 exemplaires (2/30)
Auteur : MARICK

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Née en 1944 à Besançon ( 25) elle entre à 15 ans pour travailler dans le laboratoire photo professionnel de son père Marcel Varret et en parallèle obtient un diplôme de l’école de Photographie de Vaugirard.

Elle quitte Paris à 34 ans pour se consacrer à l’éducation de ses quatre enfants tout en reprenant un magasin de photo à Valence (Drôme) ; elle y formera de nombreux amateurs avertis à la prise de vue en studio, aux tirages sur agrandisseur couleur et à leurs développements  en cuve sur papier Cibachrome,elle crée également une galerie photo qu'elle met à la disposition des photos-clubs pour qu'ils y exposent chaque mois leurs meilleures photos.

Sa rencontre avec Willy Ronys l’incite à persister dans la couleur sans renier le noir et blanc .

Maintenant retraitée, elle continue, au cours de ses balades à fixer les images qui l'interpellent et la touchent .

 

Son goût pour la lumière, la couleur, la matière, les lignes épurées et les reflets font de ses images le témoin que de l'ordinaire peuvent surgir des émotions  laissant à chacun place à son propre imaginaire.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : MARICK03
200
3
C'est moi - Photographie de MARICK
Photographie

Photographie / Papier
30 cm x 40 cm x 1 cm encadré
Cadre : Passe partout, sous verre et cadre bois noir
Année 2018
Tirages limités à 30 exemplaires
Auteur : MARICK

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Née en 1944 à Besançon ( 25) elle entre à 15 ans pour travailler dans le laboratoire photo professionnel de son père Marcel Varret et en parallèle obtient un diplôme de l’école de Photographie de Vaugirard.

Elle quitte Paris à 34 ans pour se consacrer à l’éducation de ses quatre enfants tout en reprenant un magasin de photo à Valence (Drôme) ; elle y formera de nombreux amateurs avertis à la prise de vue en studio, aux tirages sur agrandisseur couleur et à leurs développements  en cuve sur papier Cibachrome,elle crée également une galerie photo qu'elle met à la disposition des photos-clubs pour qu'ils y exposent chaque mois leurs meilleures photos.

Sa rencontre avec Willy Ronys l’incite à persister dans la couleur sans renier le noir et blanc .

Maintenant retraitée, elle continue, au cours de ses balades à fixer les images qui l'interpellent et la touchent .

 

Son goût pour la lumière, la couleur, la matière, les lignes épurées et les reflets font de ses images le témoin que de l'ordinaire peuvent surgir des émotions  laissant à chacun place à son propre imaginaire.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : MARICK01
200
5
Kolmanskop 20 - Photographie d'Erik JØRGENSEN
Photographie

Photographie / Papier
58 cm x 38 cm x 1 cm
Cadre : Passe partout et cadre bois naturel (50 cm x 70 cm x 2 cm)
Année 2017
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Erik JØRGENSEN

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste

JØRGENSEN Erik - Danemark

Né en 1951, Autodidacte.

Depuis 1984, j’ai participé à près de 1000 expositions et de nombreuses récompenses lors d’expositions censurées au Danemark et à l’étranger, et un prix à Roskilde Åben (exposition censurée pour toutes sortes d’art visuels).

De 1994 à 2008 et de 2012 à 2014, j’ai été président du Fotoklubben Negativ, de Roskilde (un club danois de caméra), où je suis toujours membre. Je suis membre de Fotokunsgruppen VINGESUS (le groupe d’art photographique WHIRR OF WINGS_ Ronflement des Ailes). Je suis également membre de jurys internationaux de la photographie au Danemark, en Norvège, en Suède et en Belgique.

En particulier, je travaille avec deux genres très différents, la photographie construite et la photo de nature/paysage.

La photographie construite représente une transformation qui peut être faite de diverses manières. En effet, deux ou plusieurs photographies peuvent être fusionnées en une seule, ou un élément peut ce dégager d’un regroupement de photographie et aboutir à un résultat n’ayant rien à voir avec les photos originales. Ou encore, le traitement peut se faire sur une seule photo. Le but est avant tout, la création d’une réalité imaginaire. La photographie nature et paysage est bien le contraire. En effet, ce n’est pas la question de la construction d’une  nouvelle réalité qui nous préoccupe ici, mais de transmettre la beauté de la nature et des paysages qui nous entourent.

 

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : JORGENSEN10
500
5
Kolmanskop 16 - Photographie d'Erik JØRGENSEN
Photographie

Photographie / Papier
58 cm x 38 cm x 1 cm
Cadre : Passe partout et cadre bois naturel (50 cm x 70 cm x 2 cm)
Année 2017
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Erik JØRGENSEN

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste

JØRGENSEN Erik - Danemark

Né en 1951, Autodidacte.

Depuis 1984, j’ai participé à près de 1000 expositions et de nombreuses récompenses lors d’expositions censurées au Danemark et à l’étranger, et un prix à Roskilde Åben (exposition censurée pour toutes sortes d’art visuels).

De 1994 à 2008 et de 2012 à 2014, j’ai été président du Fotoklubben Negativ, de Roskilde (un club danois de caméra), où je suis toujours membre. Je suis membre de Fotokunsgruppen VINGESUS (le groupe d’art photographique WHIRR OF WINGS_ Ronflement des Ailes). Je suis également membre de jurys internationaux de la photographie au Danemark, en Norvège, en Suède et en Belgique.

En particulier, je travaille avec deux genres très différents, la photographie construite et la photo de nature/paysage.

La photographie construite représente une transformation qui peut être faite de diverses manières. En effet, deux ou plusieurs photographies peuvent être fusionnées en une seule, ou un élément peut ce dégager d’un regroupement de photographie et aboutir à un résultat n’ayant rien à voir avec les photos originales. Ou encore, le traitement peut se faire sur une seule photo. Le but est avant tout, la création d’une réalité imaginaire. La photographie nature et paysage est bien le contraire. En effet, ce n’est pas la question de la construction d’une  nouvelle réalité qui nous préoccupe ici, mais de transmettre la beauté de la nature et des paysages qui nous entourent.

 

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : JORGENSEN09
500
5
Kolmanskop 09 - Photographie d'Erik JØRGENSEN
Photographie

Photographie / Papier
58 cm x 38 cm x 1 cm
Cadre : Passe partout et cadre bois naturel (50 cm x 70 cm x 2 cm)
Année 2017
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Erik JØRGENSEN

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste

JØRGENSEN Erik - Danemark

Né en 1951, Autodidacte.

Depuis 1984, j’ai participé à près de 1000 expositions et de nombreuses récompenses lors d’expositions censurées au Danemark et à l’étranger, et un prix à Roskilde Åben (exposition censurée pour toutes sortes d’art visuels).

De 1994 à 2008 et de 2012 à 2014, j’ai été président du Fotoklubben Negativ, de Roskilde (un club danois de caméra), où je suis toujours membre. Je suis membre de Fotokunsgruppen VINGESUS (le groupe d’art photographique WHIRR OF WINGS_ Ronflement des Ailes). Je suis également membre de jurys internationaux de la photographie au Danemark, en Norvège, en Suède et en Belgique.

En particulier, je travaille avec deux genres très différents, la photographie construite et la photo de nature/paysage.

La photographie construite représente une transformation qui peut être faite de diverses manières. En effet, deux ou plusieurs photographies peuvent être fusionnées en une seule, ou un élément peut ce dégager d’un regroupement de photographie et aboutir à un résultat n’ayant rien à voir avec les photos originales. Ou encore, le traitement peut se faire sur une seule photo. Le but est avant tout, la création d’une réalité imaginaire. La photographie nature et paysage est bien le contraire. En effet, ce n’est pas la question de la construction d’une  nouvelle réalité qui nous préoccupe ici, mais de transmettre la beauté de la nature et des paysages qui nous entourent.

 

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : JORGENSEN08
500
5
Kolmanskop 08 - Photographie d'Erik JØRGENSEN
Photographie

Photographie / Papier
58 cm x 38 cm x 1 cm
Cadre : Passe partout et cadre bois naturel (50 cm x 70 cm x 2 cm)
Année 2017
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Erik JØRGENSEN

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste

JØRGENSEN Erik - Danemark

Né en 1951, Autodidacte.

Depuis 1984, j’ai participé à près de 1000 expositions et de nombreuses récompenses lors d’expositions censurées au Danemark et à l’étranger, et un prix à Roskilde Åben (exposition censurée pour toutes sortes d’art visuels).

De 1994 à 2008 et de 2012 à 2014, j’ai été président du Fotoklubben Negativ, de Roskilde (un club danois de caméra), où je suis toujours membre. Je suis membre de Fotokunsgruppen VINGESUS (le groupe d’art photographique WHIRR OF WINGS_ Ronflement des Ailes). Je suis également membre de jurys internationaux de la photographie au Danemark, en Norvège, en Suède et en Belgique.

En particulier, je travaille avec deux genres très différents, la photographie construite et la photo de nature/paysage.

La photographie construite représente une transformation qui peut être faite de diverses manières. En effet, deux ou plusieurs photographies peuvent être fusionnées en une seule, ou un élément peut ce dégager d’un regroupement de photographie et aboutir à un résultat n’ayant rien à voir avec les photos originales. Ou encore, le traitement peut se faire sur une seule photo. Le but est avant tout, la création d’une réalité imaginaire. La photographie nature et paysage est bien le contraire. En effet, ce n’est pas la question de la construction d’une  nouvelle réalité qui nous préoccupe ici, mais de transmettre la beauté de la nature et des paysages qui nous entourent.

 

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : JORGENSEN07
500
4
Kolmanskop 06 - Photographie d'Erik JØRGENSEN
Photographie

Photographie / Papier
58 cm x 38 cm x 1 cm
Cadre : Passe partout et cadre bois naturel (50 cm x 70 cm x 2 cm)
Année 2017
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Erik JØRGENSEN

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste

JØRGENSEN Erik - Danemark

Né en 1951, Autodidacte.

Depuis 1984, j’ai participé à près de 1000 expositions et de nombreuses récompenses lors d’expositions censurées au Danemark et à l’étranger, et un prix à Roskilde Åben (exposition censurée pour toutes sortes d’art visuels).

De 1994 à 2008 et de 2012 à 2014, j’ai été président du Fotoklubben Negativ, de Roskilde (un club danois de caméra), où je suis toujours membre. Je suis membre de Fotokunsgruppen VINGESUS (le groupe d’art photographique WHIRR OF WINGS_ Ronflement des Ailes). Je suis également membre de jurys internationaux de la photographie au Danemark, en Norvège, en Suède et en Belgique.

En particulier, je travaille avec deux genres très différents, la photographie construite et la photo de nature/paysage.

La photographie construite représente une transformation qui peut être faite de diverses manières. En effet, deux ou plusieurs photographies peuvent être fusionnées en une seule, ou un élément peut ce dégager d’un regroupement de photographie et aboutir à un résultat n’ayant rien à voir avec les photos originales. Ou encore, le traitement peut se faire sur une seule photo. Le but est avant tout, la création d’une réalité imaginaire. La photographie nature et paysage est bien le contraire. En effet, ce n’est pas la question de la construction d’une  nouvelle réalité qui nous préoccupe ici, mais de transmettre la beauté de la nature et des paysages qui nous entourent.

 

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : JORGENSEN06
500
4
Kolmanskop 05 - Photographie d'Erik JØRGENSEN
Photographie

Photographie / Papier
58 cm x 38 cm x 1 cm
Cadre : Passe partout et cadre bois naturel (50 cm x 70 cm x 2 cm)
Année 2017
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Erik JØRGENSEN

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste

JØRGENSEN Erik - Danemark

Né en 1951, Autodidacte.

Depuis 1984, j’ai participé à près de 1000 expositions et de nombreuses récompenses lors d’expositions censurées au Danemark et à l’étranger, et un prix à Roskilde Åben (exposition censurée pour toutes sortes d’art visuels).

De 1994 à 2008 et de 2012 à 2014, j’ai été président du Fotoklubben Negativ, de Roskilde (un club danois de caméra), où je suis toujours membre. Je suis membre de Fotokunsgruppen VINGESUS (le groupe d’art photographique WHIRR OF WINGS_ Ronflement des Ailes). Je suis également membre de jurys internationaux de la photographie au Danemark, en Norvège, en Suède et en Belgique.

En particulier, je travaille avec deux genres très différents, la photographie construite et la photo de nature/paysage.

La photographie construite représente une transformation qui peut être faite de diverses manières. En effet, deux ou plusieurs photographies peuvent être fusionnées en une seule, ou un élément peut ce dégager d’un regroupement de photographie et aboutir à un résultat n’ayant rien à voir avec les photos originales. Ou encore, le traitement peut se faire sur une seule photo. Le but est avant tout, la création d’une réalité imaginaire. La photographie nature et paysage est bien le contraire. En effet, ce n’est pas la question de la construction d’une  nouvelle réalité qui nous préoccupe ici, mais de transmettre la beauté de la nature et des paysages qui nous entourent.

 

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : JORGENSEN05
500
5
Kolmanskop 04 - Photographie d'Erik JØRGENSEN
Photographie

Photographie / Papier
58 cm x 38 cm x 1 cm
Cadre : Passe partout et cadre bois naturel (50 cm x 70 cm x 2 cm)
Année 2017
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Erik JØRGENSEN

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste

JØRGENSEN Erik - Danemark

Né en 1951, Autodidacte.

Depuis 1984, j’ai participé à près de 1000 expositions et de nombreuses récompenses lors d’expositions censurées au Danemark et à l’étranger, et un prix à Roskilde Åben (exposition censurée pour toutes sortes d’art visuels).

De 1994 à 2008 et de 2012 à 2014, j’ai été président du Fotoklubben Negativ, de Roskilde (un club danois de caméra), où je suis toujours membre. Je suis membre de Fotokunsgruppen VINGESUS (le groupe d’art photographique WHIRR OF WINGS_ Ronflement des Ailes). Je suis également membre de jurys internationaux de la photographie au Danemark, en Norvège, en Suède et en Belgique.

En particulier, je travaille avec deux genres très différents, la photographie construite et la photo de nature/paysage.

La photographie construite représente une transformation qui peut être faite de diverses manières. En effet, deux ou plusieurs photographies peuvent être fusionnées en une seule, ou un élément peut ce dégager d’un regroupement de photographie et aboutir à un résultat n’ayant rien à voir avec les photos originales. Ou encore, le traitement peut se faire sur une seule photo. Le but est avant tout, la création d’une réalité imaginaire. La photographie nature et paysage est bien le contraire. En effet, ce n’est pas la question de la construction d’une  nouvelle réalité qui nous préoccupe ici, mais de transmettre la beauté de la nature et des paysages qui nous entourent.

 

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : JORGENSEN04
500
5
Kolmanskop 03 - Photographie d'Erik JØRGENSEN
Photographie

Photographie / Papier
58 cm x 38 cm x 1 cm
Cadre : Passe partout et cadre bois naturel (50 cm x 70 cm x 2 cm)
Année 2017
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Erik JØRGENSEN

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste

JØRGENSEN Erik - Danemark

Né en 1951, Autodidacte.

Depuis 1984, j’ai participé à près de 1000 expositions et de nombreuses récompenses lors d’expositions censurées au Danemark et à l’étranger, et un prix à Roskilde Åben (exposition censurée pour toutes sortes d’art visuels).

De 1994 à 2008 et de 2012 à 2014, j’ai été président du Fotoklubben Negativ, de Roskilde (un club danois de caméra), où je suis toujours membre. Je suis membre de Fotokunsgruppen VINGESUS (le groupe d’art photographique WHIRR OF WINGS_ Ronflement des Ailes). Je suis également membre de jurys internationaux de la photographie au Danemark, en Norvège, en Suède et en Belgique.

En particulier, je travaille avec deux genres très différents, la photographie construite et la photo de nature/paysage.

La photographie construite représente une transformation qui peut être faite de diverses manières. En effet, deux ou plusieurs photographies peuvent être fusionnées en une seule, ou un élément peut ce dégager d’un regroupement de photographie et aboutir à un résultat n’ayant rien à voir avec les photos originales. Ou encore, le traitement peut se faire sur une seule photo. Le but est avant tout, la création d’une réalité imaginaire. La photographie nature et paysage est bien le contraire. En effet, ce n’est pas la question de la construction d’une  nouvelle réalité qui nous préoccupe ici, mais de transmettre la beauté de la nature et des paysages qui nous entourent.

 

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : JORGENSEN03
500
5
Kolmanskop 02 - Photographie d'Erik JØRGENSEN
Photographie

Photographie / Papier
58 cm x 38 cm x 1 cm
Cadre : Passe partout et cadre bois naturel (50 cm x 70 cm x 2 cm)
Année 2017
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Erik JØRGENSEN

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste

JØRGENSEN Erik - Danemark

Né en 1951, Autodidacte.

Depuis 1984, j’ai participé à près de 1000 expositions et de nombreuses récompenses lors d’expositions censurées au Danemark et à l’étranger, et un prix à Roskilde Åben (exposition censurée pour toutes sortes d’art visuels).

De 1994 à 2008 et de 2012 à 2014, j’ai été président du Fotoklubben Negativ, de Roskilde (un club danois de caméra), où je suis toujours membre. Je suis membre de Fotokunsgruppen VINGESUS (le groupe d’art photographique WHIRR OF WINGS_ Ronflement des Ailes). Je suis également membre de jurys internationaux de la photographie au Danemark, en Norvège, en Suède et en Belgique.

En particulier, je travaille avec deux genres très différents, la photographie construite et la photo de nature/paysage.

La photographie construite représente une transformation qui peut être faite de diverses manières. En effet, deux ou plusieurs photographies peuvent être fusionnées en une seule, ou un élément peut ce dégager d’un regroupement de photographie et aboutir à un résultat n’ayant rien à voir avec les photos originales. Ou encore, le traitement peut se faire sur une seule photo. Le but est avant tout, la création d’une réalité imaginaire. La photographie nature et paysage est bien le contraire. En effet, ce n’est pas la question de la construction d’une  nouvelle réalité qui nous préoccupe ici, mais de transmettre la beauté de la nature et des paysages qui nous entourent.

 

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : JORGENSEN02
500
5
Kolmanskop 01 - Photographie d'Erik JØRGENSEN
Photographie

Photographie / Papier
58 cm x 38 cm x 1 cm
Cadre : Passe partout et cadre bois naturel (50 cm x 70 cm x 2 cm)
Année 2017
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Erik JØRGENSEN

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste

JØRGENSEN Erik - Danemark

Né en 1951, Autodidacte.

Depuis 1984, j’ai participé à près de 1000 expositions et de nombreuses récompenses lors d’expositions censurées au Danemark et à l’étranger, et un prix à Roskilde Åben (exposition censurée pour toutes sortes d’art visuels).

De 1994 à 2008 et de 2012 à 2014, j’ai été président du Fotoklubben Negativ, de Roskilde (un club danois de caméra), où je suis toujours membre. Je suis membre de Fotokunsgruppen VINGESUS (le groupe d’art photographique WHIRR OF WINGS_ Ronflement des Ailes). Je suis également membre de jurys internationaux de la photographie au Danemark, en Norvège, en Suède et en Belgique.

En particulier, je travaille avec deux genres très différents, la photographie construite et la photo de nature/paysage.

La photographie construite représente une transformation qui peut être faite de diverses manières. En effet, deux ou plusieurs photographies peuvent être fusionnées en une seule, ou un élément peut ce dégager d’un regroupement de photographie et aboutir à un résultat n’ayant rien à voir avec les photos originales. Ou encore, le traitement peut se faire sur une seule photo. Le but est avant tout, la création d’une réalité imaginaire. La photographie nature et paysage est bien le contraire. En effet, ce n’est pas la question de la construction d’une  nouvelle réalité qui nous préoccupe ici, mais de transmettre la beauté de la nature et des paysages qui nous entourent.

 

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : JORGENSEN01
500
3
Relics of the past 4 - Photographie d'Else VINÆS
Photographie

Impression numérique /Toile
40 cm x 60 cm x 2 cm
Cadre : sans
Année 2017
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Else VINÆS

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Else VINÆS est née en 1951, Autodidacte, vit et travaille à Roskilde  au Danemark.

 

Mes images expriment un sur-ensemble de la même humeur. Ils fournissent un lien tangible sous la forme de quelque chose d'intangible.


Dans mes considérations esthétiques je cherche une sensation et un sens de la relation de l'art à la réalité. En tant que photographe, je remplace créativité et nuances des langues avec des images dans lesquelles la signification symbolique représente une humeur intérieure. 
Le meilleur moment est toujours maintenant. 
Les images créent un récit significatif. La perspective narrative implique une compréhension du contenu avec une morale implicite, c’est l'un des termes de base. Les gens veulent créer du sens et de la cohérence comme un rempart contre le chaos et l'insécurité. 
Le récit se trouve partout dans nos vies. Cela vaut aussi pour les détails de la vie de tous les jours que nous entretenons avec notre caméra. Lorsque nous enregistrons avec l'appareil photo, nous faisons l'expérience d'une présence. Cette présence est la capacité d'être présent ici et maintenant avec toute son attention 
Je veux prendre la photographie traditionnelle en temps que base et y montrer les réalités qui n'ont jamais existées et qui ne le seront jamais. Séparer traités et composée d'objets de sorte que la vraie réalité approchée et plutôt créé une nouvelle réalité.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : VINAES19
500
3
Relics of the past 3 - Photographie d'Else VINÆS
Photographie

Impression numérique /Toile
40 cm x 60 cm x 2 cm
Cadre : sans
Année 2017
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Else VINÆS

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Else VINÆS est née en 1951, Autodidacte, vit et travaille à Roskilde  au Danemark.

 

Mes images expriment un sur-ensemble de la même humeur. Ils fournissent un lien tangible sous la forme de quelque chose d'intangible.


Dans mes considérations esthétiques je cherche une sensation et un sens de la relation de l'art à la réalité. En tant que photographe, je remplace créativité et nuances des langues avec des images dans lesquelles la signification symbolique représente une humeur intérieure. 
Le meilleur moment est toujours maintenant. 
Les images créent un récit significatif. La perspective narrative implique une compréhension du contenu avec une morale implicite, c’est l'un des termes de base. Les gens veulent créer du sens et de la cohérence comme un rempart contre le chaos et l'insécurité. 
Le récit se trouve partout dans nos vies. Cela vaut aussi pour les détails de la vie de tous les jours que nous entretenons avec notre caméra. Lorsque nous enregistrons avec l'appareil photo, nous faisons l'expérience d'une présence. Cette présence est la capacité d'être présent ici et maintenant avec toute son attention 
Je veux prendre la photographie traditionnelle en temps que base et y montrer les réalités qui n'ont jamais existées et qui ne le seront jamais. Séparer traités et composée d'objets de sorte que la vraie réalité approchée et plutôt créé une nouvelle réalité.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : VINAES18
500
3
Relics of the past 2 - Photographie d'Else VINÆS
Photographie

Impression numérique /Toile
40 cm x 60 cm x 2 cm
Cadre : sans
Année 2017
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Else VINÆS

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Else VINÆS est née en 1951, Autodidacte, vit et travaille à Roskilde  au Danemark.

 

Mes images expriment un sur-ensemble de la même humeur. Ils fournissent un lien tangible sous la forme de quelque chose d'intangible.


Dans mes considérations esthétiques je cherche une sensation et un sens de la relation de l'art à la réalité. En tant que photographe, je remplace créativité et nuances des langues avec des images dans lesquelles la signification symbolique représente une humeur intérieure. 
Le meilleur moment est toujours maintenant. 
Les images créent un récit significatif. La perspective narrative implique une compréhension du contenu avec une morale implicite, c’est l'un des termes de base. Les gens veulent créer du sens et de la cohérence comme un rempart contre le chaos et l'insécurité. 
Le récit se trouve partout dans nos vies. Cela vaut aussi pour les détails de la vie de tous les jours que nous entretenons avec notre caméra. Lorsque nous enregistrons avec l'appareil photo, nous faisons l'expérience d'une présence. Cette présence est la capacité d'être présent ici et maintenant avec toute son attention 
Je veux prendre la photographie traditionnelle en temps que base et y montrer les réalités qui n'ont jamais existées et qui ne le seront jamais. Séparer traités et composée d'objets de sorte que la vraie réalité approchée et plutôt créé une nouvelle réalité.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : VINAES17
500
3
Relics of the past 1 - Photographie d'Else VINÆS
Photographie

Impression numérique /Toile
40 cm x 60 cm x 2 cm
Cadre : sans
Année 2017
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Else VINÆS

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Else VINÆS est née en 1951, Autodidacte, vit et travaille à Roskilde  au Danemark.

 

Mes images expriment un sur-ensemble de la même humeur. Ils fournissent un lien tangible sous la forme de quelque chose d'intangible.


Dans mes considérations esthétiques je cherche une sensation et un sens de la relation de l'art à la réalité. En tant que photographe, je remplace créativité et nuances des langues avec des images dans lesquelles la signification symbolique représente une humeur intérieure. 
Le meilleur moment est toujours maintenant. 
Les images créent un récit significatif. La perspective narrative implique une compréhension du contenu avec une morale implicite, c’est l'un des termes de base. Les gens veulent créer du sens et de la cohérence comme un rempart contre le chaos et l'insécurité. 
Le récit se trouve partout dans nos vies. Cela vaut aussi pour les détails de la vie de tous les jours que nous entretenons avec notre caméra. Lorsque nous enregistrons avec l'appareil photo, nous faisons l'expérience d'une présence. Cette présence est la capacité d'être présent ici et maintenant avec toute son attention 
Je veux prendre la photographie traditionnelle en temps que base et y montrer les réalités qui n'ont jamais existées et qui ne le seront jamais. Séparer traités et composée d'objets de sorte que la vraie réalité approchée et plutôt créé une nouvelle réalité.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : VINAES16
500
3
Boutique 4 - Photographie d'Else VINÆS
Photographie

Impression numérique /Toile
25 cm x 25 cm x 2 cm
Cadre : Sous verre avec passe-partout blanc et cadre noir
Année 2017
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Else VINÆS

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Else VINÆS est née en 1951, Autodidacte, vit et travaille à Roskilde  au Danemark.

 

Mes images expriment un sur-ensemble de la même humeur. Ils fournissent un lien tangible sous la forme de quelque chose d'intangible.


Dans mes considérations esthétiques je cherche une sensation et un sens de la relation de l'art à la réalité. En tant que photographe, je remplace créativité et nuances des langues avec des images dans lesquelles la signification symbolique représente une humeur intérieure. 
Le meilleur moment est toujours maintenant. 
Les images créent un récit significatif. La perspective narrative implique une compréhension du contenu avec une morale implicite, c’est l'un des termes de base. Les gens veulent créer du sens et de la cohérence comme un rempart contre le chaos et l'insécurité. 
Le récit se trouve partout dans nos vies. Cela vaut aussi pour les détails de la vie de tous les jours que nous entretenons avec notre caméra. Lorsque nous enregistrons avec l'appareil photo, nous faisons l'expérience d'une présence. Cette présence est la capacité d'être présent ici et maintenant avec toute son attention 
Je veux prendre la photographie traditionnelle en temps que base et y montrer les réalités qui n'ont jamais existées et qui ne le seront jamais. Séparer traités et composée d'objets de sorte que la vraie réalité approchée et plutôt créé une nouvelle réalité.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : VINAES15
250
3
Boutique 3 - Photographie d'Else VINÆS
Photographie

Impression numérique /Toile
25 cm x 25 cm x 2 cm
Cadre : Sous verre avec passe-partout blanc et cadre noir
Année 2017
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Else VINÆS

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Else VINÆS est née en 1951, Autodidacte, vit et travaille à Roskilde  au Danemark.

 

Mes images expriment un sur-ensemble de la même humeur. Ils fournissent un lien tangible sous la forme de quelque chose d'intangible.


Dans mes considérations esthétiques je cherche une sensation et un sens de la relation de l'art à la réalité. En tant que photographe, je remplace créativité et nuances des langues avec des images dans lesquelles la signification symbolique représente une humeur intérieure. 
Le meilleur moment est toujours maintenant. 
Les images créent un récit significatif. La perspective narrative implique une compréhension du contenu avec une morale implicite, c’est l'un des termes de base. Les gens veulent créer du sens et de la cohérence comme un rempart contre le chaos et l'insécurité. 
Le récit se trouve partout dans nos vies. Cela vaut aussi pour les détails de la vie de tous les jours que nous entretenons avec notre caméra. Lorsque nous enregistrons avec l'appareil photo, nous faisons l'expérience d'une présence. Cette présence est la capacité d'être présent ici et maintenant avec toute son attention 
Je veux prendre la photographie traditionnelle en temps que base et y montrer les réalités qui n'ont jamais existées et qui ne le seront jamais. Séparer traités et composée d'objets de sorte que la vraie réalité approchée et plutôt créé une nouvelle réalité.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : VINAES14
250
3
Boutique 2 - Photographie d'Else VINÆS
Photographie

Impression numérique /Toile
25 cm x 25 cm x 2 cm
Cadre : Sous verre avec passe-partout blanc et cadre noir
Année 2017
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Else VINÆS

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Else VINÆS est née en 1951, Autodidacte, vit et travaille à Roskilde  au Danemark.

 

Mes images expriment un sur-ensemble de la même humeur. Ils fournissent un lien tangible sous la forme de quelque chose d'intangible.


Dans mes considérations esthétiques je cherche une sensation et un sens de la relation de l'art à la réalité. En tant que photographe, je remplace créativité et nuances des langues avec des images dans lesquelles la signification symbolique représente une humeur intérieure. 
Le meilleur moment est toujours maintenant. 
Les images créent un récit significatif. La perspective narrative implique une compréhension du contenu avec une morale implicite, c’est l'un des termes de base. Les gens veulent créer du sens et de la cohérence comme un rempart contre le chaos et l'insécurité. 
Le récit se trouve partout dans nos vies. Cela vaut aussi pour les détails de la vie de tous les jours que nous entretenons avec notre caméra. Lorsque nous enregistrons avec l'appareil photo, nous faisons l'expérience d'une présence. Cette présence est la capacité d'être présent ici et maintenant avec toute son attention 
Je veux prendre la photographie traditionnelle en temps que base et y montrer les réalités qui n'ont jamais existées et qui ne le seront jamais. Séparer traités et composée d'objets de sorte que la vraie réalité approchée et plutôt créé une nouvelle réalité.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : VINAES13
250
3
Boutique 1 - Photographie d'Else VINÆS
Photographie

Impression numérique /Toile
25 cm x 25 cm x 2 cm
Cadre : Sous verre avec passe-partout blanc et cadre noir
Année 2017
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Else VINÆS

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Else VINÆS est née en 1951, Autodidacte, vit et travaille à Roskilde  au Danemark.

 

Mes images expriment un sur-ensemble de la même humeur. Ils fournissent un lien tangible sous la forme de quelque chose d'intangible.


Dans mes considérations esthétiques je cherche une sensation et un sens de la relation de l'art à la réalité. En tant que photographe, je remplace créativité et nuances des langues avec des images dans lesquelles la signification symbolique représente une humeur intérieure. 
Le meilleur moment est toujours maintenant. 
Les images créent un récit significatif. La perspective narrative implique une compréhension du contenu avec une morale implicite, c’est l'un des termes de base. Les gens veulent créer du sens et de la cohérence comme un rempart contre le chaos et l'insécurité. 
Le récit se trouve partout dans nos vies. Cela vaut aussi pour les détails de la vie de tous les jours que nous entretenons avec notre caméra. Lorsque nous enregistrons avec l'appareil photo, nous faisons l'expérience d'une présence. Cette présence est la capacité d'être présent ici et maintenant avec toute son attention 
Je veux prendre la photographie traditionnelle en temps que base et y montrer les réalités qui n'ont jamais existées et qui ne le seront jamais. Séparer traités et composée d'objets de sorte que la vraie réalité approchée et plutôt créé une nouvelle réalité.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : VINAES12
250
4
Dekadance 4 - Photographie d'Else VINÆS
Photographie

Impression numérique /Toile
50 cm x 50 cm x 2 cm
Cadre : sans
Année 2017
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Else VINÆS

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Else VINÆS est née en 1951, Autodidacte, vit et travaille à Roskilde  au Danemark.

 

Mes images expriment un sur-ensemble de la même humeur. Ils fournissent un lien tangible sous la forme de quelque chose d'intangible.


Dans mes considérations esthétiques je cherche une sensation et un sens de la relation de l'art à la réalité. En tant que photographe, je remplace créativité et nuances des langues avec des images dans lesquelles la signification symbolique représente une humeur intérieure. 
Le meilleur moment est toujours maintenant. 
Les images créent un récit significatif. La perspective narrative implique une compréhension du contenu avec une morale implicite, c’est l'un des termes de base. Les gens veulent créer du sens et de la cohérence comme un rempart contre le chaos et l'insécurité. 
Le récit se trouve partout dans nos vies. Cela vaut aussi pour les détails de la vie de tous les jours que nous entretenons avec notre caméra. Lorsque nous enregistrons avec l'appareil photo, nous faisons l'expérience d'une présence. Cette présence est la capacité d'être présent ici et maintenant avec toute son attention 
Je veux prendre la photographie traditionnelle en temps que base et y montrer les réalités qui n'ont jamais existées et qui ne le seront jamais. Séparer traités et composée d'objets de sorte que la vraie réalité approchée et plutôt créé une nouvelle réalité.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : VINAES11
500
4
Dekadance 3 - Photographie d'Else VINÆS
Photographie

Impression numérique /Toile
50 cm x 50 cm x 2 cm
Cadre : sans
Année 2017
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Else VINÆS

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Else VINÆS est née en 1951, Autodidacte, vit et travaille à Roskilde  au Danemark.

 

Mes images expriment un sur-ensemble de la même humeur. Ils fournissent un lien tangible sous la forme de quelque chose d'intangible.


Dans mes considérations esthétiques je cherche une sensation et un sens de la relation de l'art à la réalité. En tant que photographe, je remplace créativité et nuances des langues avec des images dans lesquelles la signification symbolique représente une humeur intérieure. 
Le meilleur moment est toujours maintenant. 
Les images créent un récit significatif. La perspective narrative implique une compréhension du contenu avec une morale implicite, c’est l'un des termes de base. Les gens veulent créer du sens et de la cohérence comme un rempart contre le chaos et l'insécurité. 
Le récit se trouve partout dans nos vies. Cela vaut aussi pour les détails de la vie de tous les jours que nous entretenons avec notre caméra. Lorsque nous enregistrons avec l'appareil photo, nous faisons l'expérience d'une présence. Cette présence est la capacité d'être présent ici et maintenant avec toute son attention 
Je veux prendre la photographie traditionnelle en temps que base et y montrer les réalités qui n'ont jamais existées et qui ne le seront jamais. Séparer traités et composée d'objets de sorte que la vraie réalité approchée et plutôt créé une nouvelle réalité.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : VINAES10
500
4
Dekadance 1 - Photographie d'Else VINÆS
Photographie

Impression numérique /Toile
50 cm x 50 cm x 2 cm
Cadre : sans
Année 2017
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Else VINÆS

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Else VINÆS est née en 1951, Autodidacte, vit et travaille à Roskilde  au Danemark.

 

Mes images expriment un sur-ensemble de la même humeur. Ils fournissent un lien tangible sous la forme de quelque chose d'intangible.


Dans mes considérations esthétiques je cherche une sensation et un sens de la relation de l'art à la réalité. En tant que photographe, je remplace créativité et nuances des langues avec des images dans lesquelles la signification symbolique représente une humeur intérieure. 
Le meilleur moment est toujours maintenant. 
Les images créent un récit significatif. La perspective narrative implique une compréhension du contenu avec une morale implicite, c’est l'un des termes de base. Les gens veulent créer du sens et de la cohérence comme un rempart contre le chaos et l'insécurité. 
Le récit se trouve partout dans nos vies. Cela vaut aussi pour les détails de la vie de tous les jours que nous entretenons avec notre caméra. Lorsque nous enregistrons avec l'appareil photo, nous faisons l'expérience d'une présence. Cette présence est la capacité d'être présent ici et maintenant avec toute son attention 
Je veux prendre la photographie traditionnelle en temps que base et y montrer les réalités qui n'ont jamais existées et qui ne le seront jamais. Séparer traités et composée d'objets de sorte que la vraie réalité approchée et plutôt créé une nouvelle réalité.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : VINAES09
500
5
Formation 04 - Photographie d'Else VINÆS
Photographie

Impression numérique /Toile
50 cm x 50 cm x 2 cm
Cadre : sans
Année 2017
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Else VINÆS

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Else VINÆS est née en 1951, Autodidacte, vit et travaille à Roskilde  au Danemark.

 

Mes images expriment un sur-ensemble de la même humeur. Ils fournissent un lien tangible sous la forme de quelque chose d'intangible.


Dans mes considérations esthétiques je cherche une sensation et un sens de la relation de l'art à la réalité. En tant que photographe, je remplace créativité et nuances des langues avec des images dans lesquelles la signification symbolique représente une humeur intérieure. 
Le meilleur moment est toujours maintenant. 
Les images créent un récit significatif. La perspective narrative implique une compréhension du contenu avec une morale implicite, c’est l'un des termes de base. Les gens veulent créer du sens et de la cohérence comme un rempart contre le chaos et l'insécurité. 
Le récit se trouve partout dans nos vies. Cela vaut aussi pour les détails de la vie de tous les jours que nous entretenons avec notre caméra. Lorsque nous enregistrons avec l'appareil photo, nous faisons l'expérience d'une présence. Cette présence est la capacité d'être présent ici et maintenant avec toute son attention 
Je veux prendre la photographie traditionnelle en temps que base et y montrer les réalités qui n'ont jamais existées et qui ne le seront jamais. Séparer traités et composée d'objets de sorte que la vraie réalité approchée et plutôt créé une nouvelle réalité.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : VINAES08
500
4
Formation 03 - Photographie d'Else VINÆS
Photographie

Impression numérique /Toile
50 cm x 50 cm x 2 cm
Cadre : sans
Année 2017
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Else VINÆS

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Else VINÆS est née en 1951, Autodidacte, vit et travaille à Roskilde  au Danemark.

 

Mes images expriment un sur-ensemble de la même humeur. Ils fournissent un lien tangible sous la forme de quelque chose d'intangible.


Dans mes considérations esthétiques je cherche une sensation et un sens de la relation de l'art à la réalité. En tant que photographe, je remplace créativité et nuances des langues avec des images dans lesquelles la signification symbolique représente une humeur intérieure. 
Le meilleur moment est toujours maintenant. 
Les images créent un récit significatif. La perspective narrative implique une compréhension du contenu avec une morale implicite, c’est l'un des termes de base. Les gens veulent créer du sens et de la cohérence comme un rempart contre le chaos et l'insécurité. 
Le récit se trouve partout dans nos vies. Cela vaut aussi pour les détails de la vie de tous les jours que nous entretenons avec notre caméra. Lorsque nous enregistrons avec l'appareil photo, nous faisons l'expérience d'une présence. Cette présence est la capacité d'être présent ici et maintenant avec toute son attention 
Je veux prendre la photographie traditionnelle en temps que base et y montrer les réalités qui n'ont jamais existées et qui ne le seront jamais. Séparer traités et composée d'objets de sorte que la vraie réalité approchée et plutôt créé une nouvelle réalité.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : VINAES07
500
4
Formation 02 - Photographie d'Else VINÆS
Photographie

Impression numérique /Toile
50 cm x 50 cm x 2 cm
Cadre :sans
Année 2017
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Else VINÆS

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Else VINÆS est née en 1951, Autodidacte, vit et travaille à Roskilde  au Danemark.

 

Mes images expriment un sur-ensemble de la même humeur. Ils fournissent un lien tangible sous la forme de quelque chose d'intangible.


Dans mes considérations esthétiques je cherche une sensation et un sens de la relation de l'art à la réalité. En tant que photographe, je remplace créativité et nuances des langues avec des images dans lesquelles la signification symbolique représente une humeur intérieure. 
Le meilleur moment est toujours maintenant. 
Les images créent un récit significatif. La perspective narrative implique une compréhension du contenu avec une morale implicite, c’est l'un des termes de base. Les gens veulent créer du sens et de la cohérence comme un rempart contre le chaos et l'insécurité. 
Le récit se trouve partout dans nos vies. Cela vaut aussi pour les détails de la vie de tous les jours que nous entretenons avec notre caméra. Lorsque nous enregistrons avec l'appareil photo, nous faisons l'expérience d'une présence. Cette présence est la capacité d'être présent ici et maintenant avec toute son attention 
Je veux prendre la photographie traditionnelle en temps que base et y montrer les réalités qui n'ont jamais existées et qui ne le seront jamais. Séparer traités et composée d'objets de sorte que la vraie réalité approchée et plutôt créé une nouvelle réalité.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : VINAES06
500
5
Formation 01 - Photographie d'Else VINÆS
Photographie

Impression numérique /Toile
50 cm x 50 cm x 2 cm
Cadre :sans
Année 2017
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Else VINÆS

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Else VINÆS est née en 1951, Autodidacte, vit et travaille à Roskilde  au Danemark.

 

Mes images expriment un sur-ensemble de la même humeur. Ils fournissent un lien tangible sous la forme de quelque chose d'intangible.


Dans mes considérations esthétiques je cherche une sensation et un sens de la relation de l'art à la réalité. En tant que photographe, je remplace créativité et nuances des langues avec des images dans lesquelles la signification symbolique représente une humeur intérieure. 
Le meilleur moment est toujours maintenant. 
Les images créent un récit significatif. La perspective narrative implique une compréhension du contenu avec une morale implicite, c’est l'un des termes de base. Les gens veulent créer du sens et de la cohérence comme un rempart contre le chaos et l'insécurité. 
Le récit se trouve partout dans nos vies. Cela vaut aussi pour les détails de la vie de tous les jours que nous entretenons avec notre caméra. Lorsque nous enregistrons avec l'appareil photo, nous faisons l'expérience d'une présence. Cette présence est la capacité d'être présent ici et maintenant avec toute son attention 
Je veux prendre la photographie traditionnelle en temps que base et y montrer les réalités qui n'ont jamais existées et qui ne le seront jamais. Séparer traités et composée d'objets de sorte que la vraie réalité approchée et plutôt créé une nouvelle réalité.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : VINAES05
500
4
Historisher Miniatur 04 - Photographie d'Else VINÆS
Photographie

Impression numérique /Toile
50 cm x 50 cm x 2 cm
Cadre :sans
Année 2017
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Else VINÆS

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Else VINÆS est née en 1951, Autodidacte, vit et travaille à Roskilde  au Danemark.

 

Mes images expriment un sur-ensemble de la même humeur. Ils fournissent un lien tangible sous la forme de quelque chose d'intangible.


Dans mes considérations esthétiques je cherche une sensation et un sens de la relation de l'art à la réalité. En tant que photographe, je remplace créativité et nuances des langues avec des images dans lesquelles la signification symbolique représente une humeur intérieure. 
Le meilleur moment est toujours maintenant. 
Les images créent un récit significatif. La perspective narrative implique une compréhension du contenu avec une morale implicite, c’est l'un des termes de base. Les gens veulent créer du sens et de la cohérence comme un rempart contre le chaos et l'insécurité. 
Le récit se trouve partout dans nos vies. Cela vaut aussi pour les détails de la vie de tous les jours que nous entretenons avec notre caméra. Lorsque nous enregistrons avec l'appareil photo, nous faisons l'expérience d'une présence. Cette présence est la capacité d'être présent ici et maintenant avec toute son attention 
Je veux prendre la photographie traditionnelle en temps que base et y montrer les réalités qui n'ont jamais existées et qui ne le seront jamais. Séparer traités et composée d'objets de sorte que la vraie réalité approchée et plutôt créé une nouvelle réalité.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : VINAES04
500
4
Historisher Miniatur 03 - Photographie d'Else VINÆS
Photographie

Impression numérique /Toile
50 cm x 50 cm x 2 cm
Cadre :sans
Année 2017
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Else VINÆS

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Else VINÆS est née en 1951, Autodidacte, vit et travaille à Roskilde  au Danemark.

 

Mes images expriment un sur-ensemble de la même humeur. Ils fournissent un lien tangible sous la forme de quelque chose d'intangible.


Dans mes considérations esthétiques je cherche une sensation et un sens de la relation de l'art à la réalité. En tant que photographe, je remplace créativité et nuances des langues avec des images dans lesquelles la signification symbolique représente une humeur intérieure. 
Le meilleur moment est toujours maintenant. 
Les images créent un récit significatif. La perspective narrative implique une compréhension du contenu avec une morale implicite, c’est l'un des termes de base. Les gens veulent créer du sens et de la cohérence comme un rempart contre le chaos et l'insécurité. 
Le récit se trouve partout dans nos vies. Cela vaut aussi pour les détails de la vie de tous les jours que nous entretenons avec notre caméra. Lorsque nous enregistrons avec l'appareil photo, nous faisons l'expérience d'une présence. Cette présence est la capacité d'être présent ici et maintenant avec toute son attention 
Je veux prendre la photographie traditionnelle en temps que base et y montrer les réalités qui n'ont jamais existées et qui ne le seront jamais. Séparer traités et composée d'objets de sorte que la vraie réalité approchée et plutôt créé une nouvelle réalité.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : VINAES03
500
4
Historisher Miniatur 02 - Photographie d'Else VINÆS
Photographie

Impression numérique /Toile
50 cm x 50 cm x 2 cm
Cadre :sans
Année 2017
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Else VINÆS

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Else VINÆS est née en 1951, Autodidacte, vit et travaille à Roskilde  au Danemark.

 

Mes images expriment un sur-ensemble de la même humeur. Ils fournissent un lien tangible sous la forme de quelque chose d'intangible.


Dans mes considérations esthétiques je cherche une sensation et un sens de la relation de l'art à la réalité. En tant que photographe, je remplace créativité et nuances des langues avec des images dans lesquelles la signification symbolique représente une humeur intérieure. 
Le meilleur moment est toujours maintenant. 
Les images créent un récit significatif. La perspective narrative implique une compréhension du contenu avec une morale implicite, c’est l'un des termes de base. Les gens veulent créer du sens et de la cohérence comme un rempart contre le chaos et l'insécurité. 
Le récit se trouve partout dans nos vies. Cela vaut aussi pour les détails de la vie de tous les jours que nous entretenons avec notre caméra. Lorsque nous enregistrons avec l'appareil photo, nous faisons l'expérience d'une présence. Cette présence est la capacité d'être présent ici et maintenant avec toute son attention 
Je veux prendre la photographie traditionnelle en temps que base et y montrer les réalités qui n'ont jamais existées et qui ne le seront jamais. Séparer traités et composée d'objets de sorte que la vraie réalité approchée et plutôt créé une nouvelle réalité.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : VINAES02
500
4
Historisher Miniatur 01 - Photographie d'Else VINÆS
Photographie

Impression numérique /Toile
50 cm x 50 cm x 2 cm
Cadre :sans
Année 2017
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Else VINÆs

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Else VINÆS est née en 1951, Autodidacte, vit et travaille à Roskilde  au Danemark.

 

Mes images expriment un sur-ensemble de la même humeur. Ils fournissent un lien tangible sous la forme de quelque chose d'intangible.


Dans mes considérations esthétiques je cherche une sensation et un sens de la relation de l'art à la réalité. En tant que photographe, je remplace créativité et nuances des langues avec des images dans lesquelles la signification symbolique représente une humeur intérieure. 
Le meilleur moment est toujours maintenant. 
Les images créent un récit significatif. La perspective narrative implique une compréhension du contenu avec une morale implicite, c’est l'un des termes de base. Les gens veulent créer du sens et de la cohérence comme un rempart contre le chaos et l'insécurité. 
Le récit se trouve partout dans nos vies. Cela vaut aussi pour les détails de la vie de tous les jours que nous entretenons avec notre caméra. Lorsque nous enregistrons avec l'appareil photo, nous faisons l'expérience d'une présence. Cette présence est la capacité d'être présent ici et maintenant avec toute son attention 
Je veux prendre la photographie traditionnelle en temps que base et y montrer les réalités qui n'ont jamais existées et qui ne le seront jamais. Séparer traités et composée d'objets de sorte que la vraie réalité approchée et plutôt créé une nouvelle réalité.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : VINAES01
500
3
Alixia en forêt d'Ermenonville II - Photographie de Michel AUDEBERT
Photographie

Tirage photographique / Support aluminium
50 cm x 75 cm x 2 cm
Cadre : caisse américaine noire
Année 2017
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Michel AUDEBERT

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Michel AUDEBERT vit et travaille à Paris


C'est en 1975 que l'aventure d'artiste débute pour Michel Audebert. Photographe plasticien il nous emmène dans une quête vers la beauté ou le message est aussi fort que l'image.
« Encore plus qu'un travail sur la représentation, ma recherche est celle de l'expression de la sensation qui émane du sujet photographié... Dans mes suites d'images, la répétition du motif n'a pas de but "hypnotique"... La moindre variation sur le sujet doit en modifier notre perception... J'ai une haute idée de la Photographie en tant que mode d'expression. Par son rapport à la réalité et au temps qui passe, je considère celle-ci comme un art majeur... Elle peut créer l'illusion de la réalité comme l'impression du temps arrêté. Pour moi, la photographie est un formidable instrument de rêve et de nostalgie. »


Ici, en quelques lignes, Michel Audebert, photographe plasticien, définit et pose le décor de sa passion créative non pas comme un moyen de restituer une réalité mais bien plus pour exprimer voir transcender la beauté du monde qui l'entoure.
C'est en 1975 que son aventure d'artiste débute ; premiers pas dans l'une des villes berceaux de l'expression photographique française en participant aux réunions du fameux Photo-Club du Val de Bièvres non loin du reconnu Musée Français de la Photographie, puis étape après étape, sa carrière s'enrichit de rencontres, d'expositions collectives ou en solo.


Comment déterminer ou qualifier son œuvre photographique ? Y a-t-il des inspirations ou des maîtres dans lequel il pose sa propre empreinte? 
C'est vrai qu'avec Michel Audebert on pourrait trouver quelques traces identitaires, ici ou là de Lucien Clergue, de David Hamilton pour ne citer que ces deux grandes figures de la photographie. Son art photographique est plus complexe qu'une simple correspondance, les parallèles s'arrêtent donc là.
Nous ne sommes pas dans de la photographie de nu, de nature ou environnemental. Son travail provoque un sentiment, une sensation voir une réflexion ; la célébration graphique d'une forme, d'une courbe, d'un détail, d'une matière, aura d'ailleurs pour certain un effet contemplatif et fait appel au fond de nous à des codes existentiels bien ancrés. Le plus étonnant dans son travail, c'est que l'on ne peut dissocier l'envie du photographe de magnifier son modèle qu'il soit humain ou issu de la nature et de lui donner une capacité à s'exprimer dans une harmonie paisible comme pour nous solliciter à une forme de préservation, de respect.

Pour le galeriste J. Debaigts « ... En réalité, bien qu'il nous propose des images, il nous transmet aussi des messages, ceux de son imaginaire toujours en éveil. Cet homme-photographe est un alchimiste. Devant son objectif la nature se plie à ses pulsions esthétiques, plus qu'elle en impose elle-même.... »
Ne cherchez donc pas à le catégoriser dans un domaine ou un autre, observez ses créations comme des œuvres ou son imaginaire prend le pas sur le réel. En mouvement ou statique, sa photographie est un art à la fois facile d'accès et complexe à décoder, rien n'est gratuit et tout est réfléchi et c'est aussi ce qui fait une œuvre d'art, sa capacité à se révéler spontanément et selon ces propres codes.
 Michel Audebert est, un architecte, un compositeur de la beauté qui nous entoure, elle prend forme dans une femme, un arbre, un ciel ou une vague et finalement il ressort un sentiment d'un tout, unique. Avec lui, la réalité est abstraite; enfin de compte c'est une autre dimension qu'il nous propose.
En 1975, le photographe était né.
 Il s'est progressivement mué en plasticien, mutation qui n'avait d'ailleurs pas échappée à Christian Langlois, membre de l'Académie des Beaux-Arts qui en 1997 suscita l'idée à l'artiste de faire le concours d'entrée à la CASA VELASQUEZ en Espagne, établissement international de création artistique et scientifique.


------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : AUDEBERT15
1 000
3
Alixia en forêt d'Ermenonville - Photographie de Michel AUDEBERT
Photographie

Tirage photographique / Support aluminium
50 cm x 75 cm x 2 cm
Cadre : caisse américaine noire
Année 2017
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Michel AUDEBERT

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Michel AUDEBERT vit et travaille à Paris


C'est en 1975 que l'aventure d'artiste débute pour Michel Audebert. Photographe plasticien il nous emmène dans une quête vers la beauté ou le message est aussi fort que l'image.
« Encore plus qu'un travail sur la représentation, ma recherche est celle de l'expression de la sensation qui émane du sujet photographié... Dans mes suites d'images, la répétition du motif n'a pas de but "hypnotique"... La moindre variation sur le sujet doit en modifier notre perception... J'ai une haute idée de la Photographie en tant que mode d'expression. Par son rapport à la réalité et au temps qui passe, je considère celle-ci comme un art majeur... Elle peut créer l'illusion de la réalité comme l'impression du temps arrêté. Pour moi, la photographie est un formidable instrument de rêve et de nostalgie. »


Ici, en quelques lignes, Michel Audebert, photographe plasticien, définit et pose le décor de sa passion créative non pas comme un moyen de restituer une réalité mais bien plus pour exprimer voir transcender la beauté du monde qui l'entoure.
C'est en 1975 que son aventure d'artiste débute ; premiers pas dans l'une des villes berceaux de l'expression photographique française en participant aux réunions du fameux Photo-Club du Val de Bièvres non loin du reconnu Musée Français de la Photographie, puis étape après étape, sa carrière s'enrichit de rencontres, d'expositions collectives ou en solo.


Comment déterminer ou qualifier son œuvre photographique ? Y a-t-il des inspirations ou des maîtres dans lequel il pose sa propre empreinte? 
C'est vrai qu'avec Michel Audebert on pourrait trouver quelques traces identitaires, ici ou là de Lucien Clergue, de David Hamilton pour ne citer que ces deux grandes figures de la photographie. Son art photographique est plus complexe qu'une simple correspondance, les parallèles s'arrêtent donc là.
Nous ne sommes pas dans de la photographie de nu, de nature ou environnemental. Son travail provoque un sentiment, une sensation voir une réflexion ; la célébration graphique d'une forme, d'une courbe, d'un détail, d'une matière, aura d'ailleurs pour certain un effet contemplatif et fait appel au fond de nous à des codes existentiels bien ancrés. Le plus étonnant dans son travail, c'est que l'on ne peut dissocier l'envie du photographe de magnifier son modèle qu'il soit humain ou issu de la nature et de lui donner une capacité à s'exprimer dans une harmonie paisible comme pour nous solliciter à une forme de préservation, de respect.

Pour le galeriste J. Debaigts « ... En réalité, bien qu'il nous propose des images, il nous transmet aussi des messages, ceux de son imaginaire toujours en éveil. Cet homme-photographe est un alchimiste. Devant son objectif la nature se plie à ses pulsions esthétiques, plus qu'elle en impose elle-même.... »
Ne cherchez donc pas à le catégoriser dans un domaine ou un autre, observez ses créations comme des œuvres ou son imaginaire prend le pas sur le réel. En mouvement ou statique, sa photographie est un art à la fois facile d'accès et complexe à décoder, rien n'est gratuit et tout est réfléchi et c'est aussi ce qui fait une œuvre d'art, sa capacité à se révéler spontanément et selon ces propres codes.
 Michel Audebert est, un architecte, un compositeur de la beauté qui nous entoure, elle prend forme dans une femme, un arbre, un ciel ou une vague et finalement il ressort un sentiment d'un tout, unique. Avec lui, la réalité est abstraite; enfin de compte c'est une autre dimension qu'il nous propose.
En 1975, le photographe était né.
 Il s'est progressivement mué en plasticien, mutation qui n'avait d'ailleurs pas échappée à Christian Langlois, membre de l'Académie des Beaux-Arts qui en 1997 suscita l'idée à l'artiste de faire le concours d'entrée à la CASA VELASQUEZ en Espagne, établissement international de création artistique et scientifique.


------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : AUDEBERT14
1 000
3
Gaïa en forêt de Nemours -2 - Photographie de Michel AUDEBERT
Photographie

Tirage photographique / Support Aluminium
50 cm x 75 cm x 2 cm
Cadre : caisse américaine noire
Année 2017
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Michel AUDEBERT

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Michel AUDEBERT vit et travaille à Paris


C'est en 1975 que l'aventure d'artiste débute pour Michel Audebert. Photographe plasticien il nous emmène dans une quête vers la beauté ou le message est aussi fort que l'image.
« Encore plus qu'un travail sur la représentation, ma recherche est celle de l'expression de la sensation qui émane du sujet photographié... Dans mes suites d'images, la répétition du motif n'a pas de but "hypnotique"... La moindre variation sur le sujet doit en modifier notre perception... J'ai une haute idée de la Photographie en tant que mode d'expression. Par son rapport à la réalité et au temps qui passe, je considère celle-ci comme un art majeur... Elle peut créer l'illusion de la réalité comme l'impression du temps arrêté. Pour moi, la photographie est un formidable instrument de rêve et de nostalgie. »


Ici, en quelques lignes, Michel Audebert, photographe plasticien, définit et pose le décor de sa passion créative non pas comme un moyen de restituer une réalité mais bien plus pour exprimer voir transcender la beauté du monde qui l'entoure.
C'est en 1975 que son aventure d'artiste débute ; premiers pas dans l'une des villes berceaux de l'expression photographique française en participant aux réunions du fameux Photo-Club du Val de Bièvres non loin du reconnu Musée Français de la Photographie, puis étape après étape, sa carrière s'enrichit de rencontres, d'expositions collectives ou en solo.


Comment déterminer ou qualifier son œuvre photographique ? Y a-t-il des inspirations ou des maîtres dans lequel il pose sa propre empreinte? 
C'est vrai qu'avec Michel Audebert on pourrait trouver quelques traces identitaires, ici ou là de Lucien Clergue, de David Hamilton pour ne citer que ces deux grandes figures de la photographie. Son art photographique est plus complexe qu'une simple correspondance, les parallèles s'arrêtent donc là.
Nous ne sommes pas dans de la photographie de nu, de nature ou environnemental. Son travail provoque un sentiment, une sensation voir une réflexion ; la célébration graphique d'une forme, d'une courbe, d'un détail, d'une matière, aura d'ailleurs pour certain un effet contemplatif et fait appel au fond de nous à des codes existentiels bien ancrés. Le plus étonnant dans son travail, c'est que l'on ne peut dissocier l'envie du photographe de magnifier son modèle qu'il soit humain ou issu de la nature et de lui donner une capacité à s'exprimer dans une harmonie paisible comme pour nous solliciter à une forme de préservation, de respect.

Pour le galeriste J. Debaigts « ... En réalité, bien qu'il nous propose des images, il nous transmet aussi des messages, ceux de son imaginaire toujours en éveil. Cet homme-photographe est un alchimiste. Devant son objectif la nature se plie à ses pulsions esthétiques, plus qu'elle en impose elle-même.... »
Ne cherchez donc pas à le catégoriser dans un domaine ou un autre, observez ses créations comme des œuvres ou son imaginaire prend le pas sur le réel. En mouvement ou statique, sa photographie est un art à la fois facile d'accès et complexe à décoder, rien n'est gratuit et tout est réfléchi et c'est aussi ce qui fait une œuvre d'art, sa capacité à se révéler spontanément et selon ces propres codes.
 Michel Audebert est, un architecte, un compositeur de la beauté qui nous entoure, elle prend forme dans une femme, un arbre, un ciel ou une vague et finalement il ressort un sentiment d'un tout, unique. Avec lui, la réalité est abstraite; enfin de compte c'est une autre dimension qu'il nous propose.
En 1975, le photographe était né.
 Il s'est progressivement mué en plasticien, mutation qui n'avait d'ailleurs pas échappée à Christian Langlois, membre de l'Académie des Beaux-Arts qui en 1997 suscita l'idée à l'artiste de faire le concours d'entrée à la CASA VELASQUEZ en Espagne, établissement international de création artistique et scientifique.


------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : AUDEBERT13
1 000
3
Sabrina au Porge - Photographie de Michel AUDEBERT
Photographie

Tirage photographique / Support Aluminium
50 cm x 75 cm x 2 cm
Cadre : caisse américaine noire
Année 2017
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Michel AUDEBERT

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Michel AUDEBERT vit et travaille à Paris


C'est en 1975 que l'aventure d'artiste débute pour Michel Audebert. Photographe plasticien il nous emmène dans une quête vers la beauté ou le message est aussi fort que l'image.
« Encore plus qu'un travail sur la représentation, ma recherche est celle de l'expression de la sensation qui émane du sujet photographié... Dans mes suites d'images, la répétition du motif n'a pas de but "hypnotique"... La moindre variation sur le sujet doit en modifier notre perception... J'ai une haute idée de la Photographie en tant que mode d'expression. Par son rapport à la réalité et au temps qui passe, je considère celle-ci comme un art majeur... Elle peut créer l'illusion de la réalité comme l'impression du temps arrêté. Pour moi, la photographie est un formidable instrument de rêve et de nostalgie. »


Ici, en quelques lignes, Michel Audebert, photographe plasticien, définit et pose le décor de sa passion créative non pas comme un moyen de restituer une réalité mais bien plus pour exprimer voir transcender la beauté du monde qui l'entoure.
C'est en 1975 que son aventure d'artiste débute ; premiers pas dans l'une des villes berceaux de l'expression photographique française en participant aux réunions du fameux Photo-Club du Val de Bièvres non loin du reconnu Musée Français de la Photographie, puis étape après étape, sa carrière s'enrichit de rencontres, d'expositions collectives ou en solo.


Comment déterminer ou qualifier son œuvre photographique ? Y a-t-il des inspirations ou des maîtres dans lequel il pose sa propre empreinte? 
C'est vrai qu'avec Michel Audebert on pourrait trouver quelques traces identitaires, ici ou là de Lucien Clergue, de David Hamilton pour ne citer que ces deux grandes figures de la photographie. Son art photographique est plus complexe qu'une simple correspondance, les parallèles s'arrêtent donc là.
Nous ne sommes pas dans de la photographie de nu, de nature ou environnemental. Son travail provoque un sentiment, une sensation voir une réflexion ; la célébration graphique d'une forme, d'une courbe, d'un détail, d'une matière, aura d'ailleurs pour certain un effet contemplatif et fait appel au fond de nous à des codes existentiels bien ancrés. Le plus étonnant dans son travail, c'est que l'on ne peut dissocier l'envie du photographe de magnifier son modèle qu'il soit humain ou issu de la nature et de lui donner une capacité à s'exprimer dans une harmonie paisible comme pour nous solliciter à une forme de préservation, de respect.

Pour le galeriste J. Debaigts « ... En réalité, bien qu'il nous propose des images, il nous transmet aussi des messages, ceux de son imaginaire toujours en éveil. Cet homme-photographe est un alchimiste. Devant son objectif la nature se plie à ses pulsions esthétiques, plus qu'elle en impose elle-même.... »
Ne cherchez donc pas à le catégoriser dans un domaine ou un autre, observez ses créations comme des œuvres ou son imaginaire prend le pas sur le réel. En mouvement ou statique, sa photographie est un art à la fois facile d'accès et complexe à décoder, rien n'est gratuit et tout est réfléchi et c'est aussi ce qui fait une œuvre d'art, sa capacité à se révéler spontanément et selon ces propres codes.
 Michel Audebert est, un architecte, un compositeur de la beauté qui nous entoure, elle prend forme dans une femme, un arbre, un ciel ou une vague et finalement il ressort un sentiment d'un tout, unique. Avec lui, la réalité est abstraite; enfin de compte c'est une autre dimension qu'il nous propose.
En 1975, le photographe était né.
 Il s'est progressivement mué en plasticien, mutation qui n'avait d'ailleurs pas échappée à Christian Langlois, membre de l'Académie des Beaux-Arts qui en 1997 suscita l'idée à l'artiste de faire le concours d'entrée à la CASA VELASQUEZ en Espagne, établissement international de création artistique et scientifique.


------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : AUDEBERT12
1 000
3
Alixia en forêt de Nemours - Photographie de Michel AUDEBERT
Photographie

Tirage photographique / Support Aluminium
50 cm x 75 cm x 2 cm
Cadre : caisse américaine noire
Année 2017
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Michel AUDEBERT

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Michel AUDEBERT vit et travaille à Paris


C'est en 1975 que l'aventure d'artiste débute pour Michel Audebert. Photographe plasticien il nous emmène dans une quête vers la beauté ou le message est aussi fort que l'image.
« Encore plus qu'un travail sur la représentation, ma recherche est celle de l'expression de la sensation qui émane du sujet photographié... Dans mes suites d'images, la répétition du motif n'a pas de but "hypnotique"... La moindre variation sur le sujet doit en modifier notre perception... J'ai une haute idée de la Photographie en tant que mode d'expression. Par son rapport à la réalité et au temps qui passe, je considère celle-ci comme un art majeur... Elle peut créer l'illusion de la réalité comme l'impression du temps arrêté. Pour moi, la photographie est un formidable instrument de rêve et de nostalgie. »


Ici, en quelques lignes, Michel Audebert, photographe plasticien, définit et pose le décor de sa passion créative non pas comme un moyen de restituer une réalité mais bien plus pour exprimer voir transcender la beauté du monde qui l'entoure.
C'est en 1975 que son aventure d'artiste débute ; premiers pas dans l'une des villes berceaux de l'expression photographique française en participant aux réunions du fameux Photo-Club du Val de Bièvres non loin du reconnu Musée Français de la Photographie, puis étape après étape, sa carrière s'enrichit de rencontres, d'expositions collectives ou en solo.


Comment déterminer ou qualifier son œuvre photographique ? Y a-t-il des inspirations ou des maîtres dans lequel il pose sa propre empreinte? 
C'est vrai qu'avec Michel Audebert on pourrait trouver quelques traces identitaires, ici ou là de Lucien Clergue, de David Hamilton pour ne citer que ces deux grandes figures de la photographie. Son art photographique est plus complexe qu'une simple correspondance, les parallèles s'arrêtent donc là.
Nous ne sommes pas dans de la photographie de nu, de nature ou environnemental. Son travail provoque un sentiment, une sensation voir une réflexion ; la célébration graphique d'une forme, d'une courbe, d'un détail, d'une matière, aura d'ailleurs pour certain un effet contemplatif et fait appel au fond de nous à des codes existentiels bien ancrés. Le plus étonnant dans son travail, c'est que l'on ne peut dissocier l'envie du photographe de magnifier son modèle qu'il soit humain ou issu de la nature et de lui donner une capacité à s'exprimer dans une harmonie paisible comme pour nous solliciter à une forme de préservation, de respect.

Pour le galeriste J. Debaigts « ... En réalité, bien qu'il nous propose des images, il nous transmet aussi des messages, ceux de son imaginaire toujours en éveil. Cet homme-photographe est un alchimiste. Devant son objectif la nature se plie à ses pulsions esthétiques, plus qu'elle en impose elle-même.... »
Ne cherchez donc pas à le catégoriser dans un domaine ou un autre, observez ses créations comme des œuvres ou son imaginaire prend le pas sur le réel. En mouvement ou statique, sa photographie est un art à la fois facile d'accès et complexe à décoder, rien n'est gratuit et tout est réfléchi et c'est aussi ce qui fait une œuvre d'art, sa capacité à se révéler spontanément et selon ces propres codes.
 Michel Audebert est, un architecte, un compositeur de la beauté qui nous entoure, elle prend forme dans une femme, un arbre, un ciel ou une vague et finalement il ressort un sentiment d'un tout, unique. Avec lui, la réalité est abstraite; enfin de compte c'est une autre dimension qu'il nous propose.
En 1975, le photographe était né.
 Il s'est progressivement mué en plasticien, mutation qui n'avait d'ailleurs pas échappée à Christian Langlois, membre de l'Académie des Beaux-Arts qui en 1997 suscita l'idée à l'artiste de faire le concours d'entrée à la CASA VELASQUEZ en Espagne, établissement international de création artistique et scientifique.


------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : AUDEBERT11
1 000
3
Jahnael au grand Crohot - Photographie de Michel AUDEBERT
Photographie

Tirage photographique / Support Aluminium
50 cm x 75 cm x 2 cm
Cadre : caisse américaine noire
Année 2012
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Michel AUDEBERT

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Michel AUDEBERT vit et travaille à Paris


C'est en 1975 que l'aventure d'artiste débute pour Michel Audebert. Photographe plasticien il nous emmène dans une quête vers la beauté ou le message est aussi fort que l'image.
« Encore plus qu'un travail sur la représentation, ma recherche est celle de l'expression de la sensation qui émane du sujet photographié... Dans mes suites d'images, la répétition du motif n'a pas de but "hypnotique"... La moindre variation sur le sujet doit en modifier notre perception... J'ai une haute idée de la Photographie en tant que mode d'expression. Par son rapport à la réalité et au temps qui passe, je considère celle-ci comme un art majeur... Elle peut créer l'illusion de la réalité comme l'impression du temps arrêté. Pour moi, la photographie est un formidable instrument de rêve et de nostalgie. »


Ici, en quelques lignes, Michel Audebert, photographe plasticien, définit et pose le décor de sa passion créative non pas comme un moyen de restituer une réalité mais bien plus pour exprimer voir transcender la beauté du monde qui l'entoure.
C'est en 1975 que son aventure d'artiste débute ; premiers pas dans l'une des villes berceaux de l'expression photographique française en participant aux réunions du fameux Photo-Club du Val de Bièvres non loin du reconnu Musée Français de la Photographie, puis étape après étape, sa carrière s'enrichit de rencontres, d'expositions collectives ou en solo.


Comment déterminer ou qualifier son œuvre photographique ? Y a-t-il des inspirations ou des maîtres dans lequel il pose sa propre empreinte? 
C'est vrai qu'avec Michel Audebert on pourrait trouver quelques traces identitaires, ici ou là de Lucien Clergue, de David Hamilton pour ne citer que ces deux grandes figures de la photographie. Son art photographique est plus complexe qu'une simple correspondance, les parallèles s'arrêtent donc là.
Nous ne sommes pas dans de la photographie de nu, de nature ou environnemental. Son travail provoque un sentiment, une sensation voir une réflexion ; la célébration graphique d'une forme, d'une courbe, d'un détail, d'une matière, aura d'ailleurs pour certain un effet contemplatif et fait appel au fond de nous à des codes existentiels bien ancrés. Le plus étonnant dans son travail, c'est que l'on ne peut dissocier l'envie du photographe de magnifier son modèle qu'il soit humain ou issu de la nature et de lui donner une capacité à s'exprimer dans une harmonie paisible comme pour nous solliciter à une forme de préservation, de respect.

Pour le galeriste J. Debaigts « ... En réalité, bien qu'il nous propose des images, il nous transmet aussi des messages, ceux de son imaginaire toujours en éveil. Cet homme-photographe est un alchimiste. Devant son objectif la nature se plie à ses pulsions esthétiques, plus qu'elle en impose elle-même.... »
Ne cherchez donc pas à le catégoriser dans un domaine ou un autre, observez ses créations comme des œuvres ou son imaginaire prend le pas sur le réel. En mouvement ou statique, sa photographie est un art à la fois facile d'accès et complexe à décoder, rien n'est gratuit et tout est réfléchi et c'est aussi ce qui fait une œuvre d'art, sa capacité à se révéler spontanément et selon ces propres codes.
 Michel Audebert est, un architecte, un compositeur de la beauté qui nous entoure, elle prend forme dans une femme, un arbre, un ciel ou une vague et finalement il ressort un sentiment d'un tout, unique. Avec lui, la réalité est abstraite; enfin de compte c'est une autre dimension qu'il nous propose.
En 1975, le photographe était né.
 Il s'est progressivement mué en plasticien, mutation qui n'avait d'ailleurs pas échappée à Christian Langlois, membre de l'Académie des Beaux-Arts qui en 1997 suscita l'idée à l'artiste de faire le concours d'entrée à la CASA VELASQUEZ en Espagne, établissement international de création artistique et scientifique.


------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : AUDEBERT10
1 000
4
Océan Atlantique en Gironde - Photographie de Michel AUDEBERT
Photographie

Tirage photographique / Support Aluminium
50 cm x 75 cm x 2 cm
Cadre : caisse américaine noire
Année 2010
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Michel AUDEBERT

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Michel AUDEBERT vit et travaille à Paris


C'est en 1975 que l'aventure d'artiste débute pour Michel Audebert. Photographe plasticien il nous emmène dans une quête vers la beauté ou le message est aussi fort que l'image.
« Encore plus qu'un travail sur la représentation, ma recherche est celle de l'expression de la sensation qui émane du sujet photographié... Dans mes suites d'images, la répétition du motif n'a pas de but "hypnotique"... La moindre variation sur le sujet doit en modifier notre perception... J'ai une haute idée de la Photographie en tant que mode d'expression. Par son rapport à la réalité et au temps qui passe, je considère celle-ci comme un art majeur... Elle peut créer l'illusion de la réalité comme l'impression du temps arrêté. Pour moi, la photographie est un formidable instrument de rêve et de nostalgie. »


Ici, en quelques lignes, Michel Audebert, photographe plasticien, définit et pose le décor de sa passion créative non pas comme un moyen de restituer une réalité mais bien plus pour exprimer voir transcender la beauté du monde qui l'entoure.
C'est en 1975 que son aventure d'artiste débute ; premiers pas dans l'une des villes berceaux de l'expression photographique française en participant aux réunions du fameux Photo-Club du Val de Bièvres non loin du reconnu Musée Français de la Photographie, puis étape après étape, sa carrière s'enrichit de rencontres, d'expositions collectives ou en solo.


Comment déterminer ou qualifier son œuvre photographique ? Y a-t-il des inspirations ou des maîtres dans lequel il pose sa propre empreinte? 
C'est vrai qu'avec Michel Audebert on pourrait trouver quelques traces identitaires, ici ou là de Lucien Clergue, de David Hamilton pour ne citer que ces deux grandes figures de la photographie. Son art photographique est plus complexe qu'une simple correspondance, les parallèles s'arrêtent donc là.
Nous ne sommes pas dans de la photographie de nu, de nature ou environnemental. Son travail provoque un sentiment, une sensation voir une réflexion ; la célébration graphique d'une forme, d'une courbe, d'un détail, d'une matière, aura d'ailleurs pour certain un effet contemplatif et fait appel au fond de nous à des codes existentiels bien ancrés. Le plus étonnant dans son travail, c'est que l'on ne peut dissocier l'envie du photographe de magnifier son modèle qu'il soit humain ou issu de la nature et de lui donner une capacité à s'exprimer dans une harmonie paisible comme pour nous solliciter à une forme de préservation, de respect.

Pour le galeriste J. Debaigts « ... En réalité, bien qu'il nous propose des images, il nous transmet aussi des messages, ceux de son imaginaire toujours en éveil. Cet homme-photographe est un alchimiste. Devant son objectif la nature se plie à ses pulsions esthétiques, plus qu'elle en impose elle-même.... »
Ne cherchez donc pas à le catégoriser dans un domaine ou un autre, observez ses créations comme des œuvres ou son imaginaire prend le pas sur le réel. En mouvement ou statique, sa photographie est un art à la fois facile d'accès et complexe à décoder, rien n'est gratuit et tout est réfléchi et c'est aussi ce qui fait une œuvre d'art, sa capacité à se révéler spontanément et selon ces propres codes.
 Michel Audebert est, un architecte, un compositeur de la beauté qui nous entoure, elle prend forme dans une femme, un arbre, un ciel ou une vague et finalement il ressort un sentiment d'un tout, unique. Avec lui, la réalité est abstraite; enfin de compte c'est une autre dimension qu'il nous propose.
En 1975, le photographe était né.
 Il s'est progressivement mué en plasticien, mutation qui n'avait d'ailleurs pas échappée à Christian Langlois, membre de l'Académie des Beaux-Arts qui en 1997 suscita l'idée à l'artiste de faire le concours d'entrée à la CASA VELASQUEZ en Espagne, établissement international de création artistique et scientifique.


------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : AUDEBERT09
1 000
3
Liepa en forêt de Nemours - Photographie de Michel AUDEBERT
Photographie

Tirage photographique / Support Aluminium
50 cm x 75 cm x 2 cm
Cadre : caisse américaine noire
Année 2013
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Michel AUDEBERT

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Michel AUDEBERT vit et travaille à Paris


C'est en 1975 que l'aventure d'artiste débute pour Michel Audebert. Photographe plasticien il nous emmène dans une quête vers la beauté ou le message est aussi fort que l'image.
« Encore plus qu'un travail sur la représentation, ma recherche est celle de l'expression de la sensation qui émane du sujet photographié... Dans mes suites d'images, la répétition du motif n'a pas de but "hypnotique"... La moindre variation sur le sujet doit en modifier notre perception... J'ai une haute idée de la Photographie en tant que mode d'expression. Par son rapport à la réalité et au temps qui passe, je considère celle-ci comme un art majeur... Elle peut créer l'illusion de la réalité comme l'impression du temps arrêté. Pour moi, la photographie est un formidable instrument de rêve et de nostalgie. »


Ici, en quelques lignes, Michel Audebert, photographe plasticien, définit et pose le décor de sa passion créative non pas comme un moyen de restituer une réalité mais bien plus pour exprimer voir transcender la beauté du monde qui l'entoure.
C'est en 1975 que son aventure d'artiste débute ; premiers pas dans l'une des villes berceaux de l'expression photographique française en participant aux réunions du fameux Photo-Club du Val de Bièvres non loin du reconnu Musée Français de la Photographie, puis étape après étape, sa carrière s'enrichit de rencontres, d'expositions collectives ou en solo.


Comment déterminer ou qualifier son œuvre photographique ? Y a-t-il des inspirations ou des maîtres dans lequel il pose sa propre empreinte? 
C'est vrai qu'avec Michel Audebert on pourrait trouver quelques traces identitaires, ici ou là de Lucien Clergue, de David Hamilton pour ne citer que ces deux grandes figures de la photographie. Son art photographique est plus complexe qu'une simple correspondance, les parallèles s'arrêtent donc là.
Nous ne sommes pas dans de la photographie de nu, de nature ou environnemental. Son travail provoque un sentiment, une sensation voir une réflexion ; la célébration graphique d'une forme, d'une courbe, d'un détail, d'une matière, aura d'ailleurs pour certain un effet contemplatif et fait appel au fond de nous à des codes existentiels bien ancrés. Le plus étonnant dans son travail, c'est que l'on ne peut dissocier l'envie du photographe de magnifier son modèle qu'il soit humain ou issu de la nature et de lui donner une capacité à s'exprimer dans une harmonie paisible comme pour nous solliciter à une forme de préservation, de respect.

Pour le galeriste J. Debaigts « ... En réalité, bien qu'il nous propose des images, il nous transmet aussi des messages, ceux de son imaginaire toujours en éveil. Cet homme-photographe est un alchimiste. Devant son objectif la nature se plie à ses pulsions esthétiques, plus qu'elle en impose elle-même.... »
Ne cherchez donc pas à le catégoriser dans un domaine ou un autre, observez ses créations comme des œuvres ou son imaginaire prend le pas sur le réel. En mouvement ou statique, sa photographie est un art à la fois facile d'accès et complexe à décoder, rien n'est gratuit et tout est réfléchi et c'est aussi ce qui fait une œuvre d'art, sa capacité à se révéler spontanément et selon ces propres codes.
 Michel Audebert est, un architecte, un compositeur de la beauté qui nous entoure, elle prend forme dans une femme, un arbre, un ciel ou une vague et finalement il ressort un sentiment d'un tout, unique. Avec lui, la réalité est abstraite; enfin de compte c'est une autre dimension qu'il nous propose.
En 1975, le photographe était né.
 Il s'est progressivement mué en plasticien, mutation qui n'avait d'ailleurs pas échappée à Christian Langlois, membre de l'Académie des Beaux-Arts qui en 1997 suscita l'idée à l'artiste de faire le concours d'entrée à la CASA VELASQUEZ en Espagne, établissement international de création artistique et scientifique.


------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : AUDEBERT08
1 000
3
La forêt de Porge II - Photographie de Michel AUDEBERT
Photographie

Tirage photographique / Support aluminium
50 cm x 75 cm x 2 cm
Cadre : caisse américaine noire
Année 2013
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Michel AUDEBERT

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Michel AUDEBERT vit et travaille à Paris


C'est en 1975 que l'aventure d'artiste débute pour Michel Audebert. Photographe plasticien il nous emmène dans une quête vers la beauté ou le message est aussi fort que l'image.
« Encore plus qu'un travail sur la représentation, ma recherche est celle de l'expression de la sensation qui émane du sujet photographié... Dans mes suites d'images, la répétition du motif n'a pas de but "hypnotique"... La moindre variation sur le sujet doit en modifier notre perception... J'ai une haute idée de la Photographie en tant que mode d'expression. Par son rapport à la réalité et au temps qui passe, je considère celle-ci comme un art majeur... Elle peut créer l'illusion de la réalité comme l'impression du temps arrêté. Pour moi, la photographie est un formidable instrument de rêve et de nostalgie. »


Ici, en quelques lignes, Michel Audebert, photographe plasticien, définit et pose le décor de sa passion créative non pas comme un moyen de restituer une réalité mais bien plus pour exprimer voir transcender la beauté du monde qui l'entoure.
C'est en 1975 que son aventure d'artiste débute ; premiers pas dans l'une des villes berceaux de l'expression photographique française en participant aux réunions du fameux Photo-Club du Val de Bièvres non loin du reconnu Musée Français de la Photographie, puis étape après étape, sa carrière s'enrichit de rencontres, d'expositions collectives ou en solo.


Comment déterminer ou qualifier son œuvre photographique ? Y a-t-il des inspirations ou des maîtres dans lequel il pose sa propre empreinte? 
C'est vrai qu'avec Michel Audebert on pourrait trouver quelques traces identitaires, ici ou là de Lucien Clergue, de David Hamilton pour ne citer que ces deux grandes figures de la photographie. Son art photographique est plus complexe qu'une simple correspondance, les parallèles s'arrêtent donc là.
Nous ne sommes pas dans de la photographie de nu, de nature ou environnemental. Son travail provoque un sentiment, une sensation voir une réflexion ; la célébration graphique d'une forme, d'une courbe, d'un détail, d'une matière, aura d'ailleurs pour certain un effet contemplatif et fait appel au fond de nous à des codes existentiels bien ancrés. Le plus étonnant dans son travail, c'est que l'on ne peut dissocier l'envie du photographe de magnifier son modèle qu'il soit humain ou issu de la nature et de lui donner une capacité à s'exprimer dans une harmonie paisible comme pour nous solliciter à une forme de préservation, de respect.

Pour le galeriste J. Debaigts « ... En réalité, bien qu'il nous propose des images, il nous transmet aussi des messages, ceux de son imaginaire toujours en éveil. Cet homme-photographe est un alchimiste. Devant son objectif la nature se plie à ses pulsions esthétiques, plus qu'elle en impose elle-même.... »
Ne cherchez donc pas à le catégoriser dans un domaine ou un autre, observez ses créations comme des œuvres ou son imaginaire prend le pas sur le réel. En mouvement ou statique, sa photographie est un art à la fois facile d'accès et complexe à décoder, rien n'est gratuit et tout est réfléchi et c'est aussi ce qui fait une œuvre d'art, sa capacité à se révéler spontanément et selon ces propres codes.
 Michel Audebert est, un architecte, un compositeur de la beauté qui nous entoure, elle prend forme dans une femme, un arbre, un ciel ou une vague et finalement il ressort un sentiment d'un tout, unique. Avec lui, la réalité est abstraite; enfin de compte c'est une autre dimension qu'il nous propose.
En 1975, le photographe était né.
 Il s'est progressivement mué en plasticien, mutation qui n'avait d'ailleurs pas échappée à Christian Langlois, membre de l'Académie des Beaux-Arts qui en 1997 suscita l'idée à l'artiste de faire le concours d'entrée à la CASA VELASQUEZ en Espagne, établissement international de création artistique et scientifique.


------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : AUDEBERT07
1 000
4
Les pertes de l'Ain - Photographie de Michel AUDEBERT
Photographie

Tirage photographique / Support aluminium
50 cm x 75 cm x 2 cm
Cadre : caisse américaine noire
Année 2011
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Michel AUDEBERT

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Michel AUDEBERT vit et travaille à Paris


C'est en 1975 que l'aventure d'artiste débute pour Michel Audebert. Photographe plasticien il nous emmène dans une quête vers la beauté ou le message est aussi fort que l'image.
« Encore plus qu'un travail sur la représentation, ma recherche est celle de l'expression de la sensation qui émane du sujet photographié... Dans mes suites d'images, la répétition du motif n'a pas de but "hypnotique"... La moindre variation sur le sujet doit en modifier notre perception... J'ai une haute idée de la Photographie en tant que mode d'expression. Par son rapport à la réalité et au temps qui passe, je considère celle-ci comme un art majeur... Elle peut créer l'illusion de la réalité comme l'impression du temps arrêté. Pour moi, la photographie est un formidable instrument de rêve et de nostalgie. »


Ici, en quelques lignes, Michel Audebert, photographe plasticien, définit et pose le décor de sa passion créative non pas comme un moyen de restituer une réalité mais bien plus pour exprimer voir transcender la beauté du monde qui l'entoure.
C'est en 1975 que son aventure d'artiste débute ; premiers pas dans l'une des villes berceaux de l'expression photographique française en participant aux réunions du fameux Photo-Club du Val de Bièvres non loin du reconnu Musée Français de la Photographie, puis étape après étape, sa carrière s'enrichit de rencontres, d'expositions collectives ou en solo.


Comment déterminer ou qualifier son œuvre photographique ? Y a-t-il des inspirations ou des maîtres dans lequel il pose sa propre empreinte? 
C'est vrai qu'avec Michel Audebert on pourrait trouver quelques traces identitaires, ici ou là de Lucien Clergue, de David Hamilton pour ne citer que ces deux grandes figures de la photographie. Son art photographique est plus complexe qu'une simple correspondance, les parallèles s'arrêtent donc là.
Nous ne sommes pas dans de la photographie de nu, de nature ou environnemental. Son travail provoque un sentiment, une sensation voir une réflexion ; la célébration graphique d'une forme, d'une courbe, d'un détail, d'une matière, aura d'ailleurs pour certain un effet contemplatif et fait appel au fond de nous à des codes existentiels bien ancrés. Le plus étonnant dans son travail, c'est que l'on ne peut dissocier l'envie du photographe de magnifier son modèle qu'il soit humain ou issu de la nature et de lui donner une capacité à s'exprimer dans une harmonie paisible comme pour nous solliciter à une forme de préservation, de respect.

Pour le galeriste J. Debaigts « ... En réalité, bien qu'il nous propose des images, il nous transmet aussi des messages, ceux de son imaginaire toujours en éveil. Cet homme-photographe est un alchimiste. Devant son objectif la nature se plie à ses pulsions esthétiques, plus qu'elle en impose elle-même.... »
Ne cherchez donc pas à le catégoriser dans un domaine ou un autre, observez ses créations comme des œuvres ou son imaginaire prend le pas sur le réel. En mouvement ou statique, sa photographie est un art à la fois facile d'accès et complexe à décoder, rien n'est gratuit et tout est réfléchi et c'est aussi ce qui fait une œuvre d'art, sa capacité à se révéler spontanément et selon ces propres codes.
 Michel Audebert est, un architecte, un compositeur de la beauté qui nous entoure, elle prend forme dans une femme, un arbre, un ciel ou une vague et finalement il ressort un sentiment d'un tout, unique. Avec lui, la réalité est abstraite; enfin de compte c'est une autre dimension qu'il nous propose.
En 1975, le photographe était né.
 Il s'est progressivement mué en plasticien, mutation qui n'avait d'ailleurs pas échappée à Christian Langlois, membre de l'Académie des Beaux-Arts qui en 1997 suscita l'idée à l'artiste de faire le concours d'entrée à la CASA VELASQUEZ en Espagne, établissement international de création artistique et scientifique.


------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : AUDEBERT06
1 000
3
Le grand Crohot - Photographie de Michel AUDEBERT
Photographie

Tirage photographique / Support aluminium
50 cm x 75 cm x 2 cm
Cadre : caisse américaine noire
Année 2012
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Michel AUDEBERT

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Michel AUDEBERT vit et travaille à Paris


C'est en 1975 que l'aventure d'artiste débute pour Michel Audebert. Photographe plasticien il nous emmène dans une quête vers la beauté ou le message est aussi fort que l'image.
« Encore plus qu'un travail sur la représentation, ma recherche est celle de l'expression de la sensation qui émane du sujet photographié... Dans mes suites d'images, la répétition du motif n'a pas de but "hypnotique"... La moindre variation sur le sujet doit en modifier notre perception... J'ai une haute idée de la Photographie en tant que mode d'expression. Par son rapport à la réalité et au temps qui passe, je considère celle-ci comme un art majeur... Elle peut créer l'illusion de la réalité comme l'impression du temps arrêté. Pour moi, la photographie est un formidable instrument de rêve et de nostalgie. »


Ici, en quelques lignes, Michel Audebert, photographe plasticien, définit et pose le décor de sa passion créative non pas comme un moyen de restituer une réalité mais bien plus pour exprimer voir transcender la beauté du monde qui l'entoure.
C'est en 1975 que son aventure d'artiste débute ; premiers pas dans l'une des villes berceaux de l'expression photographique française en participant aux réunions du fameux Photo-Club du Val de Bièvres non loin du reconnu Musée Français de la Photographie, puis étape après étape, sa carrière s'enrichit de rencontres, d'expositions collectives ou en solo.


Comment déterminer ou qualifier son œuvre photographique ? Y a-t-il des inspirations ou des maîtres dans lequel il pose sa propre empreinte? 
C'est vrai qu'avec Michel Audebert on pourrait trouver quelques traces identitaires, ici ou là de Lucien Clergue, de David Hamilton pour ne citer que ces deux grandes figures de la photographie. Son art photographique est plus complexe qu'une simple correspondance, les parallèles s'arrêtent donc là.
Nous ne sommes pas dans de la photographie de nu, de nature ou environnemental. Son travail provoque un sentiment, une sensation voir une réflexion ; la célébration graphique d'une forme, d'une courbe, d'un détail, d'une matière, aura d'ailleurs pour certain un effet contemplatif et fait appel au fond de nous à des codes existentiels bien ancrés. Le plus étonnant dans son travail, c'est que l'on ne peut dissocier l'envie du photographe de magnifier son modèle qu'il soit humain ou issu de la nature et de lui donner une capacité à s'exprimer dans une harmonie paisible comme pour nous solliciter à une forme de préservation, de respect.

Pour le galeriste J. Debaigts « ... En réalité, bien qu'il nous propose des images, il nous transmet aussi des messages, ceux de son imaginaire toujours en éveil. Cet homme-photographe est un alchimiste. Devant son objectif la nature se plie à ses pulsions esthétiques, plus qu'elle en impose elle-même.... »
Ne cherchez donc pas à le catégoriser dans un domaine ou un autre, observez ses créations comme des œuvres ou son imaginaire prend le pas sur le réel. En mouvement ou statique, sa photographie est un art à la fois facile d'accès et complexe à décoder, rien n'est gratuit et tout est réfléchi et c'est aussi ce qui fait une œuvre d'art, sa capacité à se révéler spontanément et selon ces propres codes.
 Michel Audebert est, un architecte, un compositeur de la beauté qui nous entoure, elle prend forme dans une femme, un arbre, un ciel ou une vague et finalement il ressort un sentiment d'un tout, unique. Avec lui, la réalité est abstraite; enfin de compte c'est une autre dimension qu'il nous propose.
En 1975, le photographe était né.
 Il s'est progressivement mué en plasticien, mutation qui n'avait d'ailleurs pas échappée à Christian Langlois, membre de l'Académie des Beaux-Arts qui en 1997 suscita l'idée à l'artiste de faire le concours d'entrée à la CASA VELASQUEZ en Espagne, établissement international de création artistique et scientifique.


------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : AUDEBERT05
1 000
3
Gaïa en forêt de Nemours - Photographie de Michel AUDEBERT
Photographie

Tirage photographique / Support aluminium
50 cm x 75 cm x 2 cm
Cadre : caisse américaine noire
Année 2008
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Michel AUDEBERT

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Michel AUDEBERT vit et travaille à Paris


C'est en 1975 que l'aventure d'artiste débute pour Michel Audebert. Photographe plasticien il nous emmène dans une quête vers la beauté ou le message est aussi fort que l'image.
« Encore plus qu'un travail sur la représentation, ma recherche est celle de l'expression de la sensation qui émane du sujet photographié... Dans mes suites d'images, la répétition du motif n'a pas de but "hypnotique"... La moindre variation sur le sujet doit en modifier notre perception... J'ai une haute idée de la Photographie en tant que mode d'expression. Par son rapport à la réalité et au temps qui passe, je considère celle-ci comme un art majeur... Elle peut créer l'illusion de la réalité comme l'impression du temps arrêté. Pour moi, la photographie est un formidable instrument de rêve et de nostalgie. »


Ici, en quelques lignes, Michel Audebert, photographe plasticien, définit et pose le décor de sa passion créative non pas comme un moyen de restituer une réalité mais bien plus pour exprimer voir transcender la beauté du monde qui l'entoure.
C'est en 1975 que son aventure d'artiste débute ; premiers pas dans l'une des villes berceaux de l'expression photographique française en participant aux réunions du fameux Photo-Club du Val de Bièvres non loin du reconnu Musée Français de la Photographie, puis étape après étape, sa carrière s'enrichit de rencontres, d'expositions collectives ou en solo.


Comment déterminer ou qualifier son œuvre photographique ? Y a-t-il des inspirations ou des maîtres dans lequel il pose sa propre empreinte? 
C'est vrai qu'avec Michel Audebert on pourrait trouver quelques traces identitaires, ici ou là de Lucien Clergue, de David Hamilton pour ne citer que ces deux grandes figures de la photographie. Son art photographique est plus complexe qu'une simple correspondance, les parallèles s'arrêtent donc là.
Nous ne sommes pas dans de la photographie de nu, de nature ou environnemental. Son travail provoque un sentiment, une sensation voir une réflexion ; la célébration graphique d'une forme, d'une courbe, d'un détail, d'une matière, aura d'ailleurs pour certain un effet contemplatif et fait appel au fond de nous à des codes existentiels bien ancrés. Le plus étonnant dans son travail, c'est que l'on ne peut dissocier l'envie du photographe de magnifier son modèle qu'il soit humain ou issu de la nature et de lui donner une capacité à s'exprimer dans une harmonie paisible comme pour nous solliciter à une forme de préservation, de respect.

Pour le galeriste J. Debaigts « ... En réalité, bien qu'il nous propose des images, il nous transmet aussi des messages, ceux de son imaginaire toujours en éveil. Cet homme-photographe est un alchimiste. Devant son objectif la nature se plie à ses pulsions esthétiques, plus qu'elle en impose elle-même.... »
Ne cherchez donc pas à le catégoriser dans un domaine ou un autre, observez ses créations comme des œuvres ou son imaginaire prend le pas sur le réel. En mouvement ou statique, sa photographie est un art à la fois facile d'accès et complexe à décoder, rien n'est gratuit et tout est réfléchi et c'est aussi ce qui fait une œuvre d'art, sa capacité à se révéler spontanément et selon ces propres codes.
 Michel Audebert est, un architecte, un compositeur de la beauté qui nous entoure, elle prend forme dans une femme, un arbre, un ciel ou une vague et finalement il ressort un sentiment d'un tout, unique. Avec lui, la réalité est abstraite; enfin de compte c'est une autre dimension qu'il nous propose.
En 1975, le photographe était né.
 Il s'est progressivement mué en plasticien, mutation qui n'avait d'ailleurs pas échappée à Christian Langlois, membre de l'Académie des Beaux-Arts qui en 1997 suscita l'idée à l'artiste de faire le concours d'entrée à la CASA VELASQUEZ en Espagne, établissement international de création artistique et scientifique.


------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : AUDEBERT04
1 000
3
Sabrina au Porge - Photographie de Michel AUDEBERT
Photographie

Tirage photographique / Support aluminium
50 cm x 75 cm x 2 cm
Cadre : caisse américaine noire
Année 2009
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Michel AUDEBERT

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Michel AUDEBERT vit et travaille à Paris


C'est en 1975 que l'aventure d'artiste débute pour Michel Audebert. Photographe plasticien il nous emmène dans une quête vers la beauté ou le message est aussi fort que l'image.
« Encore plus qu'un travail sur la représentation, ma recherche est celle de l'expression de la sensation qui émane du sujet photographié... Dans mes suites d'images, la répétition du motif n'a pas de but "hypnotique"... La moindre variation sur le sujet doit en modifier notre perception... J'ai une haute idée de la Photographie en tant que mode d'expression. Par son rapport à la réalité et au temps qui passe, je considère celle-ci comme un art majeur... Elle peut créer l'illusion de la réalité comme l'impression du temps arrêté. Pour moi, la photographie est un formidable instrument de rêve et de nostalgie. »


Ici, en quelques lignes, Michel Audebert, photographe plasticien, définit et pose le décor de sa passion créative non pas comme un moyen de restituer une réalité mais bien plus pour exprimer voir transcender la beauté du monde qui l'entoure.
C'est en 1975 que son aventure d'artiste débute ; premiers pas dans l'une des villes berceaux de l'expression photographique française en participant aux réunions du fameux Photo-Club du Val de Bièvres non loin du reconnu Musée Français de la Photographie, puis étape après étape, sa carrière s'enrichit de rencontres, d'expositions collectives ou en solo.


Comment déterminer ou qualifier son œuvre photographique ? Y a-t-il des inspirations ou des maîtres dans lequel il pose sa propre empreinte? 
C'est vrai qu'avec Michel Audebert on pourrait trouver quelques traces identitaires, ici ou là de Lucien Clergue, de David Hamilton pour ne citer que ces deux grandes figures de la photographie. Son art photographique est plus complexe qu'une simple correspondance, les parallèles s'arrêtent donc là.
Nous ne sommes pas dans de la photographie de nu, de nature ou environnemental. Son travail provoque un sentiment, une sensation voir une réflexion ; la célébration graphique d'une forme, d'une courbe, d'un détail, d'une matière, aura d'ailleurs pour certain un effet contemplatif et fait appel au fond de nous à des codes existentiels bien ancrés. Le plus étonnant dans son travail, c'est que l'on ne peut dissocier l'envie du photographe de magnifier son modèle qu'il soit humain ou issu de la nature et de lui donner une capacité à s'exprimer dans une harmonie paisible comme pour nous solliciter à une forme de préservation, de respect.

Pour le galeriste J. Debaigts « ... En réalité, bien qu'il nous propose des images, il nous transmet aussi des messages, ceux de son imaginaire toujours en éveil. Cet homme-photographe est un alchimiste. Devant son objectif la nature se plie à ses pulsions esthétiques, plus qu'elle en impose elle-même.... »
Ne cherchez donc pas à le catégoriser dans un domaine ou un autre, observez ses créations comme des œuvres ou son imaginaire prend le pas sur le réel. En mouvement ou statique, sa photographie est un art à la fois facile d'accès et complexe à décoder, rien n'est gratuit et tout est réfléchi et c'est aussi ce qui fait une œuvre d'art, sa capacité à se révéler spontanément et selon ces propres codes.
 Michel Audebert est, un architecte, un compositeur de la beauté qui nous entoure, elle prend forme dans une femme, un arbre, un ciel ou une vague et finalement il ressort un sentiment d'un tout, unique. Avec lui, la réalité est abstraite; enfin de compte c'est une autre dimension qu'il nous propose.
En 1975, le photographe était né.
 Il s'est progressivement mué en plasticien, mutation qui n'avait d'ailleurs pas échappée à Christian Langlois, membre de l'Académie des Beaux-Arts qui en 1997 suscita l'idée à l'artiste de faire le concours d'entrée à la CASA VELASQUEZ en Espagne, établissement international de création artistique et scientifique.


------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : AUDEBERT03
1 000
3
La forêt du Porge 1 - Photographie de Michel AUDEBERT
Photographie

Tirage photographique / Support aluminium
50 cm x 75 cm x 2 cm
Cadre : caisse américaine noire
Année 2012
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Michel AUDEBERT

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Michel AUDEBERT vit et travaille à Paris


C'est en 1975 que l'aventure d'artiste débute pour Michel Audebert. Photographe plasticien il nous emmène dans une quête vers la beauté ou le message est aussi fort que l'image.
« Encore plus qu'un travail sur la représentation, ma recherche est celle de l'expression de la sensation qui émane du sujet photographié... Dans mes suites d'images, la répétition du motif n'a pas de but "hypnotique"... La moindre variation sur le sujet doit en modifier notre perception... J'ai une haute idée de la Photographie en tant que mode d'expression. Par son rapport à la réalité et au temps qui passe, je considère celle-ci comme un art majeur... Elle peut créer l'illusion de la réalité comme l'impression du temps arrêté. Pour moi, la photographie est un formidable instrument de rêve et de nostalgie. »


Ici, en quelques lignes, Michel Audebert, photographe plasticien, définit et pose le décor de sa passion créative non pas comme un moyen de restituer une réalité mais bien plus pour exprimer voir transcender la beauté du monde qui l'entoure.
C'est en 1975 que son aventure d'artiste débute ; premiers pas dans l'une des villes berceaux de l'expression photographique française en participant aux réunions du fameux Photo-Club du Val de Bièvres non loin du reconnu Musée Français de la Photographie, puis étape après étape, sa carrière s'enrichit de rencontres, d'expositions collectives ou en solo.


Comment déterminer ou qualifier son œuvre photographique ? Y a-t-il des inspirations ou des maîtres dans lequel il pose sa propre empreinte? 
C'est vrai qu'avec Michel Audebert on pourrait trouver quelques traces identitaires, ici ou là de Lucien Clergue, de David Hamilton pour ne citer que ces deux grandes figures de la photographie. Son art photographique est plus complexe qu'une simple correspondance, les parallèles s'arrêtent donc là.
Nous ne sommes pas dans de la photographie de nu, de nature ou environnemental. Son travail provoque un sentiment, une sensation voir une réflexion ; la célébration graphique d'une forme, d'une courbe, d'un détail, d'une matière, aura d'ailleurs pour certain un effet contemplatif et fait appel au fond de nous à des codes existentiels bien ancrés. Le plus étonnant dans son travail, c'est que l'on ne peut dissocier l'envie du photographe de magnifier son modèle qu'il soit humain ou issu de la nature et de lui donner une capacité à s'exprimer dans une harmonie paisible comme pour nous solliciter à une forme de préservation, de respect.

Pour le galeriste J. Debaigts « ... En réalité, bien qu'il nous propose des images, il nous transmet aussi des messages, ceux de son imaginaire toujours en éveil. Cet homme-photographe est un alchimiste. Devant son objectif la nature se plie à ses pulsions esthétiques, plus qu'elle en impose elle-même.... »
Ne cherchez donc pas à le catégoriser dans un domaine ou un autre, observez ses créations comme des œuvres ou son imaginaire prend le pas sur le réel. En mouvement ou statique, sa photographie est un art à la fois facile d'accès et complexe à décoder, rien n'est gratuit et tout est réfléchi et c'est aussi ce qui fait une œuvre d'art, sa capacité à se révéler spontanément et selon ces propres codes.
 Michel Audebert est, un architecte, un compositeur de la beauté qui nous entoure, elle prend forme dans une femme, un arbre, un ciel ou une vague et finalement il ressort un sentiment d'un tout, unique. Avec lui, la réalité est abstraite; enfin de compte c'est une autre dimension qu'il nous propose.
En 1975, le photographe était né.
 Il s'est progressivement mué en plasticien, mutation qui n'avait d'ailleurs pas échappée à Christian Langlois, membre de l'Académie des Beaux-Arts qui en 1997 suscita l'idée à l'artiste de faire le concours d'entrée à la CASA VELASQUEZ en Espagne, établissement international de création artistique et scientifique.


------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : AUDEBERT02
1 000
2
Photographie sur dibond de Clara CENA : l'absence 2
Photographie
Technique : Photographie Support : Dibond Cadre : sans Quantité : 5 Dimensions  : 60 cm x 60 cm Année : 2018 Auteur : Clara CENA

Livraison colissimo gratuite

Facilités de paiement ou  règlement  en BITCOINS   contactez nous.

En savoir plus sur l'artiste Clara CENA

Ma démarche.

La peinture a une influence majeure sur mon travail photographique,notamment des peintres tels que Hopper , Peter Klasen, ou Dali m'ont amenée à une réflexion intellectuelle et plastique concernant l'évolution de mes photos. Les couleurs parfois saturées, les jeux de lumière, les contrastes,l'utilisation du noir et blanc, la mise en scène, suscitent une atmosphère onirique qui veut provoquer l'émotion, le trouble en interpellant le spectateur à s'interroger sur ses propres rêves,ses fantasmes, ses peurs,ou ses frustrations.C'est par la connaissance de soi,que l'Homme peut espérer accéder à sa vérité .

La question essentielle qui se pose, est la remise en cause de l'objectivité. Pour résumer, je dirai que seul notre esprit se construit sa propre vérité.

Chaque photographie ne se résume plus à une simple prise de vue, elle est une histoire symbolique, conçue et réfléchie.

Les deux thèmes récurrents dans la thématique de mon travail, sont la solitude existentielle de l'Homme,mais aussi sa quête qui pourrait donner un sens à la vie.

Biographie

Très jeune, je pratique la peinture, les couleurs me fascinent, j'utilise la gouache, l'aquarelle, l'acrylique...

Je m'inscris à deux écoles d'arts plastiques différentes. J'ai travaillé sur des supports divers.

C'est en découvrant le photographe Man Ray,que je décide d'aborder la photographie,captivée par le travail de ce grand artiste.

En ce qui concerne ma formation,c' est un photographe professionnel qui m'a appris l'essentiel.

J'ai débuté par l'argentique que j'ai utilisé pendant plusieurs années,cela me paraissait incontournable pour comprendre cette discipline, avant de passer au numérique.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage privé,  public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

Référence : CENA06
500
2
Photographie sur dibond de Clara CENA : l'absence 1
Photographie
Technique : Photographie Support : Dibond Cadre : sans Quantité : 5 Dimensions  : 60 cm x 60 cm Année : 2018 Auteur : Clara CENA

Livraison colissimo gratuite

Facilités de paiement ou  règlement  en BITCOINS   contactez nous.

En savoir plus sur l'artiste Clara CENA

Ma démarche.

La peinture a une influence majeure sur mon travail photographique,notamment des peintres tels que Hopper , Peter Klasen, ou Dali m'ont amenée à une réflexion intellectuelle et plastique concernant l'évolution de mes photos. Les couleurs parfois saturées, les jeux de lumière, les contrastes,l'utilisation du noir et blanc, la mise en scène, suscitent une atmosphère onirique qui veut provoquer l'émotion, le trouble en interpellant le spectateur à s'interroger sur ses propres rêves,ses fantasmes, ses peurs,ou ses frustrations.C'est par la connaissance de soi,que l'Homme peut espérer accéder à sa vérité .

La question essentielle qui se pose, est la remise en cause de l'objectivité. Pour résumer, je dirai que seul notre esprit se construit sa propre vérité.

Chaque photographie ne se résume plus à une simple prise de vue, elle est une histoire symbolique, conçue et réfléchie.

Les deux thèmes récurrents dans la thématique de mon travail, sont la solitude existentielle de l'Homme,mais aussi sa quête qui pourrait donner un sens à la vie.

Biographie

Très jeune, je pratique la peinture, les couleurs me fascinent, j'utilise la gouache, l'aquarelle, l'acrylique...

Je m'inscris à deux écoles d'arts plastiques différentes. J'ai travaillé sur des supports divers.

C'est en découvrant le photographe Man Ray,que je décide d'aborder la photographie,captivée par le travail de ce grand artiste.

En ce qui concerne ma formation,c' est un photographe professionnel qui m'a appris l'essentiel.

J'ai débuté par l'argentique que j'ai utilisé pendant plusieurs années,cela me paraissait incontournable pour comprendre cette discipline, avant de passer au numérique.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage privé,  public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

Référence : CENA05
500
2
Photographie sur dibond de Clara CENA : l'absence 12
Photographie
Technique : Photographie Support : Dibond Cadre : sans Quantité : 5 Dimensions  : 60 cm x 60 cm Année : 2018 Auteur : Clara CENA

Livraison colissimo gratuite

Facilités de paiement ou  règlement  en BITCOINS   contactez nous.

En savoir plus sur l'artiste Clara CENA

Ma démarche.

La peinture a une influence majeure sur mon travail photographique,notamment des peintres tels que Hopper , Peter Klasen, ou Dali m'ont amenée à une réflexion intellectuelle et plastique concernant l'évolution de mes photos. Les couleurs parfois saturées, les jeux de lumière, les contrastes,l'utilisation du noir et blanc, la mise en scène, suscitent une atmosphère onirique qui veut provoquer l'émotion, le trouble en interpellant le spectateur à s'interroger sur ses propres rêves,ses fantasmes, ses peurs,ou ses frustrations.C'est par la connaissance de soi,que l'Homme peut espérer accéder à sa vérité .

La question essentielle qui se pose, est la remise en cause de l'objectivité. Pour résumer, je dirai que seul notre esprit se construit sa propre vérité.

Chaque photographie ne se résume plus à une simple prise de vue, elle est une histoire symbolique, conçue et réfléchie.

Les deux thèmes récurrents dans la thématique de mon travail, sont la solitude existentielle de l'Homme,mais aussi sa quête qui pourrait donner un sens à la vie.

Biographie

Très jeune, je pratique la peinture, les couleurs me fascinent, j'utilise la gouache, l'aquarelle, l'acrylique...

Je m'inscris à deux écoles d'arts plastiques différentes. J'ai travaillé sur des supports divers.

C'est en découvrant le photographe Man Ray,que je décide d'aborder la photographie,captivée par le travail de ce grand artiste.

En ce qui concerne ma formation,c' est un photographe professionnel qui m'a appris l'essentiel.

J'ai débuté par l'argentique que j'ai utilisé pendant plusieurs années,cela me paraissait incontournable pour comprendre cette discipline, avant de passer au numérique.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage privé,  public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

Référence : CENA04
500
2
Photographie sur dibond de Clara CENA : S'enfuir
Photographie
Technique : Photographie Support : Dibond Cadre : sans Quantité : 5 Dimensions  : 80 cm x 80 cm Année : 2018 Auteur : Clara CENA

Livraison colissimo gratuite

Facilités de paiement ou  règlement  en BITCOINS   contactez nous.

En savoir plus sur l'artiste Clara CENA

Ma démarche.

La peinture a une influence majeure sur mon travail photographique,notamment des peintres tels que Hopper , Peter Klasen, ou Dali m'ont amenée à une réflexion intellectuelle et plastique concernant l'évolution de mes photos. Les couleurs parfois saturées, les jeux de lumière, les contrastes,l'utilisation du noir et blanc, la mise en scène, suscitent une atmosphère onirique qui veut provoquer l'émotion, le trouble en interpellant le spectateur à s'interroger sur ses propres rêves,ses fantasmes, ses peurs,ou ses frustrations.C'est par la connaissance de soi,que l'Homme peut espérer accéder à sa vérité .

La question essentielle qui se pose, est la remise en cause de l'objectivité. Pour résumer, je dirai que seul notre esprit se construit sa propre vérité.

Chaque photographie ne se résume plus à une simple prise de vue, elle est une histoire symbolique, conçue et réfléchie.

Les deux thèmes récurrents dans la thématique de mon travail, sont la solitude existentielle de l'Homme,mais aussi sa quête qui pourrait donner un sens à la vie.

Biographie

Très jeune, je pratique la peinture, les couleurs me fascinent, j'utilise la gouache, l'aquarelle, l'acrylique...

Je m'inscris à deux écoles d'arts plastiques différentes. J'ai travaillé sur des supports divers.

C'est en découvrant le photographe Man Ray,que je décide d'aborder la photographie,captivée par le travail de ce grand artiste.

En ce qui concerne ma formation,c' est un photographe professionnel qui m'a appris l'essentiel.

J'ai débuté par l'argentique que j'ai utilisé pendant plusieurs années,cela me paraissait incontournable pour comprendre cette discipline, avant de passer au numérique.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage privé,  public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

Référence : CENA07
870
3
Le cap Leucate - Photographie de Michel AUDEBERT
Photographie

Tirage photographique / Support aluminium
50 cm x 75 cm x 2 cm
Cadre : caisse américaine noire
Année 2013
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Michel AUDEBERT

Livraison colissimo gratuite


En savoir plus sur l'artiste Michel AUDEBERT vit et travaille à Paris


C'est en 1975 que l'aventure d'artiste débute pour Michel Audebert. Photographe plasticien il nous emmène dans une quête vers la beauté ou le message est aussi fort que l'image.
« Encore plus qu'un travail sur la représentation, ma recherche est celle de l'expression de la sensation qui émane du sujet photographié... Dans mes suites d'images, la répétition du motif n'a pas de but "hypnotique"... La moindre variation sur le sujet doit en modifier notre perception... J'ai une haute idée de la Photographie en tant que mode d'expression. Par son rapport à la réalité et au temps qui passe, je considère celle-ci comme un art majeur... Elle peut créer l'illusion de la réalité comme l'impression du temps arrêté. Pour moi, la photographie est un formidable instrument de rêve et de nostalgie. »


Ici, en quelques lignes, Michel Audebert, photographe plasticien, définit et pose le décor de sa passion créative non pas comme un moyen de restituer une réalité mais bien plus pour exprimer voir transcender la beauté du monde qui l'entoure.
C'est en 1975 que son aventure d'artiste débute ; premiers pas dans l'une des villes berceaux de l'expression photographique française en participant aux réunions du fameux Photo-Club du Val de Bièvres non loin du reconnu Musée Français de la Photographie, puis étape après étape, sa carrière s'enrichit de rencontres, d'expositions collectives ou en solo.


Comment déterminer ou qualifier son œuvre photographique ? Y a-t-il des inspirations ou des maîtres dans lequel il pose sa propre empreinte? 
C'est vrai qu'avec Michel Audebert on pourrait trouver quelques traces identitaires, ici ou là de Lucien Clergue, de David Hamilton pour ne citer que ces deux grandes figures de la photographie. Son art photographique est plus complexe qu'une simple correspondance, les parallèles s'arrêtent donc là.
Nous ne sommes pas dans de la photographie de nu, de nature ou environnemental. Son travail provoque un sentiment, une sensation voir une réflexion ; la célébration graphique d'une forme, d'une courbe, d'un détail, d'une matière, aura d'ailleurs pour certain un effet contemplatif et fait appel au fond de nous à des codes existentiels bien ancrés. Le plus étonnant dans son travail, c'est que l'on ne peut dissocier l'envie du photographe de magnifier son modèle qu'il soit humain ou issu de la nature et de lui donner une capacité à s'exprimer dans une harmonie paisible comme pour nous solliciter à une forme de préservation, de respect.

Pour le galeriste J. Debaigts « ... En réalité, bien qu'il nous propose des images, il nous transmet aussi des messages, ceux de son imaginaire toujours en éveil. Cet homme-photographe est un alchimiste. Devant son objectif la nature se plie à ses pulsions esthétiques, plus qu'elle en impose elle-même.... »
Ne cherchez donc pas à le catégoriser dans un domaine ou un autre, observez ses créations comme des œuvres ou son imaginaire prend le pas sur le réel. En mouvement ou statique, sa photographie est un art à la fois facile d'accès et complexe à décoder, rien n'est gratuit et tout est réfléchi et c'est aussi ce qui fait une œuvre d'art, sa capacité à se révéler spontanément et selon ces propres codes.
 Michel Audebert est, un architecte, un compositeur de la beauté qui nous entoure, elle prend forme dans une femme, un arbre, un ciel ou une vague et finalement il ressort un sentiment d'un tout, unique. Avec lui, la réalité est abstraite; enfin de compte c'est une autre dimension qu'il nous propose.
En 1975, le photographe était né.
 Il s'est progressivement mué en plasticien, mutation qui n'avait d'ailleurs pas échappée à Christian Langlois, membre de l'Académie des Beaux-Arts qui en 1997 suscita l'idée à l'artiste de faire le concours d'entrée à la CASA VELASQUEZ en Espagne, établissement international de création artistique et scientifique.


------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : AUDEBERT01
1 000
2
Photographie de Gianni COLANGELO : Going to nowhere 35
Photographie

Tirage photographique / Support dibond
100 cm x 150 cm x 2 cm
Sans cadre
Année 2018
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Gianni COLANGELO

Livraison colissimo gratuite


En savoir plus sur l'artiste

Gianni COLANGELO

Gianni COLANGELO est né dans un petit village des Abruzzes où il a décidé de revenir vivre.

Il a beaucoup voyagé, il aime les livres ( en a même écrit quelques uns), il a toujours écouté avec intérêt les gens et s’est enrichi des différences.

Il a commencé à prendre des photos à l'âge de 7 ans.

Dans ses photos, il met ses pensées, ses peurs, ses livres, ses passions, la musique qu’il aime. Il espère que ceux qui observent ses griffonnages photographiques y percevront tout cela et que si leur esprit en est, par hasard, touche, cela représentera son succès.


Avec les fleurs et les feuilles je suis né comme un arbre


La brise s’est faite vent

Et le vent s’est fait givre


Avec les fleurs et les feuilles je suis né comme un arbre


Les jasmins a mes pieds

Les feuilles emportées par le vent

loin dans la vie


Il a commencé le temps


------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : COLANGELO16
2 800
2
Photographie de Gianni COLANGELO : Going to nowhere 29
Photographie

Tirage photographique / Support dibond
100 cm x 150 cm x 2 cm
Sans cadre
Année 2018
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Gianni COLANGELO

Livraison colissimo gratuite


En savoir plus sur l'artiste

Gianni COLANGELO

Gianni COLANGELO est né dans un petit village des Abruzzes où il a décidé de revenir vivre.

Il a beaucoup voyagé, il aime les livres ( en a même écrit quelques uns), il a toujours écouté avec intérêt les gens et s’est enrichi des différences.

Il a commencé à prendre des photos à l'âge de 7 ans.

Dans ses photos, il met ses pensées, ses peurs, ses livres, ses passions, la musique qu’il aime. Il espère que ceux qui observent ses griffonnages photographiques y percevront tout cela et que si leur esprit en est, par hasard, touche, cela représentera son succès.


Avec les fleurs et les feuilles je suis né comme un arbre


La brise s’est faite vent

Et le vent s’est fait givre


Avec les fleurs et les feuilles je suis né comme un arbre


Les jasmins a mes pieds

Les feuilles emportées par le vent

loin dans la vie


Il a commencé le temps


------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : COLANGELO15
2 800
2
Photographie de Gianni COLANGELO : Going to nowhere 36
Photographie

Tirage photographique / Support dibond
100 cm x 150 cm x 2 cm
Sans cadre
Année 2018
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Gianni COLANGELO

Livraison colissimo gratuite


En savoir plus sur l'artiste

Gianni COLANGELO

Gianni COLANGELO est né dans un petit village des Abruzzes où il a décidé de revenir vivre.

Il a beaucoup voyagé, il aime les livres ( en a même écrit quelques uns), il a toujours écouté avec intérêt les gens et s’est enrichi des différences.

Il a commencé à prendre des photos à l'âge de 7 ans.

Dans ses photos, il met ses pensées, ses peurs, ses livres, ses passions, la musique qu’il aime. Il espère que ceux qui observent ses griffonnages photographiques y percevront tout cela et que si leur esprit en est, par hasard, touche, cela représentera son succès.


Avec les fleurs et les feuilles je suis né comme un arbre


La brise s’est faite vent

Et le vent s’est fait givre


Avec les fleurs et les feuilles je suis né comme un arbre


Les jasmins a mes pieds

Les feuilles emportées par le vent

loin dans la vie


Il a commencé le temps


------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : COLANGELO14
2 800
2
Photographie de Gianni COLANGELO : Going to nowhere 9
Photographie

Tirage photographique / Support dibond
100 cm x 150 cm x 2 cm
Sans cadre
Année 2018
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Gianni COLANGELO

Livraison colissimo gratuite


En savoir plus sur l'artiste

Gianni COLANGELO

Gianni COLANGELO est né dans un petit village des Abruzzes où il a décidé de revenir vivre.

Il a beaucoup voyagé, il aime les livres ( en a même écrit quelques uns), il a toujours écouté avec intérêt les gens et s’est enrichi des différences.

Il a commencé à prendre des photos à l'âge de 7 ans.

Dans ses photos, il met ses pensées, ses peurs, ses livres, ses passions, la musique qu’il aime. Il espère que ceux qui observent ses griffonnages photographiques y percevront tout cela et que si leur esprit en est, par hasard, touche, cela représentera son succès.


Avec les fleurs et les feuilles je suis né comme un arbre


La brise s’est faite vent

Et le vent s’est fait givre


Avec les fleurs et les feuilles je suis né comme un arbre


Les jasmins a mes pieds

Les feuilles emportées par le vent

loin dans la vie


Il a commencé le temps


------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : COLANGELO13
2 800
2
Photographie de Gianni COLANGELO : Going to nowhere 21
Photographie

Tirage photographique / Support dibond
100 cm x 150 cm x 2 cm
Sans cadre
Année 2018
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteur : Gianni COLANGELO

Livraison colissimo gratuite


En savoir plus sur l'artiste

Gianni COLANGELO

Gianni COLANGELO est né dans un petit village des Abruzzes où il a décidé de revenir vivre.

Il a beaucoup voyagé, il aime les livres ( en a même écrit quelques uns), il a toujours écouté avec intérêt les gens et s’est enrichi des différences.

Il a commencé à prendre des photos à l'âge de 7 ans.

Dans ses photos, il met ses pensées, ses peurs, ses livres, ses passions, la musique qu’il aime. Il espère que ceux qui observent ses griffonnages photographiques y percevront tout cela et que si leur esprit en est, par hasard, touche, cela représentera son succès.


Avec les fleurs et les feuilles je suis né comme un arbre


La brise s’est faite vent

Et le vent s’est fait givre


Avec les fleurs et les feuilles je suis né comme un arbre


Les jasmins a mes pieds

Les feuilles emportées par le vent

loin dans la vie


Il a commencé le temps


------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage  privé, public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : COLANGELO12
2 800
2
Photographie sur dibond de Clara CENA : Tunnel
Photographie
Technique : Photographie Support : Dibond Cadre : sans Quantité : 5 Dimensions  : 80 cm x 80 cm Année : 2018 Auteur : Clara CENA

Livraison colissimo gratuite

Facilités de paiement ou  règlement  en BITCOINS   contactez nous.

En savoir plus sur l'artiste Clara CENA

Ma démarche.

La peinture a une influence majeure sur mon travail photographique,notamment des peintres tels que Hopper , Peter Klasen, ou Dali m'ont amenée à une réflexion intellectuelle et plastique concernant l'évolution de mes photos. Les couleurs parfois saturées, les jeux de lumière, les contrastes,l'utilisation du noir et blanc, la mise en scène, suscitent une atmosphère onirique qui veut provoquer l'émotion, le trouble en interpellant le spectateur à s'interroger sur ses propres rêves,ses fantasmes, ses peurs,ou ses frustrations.C'est par la connaissance de soi,que l'Homme peut espérer accéder à sa vérité .

La question essentielle qui se pose, est la remise en cause de l'objectivité. Pour résumer, je dirai que seul notre esprit se construit sa propre vérité.

Chaque photographie ne se résume plus à une simple prise de vue, elle est une histoire symbolique, conçue et réfléchie.

Les deux thèmes récurrents dans la thématique de mon travail, sont la solitude existentielle de l'Homme,mais aussi sa quête qui pourrait donner un sens à la vie.

Biographie

Très jeune, je pratique la peinture, les couleurs me fascinent, j'utilise la gouache, l'aquarelle, l'acrylique...

Je m'inscris à deux écoles d'arts plastiques différentes. J'ai travaillé sur des supports divers.

C'est en découvrant le photographe Man Ray,que je décide d'aborder la photographie,captivée par le travail de ce grand artiste.

En ce qui concerne ma formation,c' est un photographe professionnel qui m'a appris l'essentiel.

J'ai débuté par l'argentique que j'ai utilisé pendant plusieurs années,cela me paraissait incontournable pour comprendre cette discipline, avant de passer au numérique.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage privé,  public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

Référence : CENA08
870
2
Photographie sur dibond de Clara CENA : Les égarés
Photographie
Technique : Photographie Support : Dibond Cadre : sans Quantité : 5 Dimensions  : 80 cm x 80 cm Année : 2018 Auteur : Clara CENA

Livraison colissimo gratuite

Facilités de paiement ou  règlement  en BITCOINS   contactez nous.

En savoir plus sur l'artiste Clara CENA

Ma démarche.

La peinture a une influence majeure sur mon travail photographique,notamment des peintres tels que Hopper , Peter Klasen, ou Dali m'ont amenée à une réflexion intellectuelle et plastique concernant l'évolution de mes photos. Les couleurs parfois saturées, les jeux de lumière, les contrastes,l'utilisation du noir et blanc, la mise en scène, suscitent une atmosphère onirique qui veut provoquer l'émotion, le trouble en interpellant le spectateur à s'interroger sur ses propres rêves,ses fantasmes, ses peurs,ou ses frustrations.C'est par la connaissance de soi,que l'Homme peut espérer accéder à sa vérité .

La question essentielle qui se pose, est la remise en cause de l'objectivité. Pour résumer, je dirai que seul notre esprit se construit sa propre vérité.

Chaque photographie ne se résume plus à une simple prise de vue, elle est une histoire symbolique, conçue et réfléchie.

Les deux thèmes récurrents dans la thématique de mon travail, sont la solitude existentielle de l'Homme,mais aussi sa quête qui pourrait donner un sens à la vie.

Biographie

Très jeune, je pratique la peinture, les couleurs me fascinent, j'utilise la gouache, l'aquarelle, l'acrylique...

Je m'inscris à deux écoles d'arts plastiques différentes. J'ai travaillé sur des supports divers.

C'est en découvrant le photographe Man Ray,que je décide d'aborder la photographie,captivée par le travail de ce grand artiste.

En ce qui concerne ma formation,c' est un photographe professionnel qui m'a appris l'essentiel.

J'ai débuté par l'argentique que j'ai utilisé pendant plusieurs années,cela me paraissait incontournable pour comprendre cette discipline, avant de passer au numérique.

------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage privé,  public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

Référence : CENA03
870
2
Photographie sur dibond de Clara CENA : La fuite du temps 4
Photographie
Technique : Photographie Support : Dibond Cadre : sans Quantité : 5 Dimensions  : 80 cm x 80 cm Année : 2018 Auteur : Clara CENA

Livraison colissimo gratuite

Facilités de paiement ou  règlement  en BITCOINS   contactez nous.

En savoir plus sur l'artiste Clara CENA

Ma démarche.

La peinture a une influence majeure sur mon travail photographique,notamment des peintres tels que Hopper , Peter Klasen, ou Dali m'ont amenée à une réflexion intellectuelle et plastique concernant l'évolution de mes photos. Les couleurs parfois saturées, les jeux de lumière, les contrastes,l'utilisation du noir et blanc, la mise en scène, suscitent une atmosphère onirique qui veut provoquer l'émotion, le trouble en interpellant le spectateur à s'interroger sur ses propres rêves,ses fantasmes, ses peurs,ou ses frustrations.C'est par la connaissance de soi,que l'Homme peut espérer accéder à sa vérité .

La question essentielle qui se pose, est la remise en cause de l'objectivité. Pour résumer, je dirai que seul notre esprit se construit sa propre vérité.

Chaque photographie ne se résume plus à une simple prise de vue, elle est une histoire symbolique, conçue et réfléchie.

Les deux thèmes récurrents dans la thématique de mon travail, sont la solitude existentielle de l'Homme,mais aussi sa quête qui pourrait donner un sens à la vie.

Biographie

Très jeune, je pratique la peinture, les couleurs me fascinent, j'utilise la gouache, l'aquarelle, l'acrylique...

Je m'inscris à deux écoles d'arts plastiques différentes. J'ai travaillé sur des supports divers.

C'est en découvrant le photographe Man Ray,que je décide d'aborder la photographie,captivée par le travail de ce grand artiste.

En ce qui concerne ma formation,c' est un photographe professionnel qui m'a appris l'essentiel.

J'ai débuté par l'argentique que j'ai utilisé pendant plusieurs années,cela me paraissait incontournable pour comprendre cette discipline, avant de passer au numérique.


------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage privé,  public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

Référence : CENA02
870
2
Photographie sur dibond de Clara CENA : La fuite du temps 6
Photographie
Photographie Support : Dibond Cadre : sans Quantité : 5 Dimensions  : 80 cm x 80 cm Année : 2018 Auteur : Clara CENA

Livraison colissimo gratuite

Facilités de paiement ou  règlement  en BITCOINS   contactez nous.

En savoir plus sur l'artiste Clara CENA

Ma démarche.

La peinture a une influence majeure sur mon travail photographique,notamment des peintres tels que Hopper , Peter Klasen, ou Dali m'ont amenée à une réflexion intellectuelle et plastique concernant l'évolution de mes photos. Les couleurs parfois saturées, les jeux de lumière, les contrastes,l'utilisation du noir et blanc, la mise en scène, suscitent une atmosphère onirique qui veut provoquer l'émotion, le trouble en interpellant le spectateur à s'interroger sur ses propres rêves,ses fantasmes, ses peurs,ou ses frustrations.C'est par la connaissance de soi,que l'Homme peut espérer accéder à sa vérité .

La question essentielle qui se pose, est la remise en cause de l'objectivité. Pour résumer, je dirai que seul notre esprit se construit sa propre vérité.

Chaque photographie ne se résume plus à une simple prise de vue, elle est une histoire symbolique, conçue et réfléchie.

Les deux thèmes récurrents dans la thématique de mon travail, sont la solitude existentielle de l'Homme,mais aussi sa quête qui pourrait donner un sens à la vie.

Biographie

Très jeune, je pratique la peinture, les couleurs me fascinent, j'utilise la gouache, l'aquarelle, l'acrylique...

Je m'inscris à deux écoles d'arts plastiques différentes. J'ai travaillé sur des supports divers.

C'est en découvrant le photographe Man Ray,que je décide d'aborder la photographie,captivée par le travail de ce grand artiste.

En ce qui concerne ma formation,c' est un photographe professionnel qui m'a appris l'essentiel.

J'ai débuté par l'argentique que j'ai utilisé pendant plusieurs années,cela me paraissait incontournable pour comprendre cette discipline, avant de passer au numérique.


------------------------------------------------------------------------------------------------------

 

* Toute copie à usage privé,  public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

Référence : CENA01
870
4
Photographie de Martine HAEUW : L'allégresse
Photographie
Technique : Photographie Support : Papier contrecollé sur Alu dibond  Cadre : sans Quantité : 8 Dimensions  : 60 cmx 90 cm Auteur : Martine HAEUW

 

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Martine HAEUW


  Je suis autodidacte. J’ai commencé par la photo argentique que je développais en noir et blanc.
Un jour, j’ai eu envie de donner à mes portraits une dimension plus poétique, plus lyrique, plus fantastique. Je colorisais le tirage papier avec des crayons de maquillage et je collais des pétales de fleurs séchées. Mes « Femmes Fleurs » étaient nées !
Encore aujourd’hui, j’utilise souvent des fleurs. J'aime l'idée de rendre hommage à la Nature.

Ensuite, j’ai découvert les logiciels de traitements de l’image qui m’ont permis d’agrandir mon univers créatif. Je réalise mes prises de vues en studio et je fais un énorme travail en post traitement, par calques et développement (photo montage). Parfois, j’utilise des matières genre canevas, papier de soie, etc. pour obtenir une matière photographique différente.
Tout le travail de création du personnage passe par un subtil et long travail des ombres, des harmonies de couleurs, des compositions, des mouvements et des équilibres. Je me sers des logiciels, comme le peintre de ses pinceaux et de ses couleurs.

En mars 2000, avec un statut d’Artiste libre, j’ai créé mon studio « Photo Créations », pour travaux de portraits artistiques sur commande et recherche personnelle autour du portrait.


Démarche artistique

A travers le portrait, je cherche la beauté, je cherche cette émotion pure, comme une quête spirituelle.
L’émotion devant la beauté quelle qu’elle soit, dans tous les domaines, nous élève, nous connecte avec quelque chose de haut et de fort ; de divin ?
Quelqu’un a dit : « la Beauté sauvera le monde » et moi, je crois à cette rédemption. On ne peut être occupé par les vilaines intentions, quand on cherche la beauté.

Je cherche le rêve. Les rêves sont utiles, ils nous reposent, nous donnent des forces et de l’envie pour aller plus loin et garder l'espoir d'un monde meilleur.

Je cherche la poésie de la Vie pour dire des choses douces, tendres, maternelles, sensuelles. A travers elle, je parle d’Amour. Son expression me permet de vivre un lien privilégié avec les Autres sur Facebook.

Les regards de mes Modèles sont profonds, entiers, ils ne tolèrent pas les bas instincts. Ils font l’éloge des cœurs délicats, mais forts. Ils peuvent être fragiles comme tous les êtres conscients, mais ils ne veulent pas céder à la lâcheté.

Que dire d’autre… Nous ne comprenons pas totalement pourquoi nous faisons les choses…
Mais je sais que ce travail de création par l'image me fait du bien, il m’aide à participer au monde.
Certains dénoncent, témoignent, hurle leur douleur, leurs angoisses, moi je propose une petite promenade dans un paisible jardin où l’on peut rêver encore un peu. Mais parfois, je sors de cet univers gracieux pour crier ma révolte ou ma peine.

Mes uniques Modèles sont mes Filles et mes Petits-enfants et parfois un autoportrait. C’est une belle, très belle histoire d’Amour… ------------------------------------------------------------------------------------------------------


*Cette oeuvre  étant également en vente en galerie, il se peut qu'elle y trouve acheteur, et que  malgré nos mises à jour fréquentes  elle soit indisponible; dans ce cas, nous procèderions alors à remboursement immédiat.

** Malgré le soin apporté à nos photos, il se peut qu'une légère différence subsiste avec la couleur réelle.

***Toute copie à usage public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : HAEUW08
1 200
4
Photographie de Martine HAEUW : La petite elfe Framboise
Photographie
Technique : Photographie Support : Papier contrecollé sur Alu dibond  Cadre : sans Quantité : 8 Dimensions  : 50 cmx 75 cm Auteur : Martine HAEUW

 

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Martine HAEUW


  Je suis autodidacte. J’ai commencé par la photo argentique que je développais en noir et blanc.
Un jour, j’ai eu envie de donner à mes portraits une dimension plus poétique, plus lyrique, plus fantastique. Je colorisais le tirage papier avec des crayons de maquillage et je collais des pétales de fleurs séchées. Mes « Femmes Fleurs » étaient nées !
Encore aujourd’hui, j’utilise souvent des fleurs. J'aime l'idée de rendre hommage à la Nature.

Ensuite, j’ai découvert les logiciels de traitements de l’image qui m’ont permis d’agrandir mon univers créatif. Je réalise mes prises de vues en studio et je fais un énorme travail en post traitement, par calques et développement (photo montage). Parfois, j’utilise des matières genre canevas, papier de soie, etc. pour obtenir une matière photographique différente.
Tout le travail de création du personnage passe par un subtil et long travail des ombres, des harmonies de couleurs, des compositions, des mouvements et des équilibres. Je me sers des logiciels, comme le peintre de ses pinceaux et de ses couleurs.

En mars 2000, avec un statut d’Artiste libre, j’ai créé mon studio « Photo Créations », pour travaux de portraits artistiques sur commande et recherche personnelle autour du portrait.


Démarche artistique

A travers le portrait, je cherche la beauté, je cherche cette émotion pure, comme une quête spirituelle.
L’émotion devant la beauté quelle qu’elle soit, dans tous les domaines, nous élève, nous connecte avec quelque chose de haut et de fort ; de divin ?
Quelqu’un a dit : « la Beauté sauvera le monde » et moi, je crois à cette rédemption. On ne peut être occupé par les vilaines intentions, quand on cherche la beauté.

Je cherche le rêve. Les rêves sont utiles, ils nous reposent, nous donnent des forces et de l’envie pour aller plus loin et garder l'espoir d'un monde meilleur.

Je cherche la poésie de la Vie pour dire des choses douces, tendres, maternelles, sensuelles. A travers elle, je parle d’Amour. Son expression me permet de vivre un lien privilégié avec les Autres sur Facebook.

Les regards de mes Modèles sont profonds, entiers, ils ne tolèrent pas les bas instincts. Ils font l’éloge des cœurs délicats, mais forts. Ils peuvent être fragiles comme tous les êtres conscients, mais ils ne veulent pas céder à la lâcheté.

Que dire d’autre… Nous ne comprenons pas totalement pourquoi nous faisons les choses…
Mais je sais que ce travail de création par l'image me fait du bien, il m’aide à participer au monde.
Certains dénoncent, témoignent, hurle leur douleur, leurs angoisses, moi je propose une petite promenade dans un paisible jardin où l’on peut rêver encore un peu. Mais parfois, je sors de cet univers gracieux pour crier ma révolte ou ma peine.

Mes uniques Modèles sont mes Filles et mes Petits-enfants et parfois un autoportrait. C’est une belle, très belle histoire d’Amour… ------------------------------------------------------------------------------------------------------


*Cette oeuvre  étant également en vente en galerie, il se peut qu'elle y trouve acheteur, et que  malgré nos mises à jour fréquentes  elle soit indisponible; dans ce cas, nous procèderions alors à remboursement immédiat.

** Malgré le soin apporté à nos photos, il se peut qu'une légère différence subsiste avec la couleur réelle.

***Toute copie à usage public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : HAEUW05
800
4
Photographie de Martine HAEUW : Katerina
Photographie
Technique : Photographie Support : Papier contrecollé sur Alu dibond  Cadre : sans Quantité : 8 Dimensions  : 50 cmx 75 cm Auteur : Martine HAEUW

 

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Martine HAEUW


  Je suis autodidacte. J’ai commencé par la photo argentique que je développais en noir et blanc.
Un jour, j’ai eu envie de donner à mes portraits une dimension plus poétique, plus lyrique, plus fantastique. Je colorisais le tirage papier avec des crayons de maquillage et je collais des pétales de fleurs séchées. Mes « Femmes Fleurs » étaient nées !
Encore aujourd’hui, j’utilise souvent des fleurs. J'aime l'idée de rendre hommage à la Nature.

Ensuite, j’ai découvert les logiciels de traitements de l’image qui m’ont permis d’agrandir mon univers créatif. Je réalise mes prises de vues en studio et je fais un énorme travail en post traitement, par calques et développement (photo montage). Parfois, j’utilise des matières genre canevas, papier de soie, etc. pour obtenir une matière photographique différente.
Tout le travail de création du personnage passe par un subtil et long travail des ombres, des harmonies de couleurs, des compositions, des mouvements et des équilibres. Je me sers des logiciels, comme le peintre de ses pinceaux et de ses couleurs.

En mars 2000, avec un statut d’Artiste libre, j’ai créé mon studio « Photo Créations », pour travaux de portraits artistiques sur commande et recherche personnelle autour du portrait.


Démarche artistique

A travers le portrait, je cherche la beauté, je cherche cette émotion pure, comme une quête spirituelle.
L’émotion devant la beauté quelle qu’elle soit, dans tous les domaines, nous élève, nous connecte avec quelque chose de haut et de fort ; de divin ?
Quelqu’un a dit : « la Beauté sauvera le monde » et moi, je crois à cette rédemption. On ne peut être occupé par les vilaines intentions, quand on cherche la beauté.

Je cherche le rêve. Les rêves sont utiles, ils nous reposent, nous donnent des forces et de l’envie pour aller plus loin et garder l'espoir d'un monde meilleur.

Je cherche la poésie de la Vie pour dire des choses douces, tendres, maternelles, sensuelles. A travers elle, je parle d’Amour. Son expression me permet de vivre un lien privilégié avec les Autres sur Facebook.

Les regards de mes Modèles sont profonds, entiers, ils ne tolèrent pas les bas instincts. Ils font l’éloge des cœurs délicats, mais forts. Ils peuvent être fragiles comme tous les êtres conscients, mais ils ne veulent pas céder à la lâcheté.

Que dire d’autre… Nous ne comprenons pas totalement pourquoi nous faisons les choses…
Mais je sais que ce travail de création par l'image me fait du bien, il m’aide à participer au monde.
Certains dénoncent, témoignent, hurle leur douleur, leurs angoisses, moi je propose une petite promenade dans un paisible jardin où l’on peut rêver encore un peu. Mais parfois, je sors de cet univers gracieux pour crier ma révolte ou ma peine.

Mes uniques Modèles sont mes Filles et mes Petits-enfants et parfois un autoportrait. C’est une belle, très belle histoire d’Amour… ------------------------------------------------------------------------------------------------------


*Cette oeuvre  étant également en vente en galerie, il se peut qu'elle y trouve acheteur, et que  malgré nos mises à jour fréquentes  elle soit indisponible; dans ce cas, nous procèderions alors à remboursement immédiat.

** Malgré le soin apporté à nos photos, il se peut qu'une légère différence subsiste avec la couleur réelle.

***Toute copie à usage public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : HAEUW04
800
4
Photographie de Martine HAEUW : Abandon (Clair obscur du Caravage)
Photographie
Technique : Photographie Support : Papier contrecollé sur Alu dibond  Cadre : sans Quantité : 8 Dimensions  : 30 cmx 45 cm Auteur : Martine HAEUW

 

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Martine HAEUW


  Je suis autodidacte. J’ai commencé par la photo argentique que je développais en noir et blanc.
Un jour, j’ai eu envie de donner à mes portraits une dimension plus poétique, plus lyrique, plus fantastique. Je colorisais le tirage papier avec des crayons de maquillage et je collais des pétales de fleurs séchées. Mes « Femmes Fleurs » étaient nées !
Encore aujourd’hui, j’utilise souvent des fleurs. J'aime l'idée de rendre hommage à la Nature.

Ensuite, j’ai découvert les logiciels de traitements de l’image qui m’ont permis d’agrandir mon univers créatif. Je réalise mes prises de vues en studio et je fais un énorme travail en post traitement, par calques et développement (photo montage). Parfois, j’utilise des matières genre canevas, papier de soie, etc. pour obtenir une matière photographique différente.
Tout le travail de création du personnage passe par un subtil et long travail des ombres, des harmonies de couleurs, des compositions, des mouvements et des équilibres. Je me sers des logiciels, comme le peintre de ses pinceaux et de ses couleurs.

En mars 2000, avec un statut d’Artiste libre, j’ai créé mon studio « Photo Créations », pour travaux de portraits artistiques sur commande et recherche personnelle autour du portrait.


Démarche artistique

A travers le portrait, je cherche la beauté, je cherche cette émotion pure, comme une quête spirituelle.
L’émotion devant la beauté quelle qu’elle soit, dans tous les domaines, nous élève, nous connecte avec quelque chose de haut et de fort ; de divin ?
Quelqu’un a dit : « la Beauté sauvera le monde » et moi, je crois à cette rédemption. On ne peut être occupé par les vilaines intentions, quand on cherche la beauté.

Je cherche le rêve. Les rêves sont utiles, ils nous reposent, nous donnent des forces et de l’envie pour aller plus loin et garder l'espoir d'un monde meilleur.

Je cherche la poésie de la Vie pour dire des choses douces, tendres, maternelles, sensuelles. A travers elle, je parle d’Amour. Son expression me permet de vivre un lien privilégié avec les Autres sur Facebook.

Les regards de mes Modèles sont profonds, entiers, ils ne tolèrent pas les bas instincts. Ils font l’éloge des cœurs délicats, mais forts. Ils peuvent être fragiles comme tous les êtres conscients, mais ils ne veulent pas céder à la lâcheté.

Que dire d’autre… Nous ne comprenons pas totalement pourquoi nous faisons les choses…
Mais je sais que ce travail de création par l'image me fait du bien, il m’aide à participer au monde.
Certains dénoncent, témoignent, hurle leur douleur, leurs angoisses, moi je propose une petite promenade dans un paisible jardin où l’on peut rêver encore un peu. Mais parfois, je sors de cet univers gracieux pour crier ma révolte ou ma peine.

Mes uniques Modèles sont mes Filles et mes Petits-enfants et parfois un autoportrait. C’est une belle, très belle histoire d’Amour… ------------------------------------------------------------------------------------------------------


*Cette oeuvre  étant également en vente en galerie, il se peut qu'elle y trouve acheteur, et que  malgré nos mises à jour fréquentes  elle soit indisponible; dans ce cas, nous procèderions alors à remboursement immédiat.

** Malgré le soin apporté à nos photos, il se peut qu'une légère différence subsiste avec la couleur réelle.

***Toute copie à usage public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : HAEUW02
460
4
Photographie de Martine HAEUW : 13 Novembre 2015 et tous les jours maudits dans le monde
Photographie
Technique : Photographie Support : Papier contrecollé sur Alu dibond  Cadre : sans Quantité : 8 Dimensions  : 50 cmx 75 cm Auteur : Martine HAEUW

 

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste Martine HAEUW


  Je suis autodidacte. J’ai commencé par la photo argentique que je développais en noir et blanc.
Un jour, j’ai eu envie de donner à mes portraits une dimension plus poétique, plus lyrique, plus fantastique. Je colorisais le tirage papier avec des crayons de maquillage et je collais des pétales de fleurs séchées. Mes « Femmes Fleurs » étaient nées !
Encore aujourd’hui, j’utilise souvent des fleurs. J'aime l'idée de rendre hommage à la Nature.

Ensuite, j’ai découvert les logiciels de traitements de l’image qui m’ont permis d’agrandir mon univers créatif. Je réalise mes prises de vues en studio et je fais un énorme travail en post traitement, par calques et développement (photo montage). Parfois, j’utilise des matières genre canevas, papier de soie, etc. pour obtenir une matière photographique différente.
Tout le travail de création du personnage passe par un subtil et long travail des ombres, des harmonies de couleurs, des compositions, des mouvements et des équilibres. Je me sers des logiciels, comme le peintre de ses pinceaux et de ses couleurs.

En mars 2000, avec un statut d’Artiste libre, j’ai créé mon studio « Photo Créations », pour travaux de portraits artistiques sur commande et recherche personnelle autour du portrait.


Démarche artistique

A travers le portrait, je cherche la beauté, je cherche cette émotion pure, comme une quête spirituelle.
L’émotion devant la beauté quelle qu’elle soit, dans tous les domaines, nous élève, nous connecte avec quelque chose de haut et de fort ; de divin ?
Quelqu’un a dit : « la Beauté sauvera le monde » et moi, je crois à cette rédemption. On ne peut être occupé par les vilaines intentions, quand on cherche la beauté.

Je cherche le rêve. Les rêves sont utiles, ils nous reposent, nous donnent des forces et de l’envie pour aller plus loin et garder l'espoir d'un monde meilleur.

Je cherche la poésie de la Vie pour dire des choses douces, tendres, maternelles, sensuelles. A travers elle, je parle d’Amour. Son expression me permet de vivre un lien privilégié avec les Autres sur Facebook.

Les regards de mes Modèles sont profonds, entiers, ils ne tolèrent pas les bas instincts. Ils font l’éloge des cœurs délicats, mais forts. Ils peuvent être fragiles comme tous les êtres conscients, mais ils ne veulent pas céder à la lâcheté.

Que dire d’autre… Nous ne comprenons pas totalement pourquoi nous faisons les choses…
Mais je sais que ce travail de création par l'image me fait du bien, il m’aide à participer au monde.
Certains dénoncent, témoignent, hurle leur douleur, leurs angoisses, moi je propose une petite promenade dans un paisible jardin où l’on peut rêver encore un peu. Mais parfois, je sors de cet univers gracieux pour crier ma révolte ou ma peine.

Mes uniques Modèles sont mes Filles et mes Petits-enfants et parfois un autoportrait. C’est une belle, très belle histoire d’Amour… ------------------------------------------------------------------------------------------------------


*Cette oeuvre  étant également en vente en galerie, il se peut qu'elle y trouve acheteur, et que  malgré nos mises à jour fréquentes  elle soit indisponible; dans ce cas, nous procèderions alors à remboursement immédiat.

** Malgré le soin apporté à nos photos, il se peut qu'une légère différence subsiste avec la couleur réelle.

***Toute copie à usage public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : HAEUW01
800
4
Photographie de Martine HAEUW : La princesse et l'oiseau
Photographie
Technique : Photographie Support : Papier contrecollé sur Alu dibond  Cadre : sans Quantité : 8 Dimensions  : 50 cmx 75 cm Auteur : Martine HAEUW

 

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste

Martine HAEUW

 

Je suis autodidacte. J’ai commencé par la photo argentique que je développais en noir et blanc.
Un jour, j’ai eu envie de donner à mes portraits une dimension plus poétique, plus lyrique, plus fantastique. Je colorisais le tirage papier avec des crayons de maquillage et je collais des pétales de fleurs séchées. Mes « Femmes Fleurs » étaient nées !
Encore aujourd’hui, j’utilise souvent des fleurs. J'aime l'idée de rendre hommage à la Nature.

Ensuite, j’ai découvert les logiciels de traitements de l’image qui m’ont permis d’agrandir mon univers créatif. Je réalise mes prises de vues en studio et je fais un énorme travail en post traitement, par calques et développement (photo montage). Parfois, j’utilise des matières genre canevas, papier de soie, etc. pour obtenir une matière photographique différente.
Tout le travail de création du personnage passe par un subtil et long travail des ombres, des harmonies de couleurs, des compositions, des mouvements et des équilibres. Je me sers des logiciels, comme le peintre de ses pinceaux et de ses couleurs.

En mars 2000, avec un statut d’Artiste libre, j’ai créé mon studio « Photo Créations », pour travaux de portraits artistiques sur commande et recherche personnelle autour du portrait.


Démarche artistique

A travers le portrait, je cherche la beauté, je cherche cette émotion pure, comme une quête spirituelle.
L’émotion devant la beauté quelle qu’elle soit, dans tous les domaines, nous élève, nous connecte avec quelque chose de haut et de fort ; de divin ?
Quelqu’un a dit : « la Beauté sauvera le monde » et moi, je crois à cette rédemption. On ne peut être occupé par les vilaines intentions, quand on cherche la beauté.

Je cherche le rêve. Les rêves sont utiles, ils nous reposent, nous donnent des forces et de l’envie pour aller plus loin et garder l'espoir d'un monde meilleur.

Je cherche la poésie de la Vie pour dire des choses douces, tendres, maternelles, sensuelles. A travers elle, je parle d’Amour. Son expression me permet de vivre un lien privilégié avec les Autres sur Facebook.

Les regards de mes Modèles sont profonds, entiers, ils ne tolèrent pas les bas instincts. Ils font l’éloge des cœurs délicats, mais forts. Ils peuvent être fragiles comme tous les êtres conscients, mais ils ne veulent pas céder à la lâcheté.

Que dire d’autre… Nous ne comprenons pas totalement pourquoi nous faisons les choses…
Mais je sais que ce travail de création par l'image me fait du bien, il m’aide à participer au monde.
Certains dénoncent, témoignent, hurle leur douleur, leurs angoisses, moi je propose une petite promenade dans un paisible jardin où l’on peut rêver encore un peu. Mais parfois, je sors de cet univers gracieux pour crier ma révolte ou ma peine.

Mes uniques Modèles sont mes Filles et mes Petits-enfants et parfois un autoportrait. C’est une belle, très belle histoire d’Amour…

------------------------------------------------------------------------------------------------------


*Cette oeuvre  étant également en vente en galerie, il se peut qu'elle y trouve acheteur, et que  malgré nos mises à jour fréquentes  elle soit indisponible; dans ce cas, nous procèderions alors à remboursement immédiat.

** Malgré le soin apporté à nos photos, il se peut qu'une légère différence subsiste avec la couleur réelle.

***Toute copie à usage public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : HAEUW07
800
3
Photographie de Line TAARNBERG : serie "Les abeilles" - 9
Photographie

Tirage photographique / papier
30 cm x 30 cm x 1 cm
Sous verre - Cadre plastique noir
Année 2018
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteure : Line TAARNBERG

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste

Line TAARNBERG

Line TAARNBERG est née le 6 août 1964 à Copenhague. Elle a fait ses études à l’Académie Royale Danoise des Beaux-Arts de 1984 à 1992.

 

C’est une artiste qui manipule des reformulations dans son travail. Elle reformule, en effet, les chefs-d’œuvre et les mythes anciens pour les adapter à notre époque. C’est à travers les thèmes des différents mythes, tels que l’amour, l’abnégation, le pouvoir et la séduction, qu’elle dramatise ses œuvres.

Selon elle, l’art reflète la période où il est créé – ses interprétations des nymphes, héros, et autres personnages mythiques reflètent, par conséquent, les humains post-moderne.

« J'use des œuvres d'art comme d'une paraphrase des mythes dans lesquels notre époque peut se retrouver. Les thèmes de ces mythes sont utilisés comme réflexions dans mon travail d'art d'une perspective plus dramatique liée à l'amour, le sacrifice de soi, la force et la séduction. L'amour reflète le temps dans sa création. Mes représentations des nymphes, héros et personnages d'autres mythes, reflètent les multiples facettes de l'homme de la post-modernité. »

A travers son objectif, Line Taarnberg nous présente sa fille et son gendre en Eros revisité, en aphrodite et en autres dieux et déesses mythologiques. La réflexion se porte sur le désir et sur le temps. Le notre, le leur, le temps passé et à venir face à la tentation.

Sa série sur les abeilles, nous présente toujours au centre le couple en noir et blanc avec la pomme en couleur : Adam et Eve, la création du monde; c'est en quelque sorte, la signature de Line Taarnberg, cette photo est entourée d'autres photos de ce couple s'embrassant, symbole de l'amour, de l'humanité. Sont aussi représentées, des abeilles butinant, symbole de la nature, mais c'est aussi la représentation de la pollinisation, et l'on a ainsi  le lien direct avec la pomme. Cette composition montre l'harmonie du monde, la beauté et la fragilité de l'ensemble végetaux, animaux, humains.

------------------------------------------------------------------------------------------------------


*Cette oeuvre  étant également en vente en galerie, il se peut qu'elle y trouve acheteur, et que  malgré nos mises à jour fréquentes  elle soit indisponible; dans ce cas, nous procèderions alors à remboursement immédiat.

** Malgré le soin apporté à nos photos, il se peut qu'une légère différence subsiste avec la couleur réelle.

***Toute copie à usage public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : TAARNBERG09
400
4
Photographie de Line TAARNBERG : serie "Les abeilles" - 8
Photographie

Tirage photographique / papier
30 cm x 30 cm x 1 cm
Sous verre - Cadre plastique noir
Année 2018
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteure : Line TAARNBERG

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste

Line TAARNBERG

Line TAARNBERG est née le 6 août 1964 à Copenhague. Elle a fait ses études à l’Académie Royale Danoise des Beaux-Arts de 1984 à 1992.

 

C’est une artiste qui manipule des reformulations dans son travail. Elle reformule, en effet, les chefs-d’œuvre et les mythes anciens pour les adapter à notre époque. C’est à travers les thèmes des différents mythes, tels que l’amour, l’abnégation, le pouvoir et la séduction, qu’elle dramatise ses œuvres.

Selon elle, l’art reflète la période où il est créé – ses interprétations des nymphes, héros, et autres personnages mythiques reflètent, par conséquent, les humains post-moderne.

« J'use des œuvres d'art comme d'une paraphrase des mythes dans lesquels notre époque peut se retrouver. Les thèmes de ces mythes sont utilisés comme réflexions dans mon travail d'art d'une perspective plus dramatique liée à l'amour, le sacrifice de soi, la force et la séduction. L'amour reflète le temps dans sa création. Mes représentations des nymphes, héros et personnages d'autres mythes, reflètent les multiples facettes de l'homme de la post-modernité. »

A travers son objectif, Line Taarnberg nous présente sa fille et son gendre en Eros revisité, en aphrodite et en autres dieux et déesses mythologiques. La réflexion se porte sur le désir et sur le temps. Le notre, le leur, le temps passé et à venir face à la tentation.

Sa série sur les abeilles, nous présente toujours au centre le couple en noir et blanc avec la pomme en couleur : Adam et Eve, la création du monde; c'est en quelque sorte, la signature de Line Taarnberg, cette photo est entourée d'autres photos de ce couple s'embrassant, symbole de l'amour, de l'humanité. Sont aussi représentées, des abeilles butinant, symbole de la nature, mais c'est aussi la représentation de la pollinisation, et l'on a ainsi  le lien direct avec la pomme. Cette composition montre l'harmonie du monde, la beauté et la fragilité de l'ensemble végetaux, animaux, humains.

------------------------------------------------------------------------------------------------------


*Cette oeuvre  étant également en vente en galerie, il se peut qu'elle y trouve acheteur, et que  malgré nos mises à jour fréquentes  elle soit indisponible; dans ce cas, nous procèderions alors à remboursement immédiat.

** Malgré le soin apporté à nos photos, il se peut qu'une légère différence subsiste avec la couleur réelle.

***Toute copie à usage public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : TAARNBERG08
400
3
Photographie de Line TAARNBERG : serie "Les abeilles" - 7
Photographie

Tirage photographique / papier
30 cm x 30 cm x 1 cm
Sous verre - Cadre plastique noir
Année 2018
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteure : Line TAARNBERG

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste

Line TAARNBERG

Line TAARNBERG est née le 6 août 1964 à Copenhague. Elle a fait ses études à l’Académie Royale Danoise des Beaux-Arts de 1984 à 1992.

 

C’est une artiste qui manipule des reformulations dans son travail. Elle reformule, en effet, les chefs-d’œuvre et les mythes anciens pour les adapter à notre époque. C’est à travers les thèmes des différents mythes, tels que l’amour, l’abnégation, le pouvoir et la séduction, qu’elle dramatise ses œuvres.

Selon elle, l’art reflète la période où il est créé – ses interprétations des nymphes, héros, et autres personnages mythiques reflètent, par conséquent, les humains post-moderne.

« J'use des œuvres d'art comme d'une paraphrase des mythes dans lesquels notre époque peut se retrouver. Les thèmes de ces mythes sont utilisés comme réflexions dans mon travail d'art d'une perspective plus dramatique liée à l'amour, le sacrifice de soi, la force et la séduction. L'amour reflète le temps dans sa création. Mes représentations des nymphes, héros et personnages d'autres mythes, reflètent les multiples facettes de l'homme de la post-modernité. »

A travers son objectif, Line Taarnberg nous présente sa fille et son gendre en Eros revisité, en aphrodite et en autres dieux et déesses mythologiques. La réflexion se porte sur le désir et sur le temps. Le notre, le leur, le temps passé et à venir face à la tentation.

Sa série sur les abeilles, nous présente toujours au centre le couple en noir et blanc avec la pomme en couleur : Adam et Eve, la création du monde; c'est en quelque sorte, la signature de Line Taarnberg, cette photo est entourée d'autres photos de ce couple s'embrassant, symbole de l'amour, de l'humanité. Sont aussi représentées, des abeilles butinant, symbole de la nature, mais c'est aussi la représentation de la pollinisation, et l'on a ainsi  le lien direct avec la pomme. Cette composition montre l'harmonie du monde, la beauté et la fragilité de l'ensemble végetaux, animaux, humains.

------------------------------------------------------------------------------------------------------


*Cette oeuvre  étant également en vente en galerie, il se peut qu'elle y trouve acheteur, et que  malgré nos mises à jour fréquentes  elle soit indisponible; dans ce cas, nous procèderions alors à remboursement immédiat.

** Malgré le soin apporté à nos photos, il se peut qu'une légère différence subsiste avec la couleur réelle.

***Toute copie à usage public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : TAARNBERG07
400
4
Photographie de Line TAARNBERG : serie "Les abeilles" - 6
Photographie

Tirage photographique / papier
30 cm x 30 cm x 1 cm
Sous verre - Cadre plastique noir
Année 2018
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteure : Line TAARNBERG

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste

Line TAARNBERG

Line TAARNBERG est née le 6 août 1964 à Copenhague. Elle a fait ses études à l’Académie Royale Danoise des Beaux-Arts de 1984 à 1992.

 

C’est une artiste qui manipule des reformulations dans son travail. Elle reformule, en effet, les chefs-d’œuvre et les mythes anciens pour les adapter à notre époque. C’est à travers les thèmes des différents mythes, tels que l’amour, l’abnégation, le pouvoir et la séduction, qu’elle dramatise ses œuvres.

Selon elle, l’art reflète la période où il est créé – ses interprétations des nymphes, héros, et autres personnages mythiques reflètent, par conséquent, les humains post-moderne.

« J'use des œuvres d'art comme d'une paraphrase des mythes dans lesquels notre époque peut se retrouver. Les thèmes de ces mythes sont utilisés comme réflexions dans mon travail d'art d'une perspective plus dramatique liée à l'amour, le sacrifice de soi, la force et la séduction. L'amour reflète le temps dans sa création. Mes représentations des nymphes, héros et personnages d'autres mythes, reflètent les multiples facettes de l'homme de la post-modernité. »

A travers son objectif, Line Taarnberg nous présente sa fille et son gendre en Eros revisité, en aphrodite et en autres dieux et déesses mythologiques. La réflexion se porte sur le désir et sur le temps. Le notre, le leur, le temps passé et à venir face à la tentation.

Sa série sur les abeilles, nous présente toujours au centre le couple en noir et blanc avec la pomme en couleur : Adam et Eve, la création du monde; c'est en quelque sorte, la signature de Line Taarnberg, cette photo est entourée d'autres photos de ce couple s'embrassant, symbole de l'amour, de l'humanité. Sont aussi représentées, des abeilles butinant, symbole de la nature, mais c'est aussi la représentation de la pollinisation, et l'on a ainsi  le lien direct avec la pomme. Cette composition montre l'harmonie du monde, la beauté et la fragilité de l'ensemble végetaux, animaux, humains.

------------------------------------------------------------------------------------------------------


*Cette oeuvre  étant également en vente en galerie, il se peut qu'elle y trouve acheteur, et que  malgré nos mises à jour fréquentes  elle soit indisponible; dans ce cas, nous procèderions alors à remboursement immédiat.

** Malgré le soin apporté à nos photos, il se peut qu'une légère différence subsiste avec la couleur réelle.

***Toute copie à usage public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : TAARNBERG06
400
Photographie de Line TAARNBERG : serie "Les abeilles" - 5
Photographie

Tirage photographique / papier
30 cm x 30 cm x 1 cm
Sous verre - Cadre plastique noir
Année 2018
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteure : Line TAARNBERG

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste

Line TAARNBERG

Line TAARNBERG est née le 6 août 1964 à Copenhague. Elle a fait ses études à l’Académie Royale Danoise des Beaux-Arts de 1984 à 1992.

 

C’est une artiste qui manipule des reformulations dans son travail. Elle reformule, en effet, les chefs-d’œuvre et les mythes anciens pour les adapter à notre époque. C’est à travers les thèmes des différents mythes, tels que l’amour, l’abnégation, le pouvoir et la séduction, qu’elle dramatise ses œuvres.

Selon elle, l’art reflète la période où il est créé – ses interprétations des nymphes, héros, et autres personnages mythiques reflètent, par conséquent, les humains post-moderne.

« J'use des œuvres d'art comme d'une paraphrase des mythes dans lesquels notre époque peut se retrouver. Les thèmes de ces mythes sont utilisés comme réflexions dans mon travail d'art d'une perspective plus dramatique liée à l'amour, le sacrifice de soi, la force et la séduction. L'amour reflète le temps dans sa création. Mes représentations des nymphes, héros et personnages d'autres mythes, reflètent les multiples facettes de l'homme de la post-modernité. »

A travers son objectif, Line Taarnberg nous présente sa fille et son gendre en Eros revisité, en aphrodite et en autres dieux et déesses mythologiques. La réflexion se porte sur le désir et sur le temps. Le notre, le leur, le temps passé et à venir face à la tentation.

Sa série sur les abeilles, nous présente toujours au centre le couple en noir et blanc avec la pomme en couleur : Adam et Eve, la création du monde; c'est en quelque sorte, la signature de Line Taarnberg, cette photo est entourée d'autres photos de ce couple s'embrassant, symbole de l'amour, de l'humanité. Sont aussi représentées, des abeilles butinant, symbole de la nature, mais c'est aussi la représentation de la pollinisation, et l'on a ainsi  le lien direct avec la pomme. Cette composition montre l'harmonie du monde, la beauté et la fragilité de l'ensemble végetaux, animaux, humains.

------------------------------------------------------------------------------------------------------


*Cette oeuvre  étant également en vente en galerie, il se peut qu'elle y trouve acheteur, et que  malgré nos mises à jour fréquentes  elle soit indisponible; dans ce cas, nous procèderions alors à remboursement immédiat.

** Malgré le soin apporté à nos photos, il se peut qu'une légère différence subsiste avec la couleur réelle.

***Toute copie à usage public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : TAARNBERG05
400
3
Photographie de Line TAARNBERG : serie "Les abeilles" - 4
Photographie

Tirage photographique / papier
30 cm x 30 cm x 1 cm
Sous verre - Cadre plastique noir
Année 2018
Tirages limités à 5 exemplaires
Auteure : Line TAARNBERG

Livraison colissimo gratuite

En savoir plus sur l'artiste

Line TAARNBERG

Line TAARNBERG est née le 6 août 1964 à Copenhague. Elle a fait ses études à l’Académie Royale Danoise des Beaux-Arts de 1984 à 1992.

 

C’est une artiste qui manipule des reformulations dans son travail. Elle reformule, en effet, les chefs-d’œuvre et les mythes anciens pour les adapter à notre époque. C’est à travers les thèmes des différents mythes, tels que l’amour, l’abnégation, le pouvoir et la séduction, qu’elle dramatise ses œuvres.

Selon elle, l’art reflète la période où il est créé – ses interprétations des nymphes, héros, et autres personnages mythiques reflètent, par conséquent, les humains post-moderne.

« J'use des œuvres d'art comme d'une paraphrase des mythes dans lesquels notre époque peut se retrouver. Les thèmes de ces mythes sont utilisés comme réflexions dans mon travail d'art d'une perspective plus dramatique liée à l'amour, le sacrifice de soi, la force et la séduction. L'amour reflète le temps dans sa création. Mes représentations des nymphes, héros et personnages d'autres mythes, reflètent les multiples facettes de l'homme de la post-modernité. »

A travers son objectif, Line Taarnberg nous présente sa fille et son gendre en Eros revisité, en aphrodite et en autres dieux et déesses mythologiques. La réflexion se porte sur le désir et sur le temps. Le notre, le leur, le temps passé et à venir face à la tentation.

Sa série sur les abeilles, nous présente toujours au centre le couple en noir et blanc avec la pomme en couleur : Adam et Eve, la création du monde; c'est en quelque sorte, la signature de Line Taarnberg, cette photo est entourée d'autres photos de ce couple s'embrassant, symbole de l'amour, de l'humanité. Sont aussi représentées, des abeilles butinant, symbole de la nature, mais c'est aussi la représentation de la pollinisation, et l'on a ainsi  le lien direct avec la pomme. Cette composition montre l'harmonie du monde, la beauté et la fragilité de l'ensemble végetaux, animaux, humains.

------------------------------------------------------------------------------------------------------


*Cette oeuvre  étant également en vente en galerie, il se peut qu'elle y trouve acheteur, et que  malgré nos mises à jour fréquentes  elle soit indisponible; dans ce cas, nous procèderions alors à remboursement immédiat.

** Malgré le soin apporté à nos photos, il se peut qu'une légère différence subsiste avec la couleur réelle.

***Toute copie à usage public et/ou commercial est strictement interdite.  Les textes et photos sont protégés par le code de la propriété intellectuelle.

 

Référence : TAARNBERG04
400